음악적 토픽의 해석과 교육적 함의: 바흐의 《평균율 클라비어 곡집》 2권 20번을 중심으로

김기량 이화여자대학교 음악연구소 2024 이화음악논집 Vol.28 No.1

음악적 토픽은 한 시대가 가지는 역사, 문화, 관습, 정서에 따라 생성과 발전을 거듭해온 음악적 양식, 장르, 표현적 의미 같은 요소들로서 작품 속에 내적인 의미로 담기게 된다. 바흐의 음악은 추상적인 음악이며, 작곡가가 악보에 남긴 해석을 위한 단서가 적고, 작곡 당시의 악기도 현대의 악기와는 기능과 표현의 결이 다르다. 이로 인해 연주자는 개별적인 감정을 표현하는데 자유로움을 갖는 동시에 시대적 산물로서의 이 음악이 지닌 엄격한 형식과 규칙을 따라야 한다. 따라서 바흐의 음악을 해석할 때는 이 음악이 가진 두 속성을 모두 고려해야 한다. 같은 맥락으로 《평균율 클라비어 곡집》의 해석은 정형화된 음악적 ‘양식’에 바탕을 둘 수 있는데, 이는 기악음악의 장르들이 자리를 잡아가는 시기에 작곡된 교육용 작품이라는 창작 당시의 시대적 배경에 근거한다. 동시에 그 해석은 현대를 살아가는 연주자의 창의적 표현에도 도움을 줄 수 있어야 한다. 이에 토픽 이론은 《평균율 클라비어 곡집》의 작곡 시대의 음악적 역사, 관습, 문화를 반영하면서도 연주자의 개별적인 감정 표현을 가능케 하는 해석으로 적절하다. 이는 음악 분석에 치중해 왔던 과거의 해석적 한계를 보완하며, 악곡의 특정한 주제나 모티브를 감정적인 요소와 연관 지어 연주의 표현력을 향상시키는 장점이 있다. 따라서 이 작품이 가진 교육적 연주적 목표를 동시에 달성할 수 있다. 24개의 《평균율 클라비어 곡집》 중 다수의 작품이 전형적인 춤곡의 양식에 기반하는 데 반해, 2권 20번 작품은 음형과 음악적 스타일의 토픽으로 구분되는 독특한 작품으로서 대학생 이상 수준의 학습자를 고려해 본 연구에서 논하고자 한다. 이 연구의 목적은 음악적 토픽의 해석과 교육적 함의를 알아보는 데 있다. 선택된 《평균율 클라비어 곡집》 2권 20번을 해석하기 위해 먼저 라멘토 선율과 웅변조 양식을 알아보고, 작품에 적용하여 해석하고, 마지막으로 음악적 토픽이 가지는 교육적 함의를 논하고자 한다. Musical topics are elements such as musical styles, genres, and expressive meanings that have been created and developed according to the history, culture, customs, and emotions of an era. These elements are contained in the work as an inner meaning even if the composer does not reveal them on the surface. Bach's music is abstract, with less interpretive clues left by the composer in the score, and the instruments of his time differed in function and expression from modern ones. This allows performers the freedom to express individual emotions while adhering to the strict rules and structures inherent in the music. Therefore, interpreting Bach's music requires consideration of both aspects. In the same vein, the interpretation of Well-Tempered Clavier can be grounded in standardized musical forms, reflecting its origins as educational pieces created during a period when instrumental music genres were emerging in the Baroque period. Simultaneously, interpretation should aid contemporary performers in their creative expression. Thus, applying the topic theory to Well-Tempered Clavier is appropriate, as it reflects the musical history, customs, and culture of Bach's time while allowing for individual emotional expression by performers. This approach addresses past analytical limitations and enhances expressive capabilities by associating specific themes or motifs with emotional elements, thereby achieving both educational and performance objectives. Among the 24 preludes and fugues of Well-Tempered Clavier many are based on typical dance forms, but the 20th piece of Book 2 stands out as a distinct work categorized by its musical topics and styles. This study aims to discuss this piece, considering learners at the undergraduate level or higher. The purpose of this research is to explore the interpretation and educational implications of musical topics. To interpret the selected piece from Well-Tempered Clavier . the study will first examine the Lament motive and Declamatory topic, apply them to the work for interpretation, and finally discuss the educational implications of musical topics.

한국 피아노교수법 연구의 현황과 과제

최진호 ( Choi Jin Ho ) 한국피아노교수법학회 2017 음악교수법연구 Vol.18 No.2

본 연구의 목적은 그동안 지속되어 온 피아노 교수학 관련 연구들의 연구유형과 주제들을 파악하여 한국 피아노교수법 연구의 현황을 밝히고 미래의 한국 피아노교수법 연구가 나아가야할 방향 및 과제를 제시하는 것이다. 이를 위해, 한국에서 출간되는 대부분의 논문이 포함된 한국교육학술정보원에서 제공하는 논문 검색엔진인 RISS(www.riss.kr)를 통해, 그동안 한국에서 출간되어온 피아노교수법 관련 논문들의 데이터를 확보하여, 한국 피아노교수법 연구의 동향을 분석하고, 앞으로 나아갈 과제를 제시해 보았다. 연구결과는 다음과 같다. 먼저 한국 피아노교수법 연구는 한국 피아노교수법 학회의 발전과 맥을 함께하고 있었으며, 5시기로 구분된 피아노교수법학회의 역사적 흐름과 정확히 일치하는 발전 양상을 보였다. 둘째, 피아노 교수법 학회지인 ‘음악교수법연구’가 전체 한국 피아노교수법 연구논문의 73%(n=112)를 포함하고 있어, 피아노 교수법 연구에 중추적 역할을 하고 있는 것으로 나타났다. 셋째, 피아노교수법 연구대상별 분석 결과 62.7%(n=96)가 대학생(전문가) 및 초등학생에 집중되어 있고, 유아, 성인, 특수계층에 대한 연구는 거의 없어 연구대상의 쏠림현상이 심각한 것으로 나타났다. 마지막으로 피아노교수법 연구의 76%(n=117)의 논문이 문헌연구방법을 사용하고 있고, 양적연구는 11%(n=18)에 그쳐, 피아노교수법 연구의 연구방법론적 다양성을 확보하는 것이 시급한 것으로 나타났다. The purpose of this study was to identify the methodological trend of piano pedagogy research in Korea and provide suggestions to the future research direction of Korean piano pedagogy. In order to achieve this goal, this study used RISS (www.riss.kr), the web search-engine regulated by Korean government for collecting and analyzing data. The results of this study are as following. First, the developmental stages of the Korean piano pedagogy research was the same as those of the Korean Association of Piano Pedagogy(KAPP). Secondly, the ‘Research in Music Pedagogy(RMP)’, a main journal of KAPP, was the most important journal contributing studies of Korean piano pedagogy in that 73% of piano pedagogical studies in Korea was published in RMP. Thirdly, research subjects in Korean piano pedagogy focused on college and elementary students while toddlers, adults, and special needs were very limited. Lastly, majority of Korean piano pedagogy studies were review articles(76%). Thus, studies in Korean piano pedagogy needs to balance research methodologies and subjects.

비판적 페다고지를 적용한 음악교수학습

최미영 ( Choi Mi Young ) 한국피아노교수법학회 2016 음악교수법연구 Vol.17 No.2

비판적 페다고지는 프랑크푸르트학파의 비판 이론, 영국의 문화 연구, 후기 구조주의 이론의 영향을 받았다. 비판적 페다고지는 이미 정해진 교육과정에서 단순히 지식의 형성과 전달에 관심을 갖는 것이 아니라 기존의 은행식 교육의 문제를 비판하면서, 교사와 학생 사이의 민주적인 대화방식과 학생들이 교실 밖 자신들의 현실 세계에서 이미 알고 있는 것을 교육목표와 연결하여 질문을 던지고 해결의 실마리를 모색하도록 격려하는 문제 제기 교육방식을 통해 개인의 비판적 역량 강화와 삶의 변화를 통한 사회문화적 변혁을 추구하고자 한다. 따라서 본 연구는 먼저 비판적 페다고지의 개념과 주요 특징에 대해 알아본 후 비판적 페다고지에 근거하여 아브람스가 개발한 음악교수모형을 살펴보고, 교수모형에 따른 예시 음악수업안과 비판적 음악수업의 의의를 모색하였다. The purpose of the study is to apply critical pedagogy to the field of music education. In order to accomplish it, the study examines the definition and key principles of critical pedagogy as a best teaching practice, and describes music teaching model developed by Frank Abrahams based on critical pedagogy. Then, this study provides sample music lessons based on Abrahams’ teaching model and suggests the implications of critical music lesson. Critical pedagogy for music education inspires a conversational exchange of information between a music teacher and students and it shifts the power structures in music classroom by acknowledging that students come to class with information gleaned from their own experiences. Also, critical music pedagogy poses and solves questions and problems to students that the pedagogy causes them to take what they already knew and understood from their world outside music classroom and connects it to their educational goals. This breaks down barriers that exist between what students understood outside the classroom and the knowledge their teacher wants them to learn. Throughout this process, students feel empowered by their knowledge and are alerted to plentiful opportunities for meaningful experiences inside and outside the classroom. This leads to change in perception and transforming experience for both students and their teacher.

세계 음악 교수법에 대한 예비교사의 인식 사례 연구

차동주 한국음악교육학회 2024 음악교육연구 Vol.53 No.4

본 연구는 Patricia S. Campbell이 고안한 세계 음악 교수법(World Music Pedagogy)을 적용하여 예비 교사들을 대상으로 교수법적 의미를 탐색하는 데 그 목적이 있다. 이를 달성하기 위해, 연구자는 사례 연구를 연구방법으로 채택하였다. 연구 참여자는 초등음악교육전공 4학년에 재학 중인 예비 교사들(N = 20)로 구성되었다. 교수법의 의미를 탐색하기 위해 선정한 제재곡은 <Chicitios pero Picos>이다. 연구 참여자들은 2024년 1학기동안총 15주에 걸쳐 세계 음악 교수법을 학습 후 개인 면담과 학급 토론에 참여하고 자기 성찰지를 제출하였다. 수집된데이터를 분석하여 도출한 연구의 결과를 요약하면 다음과 같다. 첫째, 타문화에 대한 이해와 공감의 폭을 넓혀준다. 둘째, 감상, 연주, 창작 영역간 통합을 통한 학습자의 능동적 참여유도와 창의성을 증진시킨다. 셋째, 창작 단계에서 음악적 결과물에 대한 성취감을 증대시킨다. 본 연구결과를 바탕으로 초등학교 음악수업에서 현장 교사들이간학문적 영역과 감상, 연주, 창작 영역을 단계별로 통합하여 체계적으로 지도할 수 있는 세계 음악 교수법을 다문화음악교육의 교수법적 틀로써 적극 활용하기를 기대한다. The purpose of this case study was to surface pre-service teachers’ perceptions of World Music Pedagogy(WMP) as designed by Patricia S. Campbell. Study participants(N = 20), who were enrolled in the Elementary Music Learning and Teaching Methods course, engaged with the pedagogical theory of WMP and learned a representative musical piece in the Cumbia of a coastal musical genre, <Chicitios pero Picos>. They participated in interviews, class discussions, and submitted reflection papers to share the pedagogical meaning from their perspectives. Findings centered around (a) expanding one’s understanding of global musical cultures and traditions; (b) encouraging one’s active participation and creativity via the content integration of music appreciation, performing, creating and interdisciplinary areas; and (c) maximizing one’s learning achievement from the creating stage. These findings strengthened the significance of the application of WMP to a diverse range of music genres around the world when in-service elementary teachers organize world music lesson plans.

교과교육학의 관점에서 중등학교 음악 교사의 역량 강화에 관한 논의

민경훈 한국음악교육공학회 2014 음악교육공학 Vol.- No.18

Music teachers should be equipped with outstanding teaching methods that can deliver music-related contents in an easy-to-understand and clear manners to help students cultivate musical abilities and acquire related knowledge. Even if a teacher has superior musical capability and expertise, students may perceive him very differently. In other words, when a teacher is not capable of effectively delivering the course content or has failed to properly prepare course materials, students might perceive him as an unenthusiastic teacher. Music teachers should provide music education in an easy-to-understand and joyful manners by clearly understanding the key elements of music teaching methodology in detail for successful music education. In addition, teachers should lead to improve students’ musical abilities through various class materials while they are watching, listening and moving. In that respect, the purpose of this study is to explore and understand the key elements of music teaching methodology that teachers should consider for successful music education. The key elements include the followings: accurate knowledge of curriculum and teaching & learning methods, understanding of learners’ characteristics, the course content and establishing teaching & learning strategies. Music teachers should strengthen their music education competencies by realizing relevant details based on such elements. 음악 교사는 음악과 연관된 내용을 쉽게 그리고 명확하게 표현할 수 있는 뛰어난 지도방법적 능력을 소유함으로써 학생들이 음악적 능력을 배양하고 지식을 습득하는데 도움을 주어야 한다. 음악 교사의 음악적 능력 및 전문 지식이 매우 우수하다고 할지라도 지도하는 방법에 따라 학생들로 하여금 전혀 다르게 인식될 수 있다. 즉, 교사가 전달 표현력이 부족하거나 혹은 수업 자료를 제대로 준비하지 않았을 때, 학생들로부터 비열정적인 교사로 비춰질 수 있다. 음악교사는 성공적인 음악 수업을 위하여 음악교과교육학적 지식을 분명히 이해하여 음악을 쉽고 즐겁게 전달해 주어야 한다. 이점에서 이 논문은 중등학교 음악 교사들의 음악교과교육학적 역량을 강화시키는 것을 목표로 삼고, 공신력 있는 문서들을 바탕으로 중등학교 음악 교사들이 필수적으로 알아야 할 음악교과교육학적 지식들과 이에 따른 세부 요소들을 설정한 후, 이에 대한 근거와 당위성 그리고 타당성을 확고하게 수립하기 위해 음악교육학적 혹은 교육학적 맥락에서 논의해 보는 것을 목적으로 한다. 이러한 목적과 함께 이 논문은 연구 대상을 ‘음악 교사로서 자기 계발의 중요성’, ‘교육과정과 학습자 이해의 능력’, ‘교수․학습 전략의 역량’으로 크게 세 가지로 정하고, 이에 대한 각각의 세부 요소들을 설정하여 살펴보았다. 이러한 세부 요소들은 중등 음악 교사들이 음악교육자로서의 자기 계발의 중요성을 깨닫고, 교육과정과 학습자의 특성을 바르게 이해하며, 또한 교수․학습 전략을 효과적으로 수립하는 데에 필요한 음악교과교육학적 역량을 강화시켜 주는데 도움을 줄 것이다.

무용음악의 가치 및 가능성 연구

김은수 ( Kim Eun-soo ) 한국무용교육학회 2020 한국무용교육학회지 Vol.31 No.4

Dance is an arts combining music and movement and expresses human life in a sophisticated manner. Over the years, it has boldly joined with music and expanded its spectrum of the collaboration and communication. As such, musicians have been developing a great interest in dance music and producing varieties of the experimental outcomes accordingly. As dance considers every sound, dance music features comprehensiveness and originality. On the outside, it is a convergence arts combined with dance, and on the inside, it is an arts encompassing a total sound containing works’ texture, image, energy, and story. This study aims to establish a new concept for dance music at the present time by discussing the distinctive and comprehensive values and potential of dance music. For this, the study examines the areas where dancers can participate in creating music, including silence sound, language, noise, space sound, and computer music. This study further explores the potentials of dance music - a collaboration of sound and movement, expansion into music pedagogy, provision of ideas for innovative compositions - to break new ground.

한국 음악교육학계의 최근 연구동향 분석

원영실(Won Young-Sil) 한국국악교육학회 2006 국악교육 Vol.24 No.-

The purpose of this study is to analyze the latest tendency in research of Korean Music Education, and to provide reasonal directions. For an accurate analysis, I have selected two Journals : Korean Journal of research in Music Education published by KMES(Korean Music Education society) and Journal of the Korean Music and Education published by SKME(Society for Korean Music Educator’s). This study is within the range of the articles published by KMES and SKME during the year 2000 ~ 2005, and the criterion for classification follows a subordinate position of Pedagogy. First of all, I have classified all articles in accordance with a subordinate position of Pedagogy, and then I have presented the title of each paper to provide information about the latest tendency in research of Korean Music Education. As a succeeding work, I have analyzed the contents of all articles by using a distribution chart. Therefore I have concluded as follows. First, the subject of korean music educational research should be diversified and extended ; from elementary music education to secondary music education, and further more to higher music education. Second, it is required to train an expert in music education in accordance with a subordinate position of Pedagogy at once.

음악교육에서 지속가능발전교육을 위한 실천적 연계 방안 연구

정진원,오지향,최은식,이수진 학습자중심교과교육학회 2025 학습자중심교과교육연구 Vol.25 No.4

목적 본 연구의 목적은 음악적 경험과 지속가능발전교육을 유기적으로 연계하여, 학습자들이 음악적 창의성을 발휘하고 사회적책임감을 내면화할 수 있는 실천적 교수학습 과정 모형을 제안하는 데 있다. 방법 본 연구에서는 ‘음악 중심 지속가능발전교수학습 모형’ 개발의 타당성 확보를 위하여 실천적 음악교육 철학을 기반으로, 음악교육에서 삶과 사회, 세계에 대한 가치관 형성의 중요성과 함께 자발적 실천을 통한 사회적 책무성에 대하여 고찰하였고, 교수학습방법론 도출을 위하여 지속가능발전 교육의 쟁점과 함께 지속가능발전 교육의 핵심 교수법으로서 변혁적 교수법의 적용 가능성을분석하였다. 1차적으로, 4단계로 구성된 음악중심 지속가능발전 교수학습과정 모형의 초안을 개발하고, 전문가 검증과 자문을 통해모형을 정교화하여 최종 모형을 도출하였다. 결과 연구 결과, ‘음악 중심 지속가능발전 교수학습과정 모형’을 구축하였다. 모형은 음악학습을 지속가능발전목표와 연계하여 이해와 실천을 구조적으로 확장하는 것을 목적으로 하며, ‘도입-탐구-적용-참여 및 실천’의 4단계로 설계되었다. 학습의 각 단계에서는 변혁적 교수법 원리를 적용하여 경험, 비판적 사고와 성찰, 사회적 상호 작용과 창의적 문제 해결, 사회적 참여와 실천을 강조하였다. 전문가 검증 및 자문을 통하여 모형의 단계 특성을 구체화하고 음악학습에서의 실제적 적용을 위한 방안을 제안하였다. 결론 본 연구에서는 음악교육이 지속가능발전교육의 실천적 장으로 작용할 수 있는 가능성을 확인하였으며, 음악 경험을 기반으로학습자의 전인적 성장과 지속가능한 미래 사회 형성에 기여할 수 있는 보다 구체화된 교육 방안을 제시하였다. 연구에서 제안한 실천적 모형은 범교과적 가치의 교과 교육 적용이라는 점에서 학문적, 교육적 의의를 가지며, 지속가능발전교육과 음악교육의 유기적연계를 위한 토대를 제공할 것으로 기대한다. Objectives The purpose of this study is to propose a practical teaching and learning model that organically con nects musical experience with Education for Sustainable Development(ESD), allowing learners to express their musical creativity and internalize social responsibility Methods This study aimed to validate the development of a “Music-Centered Sustainable Development Teaching- Learning Model” grounded in the philosophy of practical music education. It explores the importance of fostering values related to life, society, and the world through music education, alongside the cultivation of social responsi bility through voluntary practices. To derive effective teaching methodologies, the study analyzed key issues in Education for Sustainable Development (ESD) and examined the applicability of transformative pedagogy as a core teaching method. Initially, a draft of the music-centered sustainable development teaching-learning process model, comprising four stages, was developed. This model was then refined and finalized through expert vali dation and consultation. Results As a result of the study, a “Music-Based Transformative Learning Model for Sustainable Development” was developed. The model aims to structurally expand understanding and practice by linking music learning with sustainable development goals. It is designed in four stages: “Introduction - Exploration - Application - Participation and Practice.” In each stage of learning, the principles of transformative pedagogy are applied, emphasizing expe rience, critical thinking and reflection, social interaction and creative problem-solving, and social participation and practice. Through expert validation and consultation, the characteristics of each stage of the model were clarified, and practical applications for music learning were proposed. Conclusions This study confirmed the potential of music education to serve as a practical platform for education for sustainable development. Based on musical experiences, it proposed a more concrete educational approach that can contribute to the holistic growth of learners and the formation of a sustainable future society. The practical model suggested in this study holds academic and educational significance in that it applies cross-curricular val ues to subject-specific education, and is expected to lay the foundation for the organic linkage between education for sustainable development and music education.

Integrating Northeastern Thai Folk Melodies into Piano Education: A Cross-Cultural Approach to Music Pedagogy and Creativity

묵다무앙 아몬마스,피도크라짓 나롱차이 한국음악교육학회 2025 음악교육연구 Vol.54 No.2

This study aims to explore the integration of Isan folk melodies into piano education as a cross-cultural approach to music pedagogy, and to develop piano lessons that preserve cultural heritage while enhancing the educational experience for students. The research followed a qualitative methodology, with informants selected purposively from four key groups: folk music experts, performance specialists, music academics and undergraduate piano students. Results show the effectiveness of newly developed lessons in promoting both cultural preservation and musical innovation. The findings further highlight potential for these integrated lessons to be used in various educational settings, contributing to the broader goal of fostering cultural understanding and appreciation in music education. The integration of Isan folk melodies into piano education represents a significant step forward in the cross-cultural approach to music pedagogy. Suggestions include integrating arts and cultural performances into public and private learning centers, offering additional potential for community engagement. The creation of Isan melody piano lessons in this study also demonstrates the potential for further educational applications and innovations in music learning, with the potential to be expanded into music learning materials tailored to various levels, incorporating historical or cultural content to enrich the educational experience.

잠(John A. Zahm)의 『소리와 음악』(Sound and Music)에서 시범 실험의 교육적 기능들

구자현 ( Ja Hyon Ku ) 경남대학교 인문과학연구소 2016 인문논총 Vol.40 No.-

A professor of physics at Notre Dame University, John A. Zahm’s Sound and Music, which was published in 1892, is a textbook aimed at teaching musical acoustics to the public and the future musicians. The most prominent feature of the lecture course is the frequent and earnest utilization of demonstrative experiments. By employing Kenneth Burke``s pentadic method, this paper reveals that the main motive of the adoption of a variety of demonstrative experiments in Zahm’s lecture course of musical acoustics is to pursue the fusional pedagogy of science and music. The paper illustrates what pedagogic functions his presentation of demonstrative experiments serves in the fusional pedagogy: On the scientific side, experiments provide the audience with the teaching of conceptual terms, the teaching and proof of scientific statements, the falsification of theories, the delivery of experimenting skills, the confirmation of hypotheses by analogy, and the approximate proof of quantitative laws And on the musical side, they simultaneously provide the audience with the practical knowledge for discriminating musical sounds as well as the theoretical knowledge of musical principles and the working principles of musical instruments. Therefore the textbook, which provides a exemplar for the fusional pedagogy of science and music, is a useful material for STEAM education.