프랑스 어문학 : 랭보의 타자에 대한 재해석 또는 제해석

정남모 ( Nam Mo Jung ) 한국프랑스문화학회 2014 프랑스문화연구 Vol.28 No.-

“Car Je est un autre. Si le cuivre s’eveille clairon, il n’y a rien de sa faute.” Dans ces phrases de Rimbaud, le “je” n’existe que pour amorcer une motivation qui provoque son propre cours et s’accomplit sans le role du sujet. Ensuite, le poete eclipse l’ordre de la volonte et du “je” pour l’introduire dans le monde de “l’inconnu”. Il y a donc ici une nette distance entre le “je” et “un autre”. Quelle est alors cette approche du poete qui rend encore plus mysterieuse l’expression poetique “un autre”? Pour repondre a cette question, nous avons choisi d``adopter une partie en trois chapitres: 1) la structure des lettres dites “du Voyant”, 2) La reinterpretation du ‘Je est un autre’ rimbaldien, 3) le concept de correlation entre ‘un autre’ et “un voyant”. Nous avons cherche a comprendre le concept de l’ ‘autre’ de Rimbaud dont les interpretations sont plethoriques dans le “Je est un autre”. Les recherches que nous avons menees concernant cette conception nous ont conduit a poser une constatation psychologique simple: Je-Conscient et Autre-Inconscient. Car Rimbaud dit ‘JE est un autre. Tant pis pour le bois qui se trouve violon, et Nargue aux inconscients, qui ergotent sur ce qu``ils ignorent tout a fait !’ Ensuite, pour connaitre le concept de correlation entre ‘un autre’ et “un voyant”, nous avons reinterpreter, en effet, les trois etapes (Je - Autre - voyant) qui sont d’une importance capitale pour comprendre la theorie de Rimbaud. Il s’agit ainsi de suivre l’evolution du “Je”: l’ “autre” est donc le lieu ou s’effectue d’abord la transformation d’une realite negative, pour ensuite arriver a une realite positive par la seconde transformation qui annonce l’avenir. L’ “autre” devient ainsi le “voyant” des temps futurs dessinant le monde a venir ou voyant un nouveau monde qui s``appelle l’inconnu.

젤레르의 『타인 L'Autre』에 나타난 경계의 모호성

권현정 한국불어불문학회 2022 불어불문학연구 Vol.- No.132

Florian Zeller nous invite à « un jeu de masques » par de multiples facettes. Dans son œuvre, il met en scène des personnages volontairement flous : l’Autre devient tour à tour l’amant d’Elle ou l’amie d’enfance ou un autre... D’ailleurs, la frontière entre Lui et l’Autre paraît incertaine. Lui ne cesse de s’analyser, de se remémorer de l’enfance à travers l’Autre, comme si «Je est un autre» était mise en espace. L’image de l’Autre est ainsi multiple telle qu’Elle qui devient dans la conscience de Lui tantôt sa mère, tantôt sa fiancée. Cette ambiguïté de l’identité des personnages est soulignée par le traitement de l'espace et du temps : le réel et l’imaginaire sont constamment superposés via l’apparition soudaine d’un personnage qui est censé être ailleurs, ainsi que la structure circulaire et le théâtre dans le théâtre. L’écriture va et vient librement entre le présent et le passé, la réalité et la fiction, la scène et le hors-scène. Dans cet entre-deux, s’enchaîne une suite d’interrogations sur le vrai visage caché derrière le masque.

발레리와 로빈슨 크루소의 섬: 부재의 타자가 함께하는 풍경

김시원 ( Kim Siwon ) 한국프랑스어문교육학회 2018 프랑스어문교육 Vol.63 No.-

Le Robinson réécrit par Paul Valéry est intéressant par ses caractéristiques peu ressemblantes à l'oeuvre originale de Daniel Defoe. Robinson valéryen, représenté comme “oisif, pensif, pourvu”, n'a pas les mêmes tendances physiques et psychologiques que le Robinson d'origine. Robinson, qui n'a pas besoin de lutter contre la nature menaçante pour survivre, possède l'abondance matérielle et la liberté du temps pour jouir d'une vie intellectuelle parfaite. Ce que Valéry a emprunté à Robinson de Defoe, il s'agit moins de sa situation insulaire que sa solitude spirituelle. Le Robinson valéryen paraît d'abord une ébauche du monde idéal que rêvait Valéry. Pourtant, Robinson qui semble jouir sa solitude absolue, il a en fait la soif des autres. Il cherche ce qui réconforte sa solitude et rêve de la présence des autres dans son île. Par l'imagination de ceux qui sont invisibles mais présents dans son île, Robinson valéryen ne se déconnecterait plus du Monde. Cette étude aborde brièvement la question du « Sujet et Autres » que partagent tous les romans de Robinson. Cette étude tente d'étudier l'île de Robinson comme un nouvel espace où s'efface la frontière entre le Sujet, l'Autre et le Monde. Dans l'île de Robinson, espace le plus isolé, il existe une relation imprévue avec un Autre et une tentative de communication avec le Monde. Tous les Robinsons depuis Daniel Defoe partagent le même dilemme, soit spatial soit mental, entre son île et sa patrie, entre Soi-même et le Monde. Robinson valéryen reprend ainsi le sens caché du roman de Defoe à travers le dilemme robinsonner résulté de ses tendances opposées.

정신분석학의 알레고리적 서사, 『미쳐버리고 싶은, 미쳐지지 않는』 (이인성, 1995) 연구

이인표 한국문학연구학회 2024 현대문학의 연구 Vol.- No.83

이 논문은 『미쳐버리고 싶은, 미쳐지지 않는』론이다. 이 소설을 정신분석학적 알레고리로 통찰한다는 점에서 정신분석학적 비평론이기도 하다. 소설은 전작들에서 이어지는 작가의 서사 언어 해체를 가장 극명하게 보여준다. 논문은 이 해체의 과정과 목표가 심층심리학을 추구하는 프로이트 계열의 정신분석학의 과정과 목표를 구현하고 있음을 밝힐 것이다. 프로이트 계열의 정신분석학은 의식의 심층인 무의식을 탐색한다는 점에서 심층심리학이라 회자된다. 특히 라캉은 언어 기표의 구조로 심층의 무의식이 현상되는 바를 상세히 통찰했다. 고도로 추상된 관념의 은유로 가득 찬 라캉 텍스트의 난해함은 정평이 나 있다. 그러므로 텍스트의 스타일이라는 물적 근거로 그 추상성을 완화해 문학 비평이 심층심리학의 개념을 구체화할 수 있다. 이 논문이 『미쳐버리고 싶은, 미쳐지지 않는』론이자 이를 통한 정신분석학 비평론을 표방하는 이유는 여기에 있다. 라캉이 자기의 심층심리학이 문학적 자질들과 조우하기 바랐던 이유도 여기에 있을 것이다. 이렇게, 『미쳐버리고 싶은, 미쳐지지 않는』과 정신분석학을 상호 고양하고자 본론에서는 이 소설에서 ‘나’, ‘너’, ‘그’로 해체되는 서술자 정체성에 먼저 주목할 것이다. 그리고 이들이 각각 상상계적 주체, 상징계적 주체, 실제계적 주체임을 밝힐 것이다. Ⅱ장에서는 자아 이상인 ‘성한 여자’와 상상계적인 관계를 맺는 ‘나’를 고찰한다. Ⅲ장에서는 대타자인 ‘미친 여자’와 상징계적 관계를 맺는 ‘너’를 고찰할 것이다. Ⅳ장에서는 소타자적 환상을 향유함으로써 실재계를 향하는 ‘그’를 고찰할 수 있을 것이다. 이를 통해 『미쳐버리고 싶은, 미쳐지지 않는』 이 정신분석학이 추구하는 무의식의 심층을 무척 완미하게 구현해낸 알레고리로 재조명될 것이다. This study is a theory on Wanting to Go Crazy, but Not Going Crazy. It is also a psychoanalytical criticism in that it examines this novel as a psychoanalytical allegory. This novel most clearly shows the author’s deconstruction of narrative language, which continues from his previous works. This study will reveal that the process and goal of this deconstruction embody those of Freudian psychoanalysis, which pursues depth-psychology. Freudian psychoanalysis is called depth-psychology in that it explores the unconscious, which is the depth of consciousness. In particular, Lacan had a detailed insight into the phenomenon of deep unconsciousness through the structure of linguistic signifiers. The difficulty of Lacan’s text, full of metaphors of highly abstract ideas, is well-known. Therefore, literary criticism can embody the concepts of depth-psychology by alleviating its abstractness through the material basis of the styles of literary text. This is the reason why this paper advocates the theory of Wanting to Go Crazy, but Not Going Crazy and the psychoanalycal criticism through it. This may also be the reason why Lacan hoped that his depth-psychology would encounter literary qualities. In this way, in order to mutually promote Wanting to Go Crazy, but Not Going Crazy and psychoanalysis, this paper will first focus on the narrator’s identity, which is broken down into “I”, “you”, and “he”. And it will be revealed that these are imaginary subject, symbolic subject, and real subject, respectively. Chapter Ⅱ examines the “I” who forms an imaginary relationship with the a “sane woman” who is the ego-ideal. Chapter Ⅲ will examine “you”, who forms a symbolic relationship with an “insane woman”, Autre. In Chapter Ⅳ, we will be able to consider “him” heading towards the real by enjoying the fantasy of autre. Through this, Wanting to Go Crazy, but Not Going Crazy will be revealed as a perfect allegory that embodies the depth of unconsciousness pursued by depth-psychoanalysis.

김훈 소설에서 묘사의 문제 -『내 젊은 날의 숲』을 중심으로

김주언 한국현대소설학회 2019 현대소설연구 Vol.- No.76

This paper focuses on exploring the relationship between the writer and the world that is revealed through the description. The object that Kim Hoon describes in The Forest of My Young Days starts with a small flower and ends up being a scenery. The protagonist is an artist who paints botanical art on canvas and at the same time a narrator who expresses what he cannot draw and the impossibility of description. By distinguishing ‘see’ from ‘seen’, the author highlights the methodological problems of the process of painting and describing it as a major narrative situation. The prosperity realm of Kim Hoon does not lie in overlapping the issue of epistemology in painting. It is to replace and magnify the problem with a problem of the impossibility of description. For Kim Hoon, describing the object would be describing the impossibility of description created with the subject. Why? Despite its outstanding sensual brilliance, the end of the forest comes into being something that cannot be described in The Forest of My Young Days because it is the ‘scenery’ of the Autre. What Kim Hoon's description world challenges is not the world of autre who can fully define and control the object with language expressions. Only when one departs from the ideology of "landscape" in the liberal arts of Eastern, one can meet the scenery of the Autre. The scenery meeting outside all ideologies is the Autre and a cosmic futility. When the scenery becomes foregrounded, things like historical or social and political topics can be backgrounded. This has nothing to do with the reality of Kim Hoon's novel, especially the novel The Forest of My Young Days. In Kim Hoon's novel, scenery is not subordinate to the subject as an ancillary existence, or as an excuse for setting. It comes as a hidden protagonist, hard to describe in itself. 이 연구는 묘사를 통해 드러나는 작가와 세계와의 관계를 탐구하는 데 주력한다. 김훈이 『내 젊은 날의 숲』에서 묘사하는 대상은 작은 꽃 하나에서부터 시작해결국 풍경이라고 할 수 있다. 주인공은 화폭에 식물 세밀화를 그리는 화가이면서동시에 텍스트 도처에서 그릴 수 없는 것, 묘사 불가능성을 토로하는 화자이기도하다. 작가는 ‘본다’는 행위와 ‘보인다’는 사실을 구분함으로써 그림에 이르는 과정, 묘사하기 과정의 방법론적 문제를 주요 서술 상황으로 부각시키고 있다. 김훈 득의의 영역은 그림 그리기에 인식론의 문제를 중첩시킨다는 데 있는 것이 아니고, 그 문제를 묘사 불가능성의 문제로 치환하고 확대한다는 데 있다. 김훈에게 대상을 묘사한다는 것은 대상과 함께 생성된 묘사 불가능성을 묘사하는 일이 되는 것이다. 왜 그런가? 빼어난 감각적 탁월성에도 불구하고 『내 젊은 날의 숲』에서 숲이 끝내는 묘사될 수 없는 것으로 등장하는 까닭은, 이를테면 숲이 대타자의 ‘풍경’이기 때문이다. 김훈의 묘사 세계가 도전하는 것은 언어 표상으로 대상을 충분히 정의하고 장악할수 있는 소타자의 세계를 넘어서 끊임없이 묘사 불가능성의 곤경을 동반하는 대타자의 세계이다. 동양의 인문 교양 속에 있는 ‘산수’라는 이데올로기를 벗어나야 비로소 대타자 풍경을 만날 수 있다. 모든 이데올로기를 벗어난 지점에서 만나는 풍경은 대타자이며, 우주적 허무이다. 풍경이 전경화될 때 역사적 주제 혹은 사회적· 정치적 주제 같은 것이 후경화될 수 있다는 것은 김훈 소설, 특히 『내 젊은 날의 숲』의 소설 현실과 결코 무관하지 않다. 김훈의 이 소설에서 풍경은 주제의 보조적인 존재로서, 혹은 세팅의 한 구실로 종속되어 있는 것이 아니라 그것 자체만으로도 묘사하기 힘들고 벅찬 숨은 주인공으로 다가와 있다.

랭보의 1871년의 편지들 (1) -타자의 시-

한대균 ( Dae Kyun Han ) 한국불어불문학회 2004 불어불문학연구 Vol.0 No.57

“타자”의 시는 시적 객관성을 바탕으로 한다. “나는 하나의 타자”라는 중심 명제에서 출발한 이 “객관적 시”는 1871년이란 시점에서 볼 때 매우 이례적이었다. 당시 시단을 이끌고 있던 파르나스파의 시의 객관성과 전혀 관련이 없을 뿐 아니라, 이 시의 주제와 형태의 편협함 그리고 그 예술의 시대적 무가치에 대한 비판이 암묵적으로 드러나 있기 때문이다. 1870년에 파르나스파의 일원이 되고자 했던 랭보는 보불전과 파리 콤뮌을 거치면서, 1871년 5월 두 통의 편지와 그에 담긴 네 편의 시를 통하여, 전혀 다른 새로운 시인으로 재탄생하게 된다. 그의 시학은 자기중심적 기술과 묘사에서 벗어날 수 있는 “타자”의 시에 대한 추구로 급격히 선회된 것이다. 1871년 5월 13일 랭보는 스승 이장바르에게 편지를 보낸다. 여기서 그는 “나는 생각한다 라고 말하면 잘못입니다. 나는 생각되는 자라고 말해야 할 것입니다.”라고 선언한다. 시인은 언어의 객관성을 추구해야 한다는 언급인데, 이는 저 유명한 “투시자”의 시학과 곧바로 연결되고 있다. 1871년 5월 15일자 친구 드므니에게 보낸 편지에서 그 시학은 보다 구체화되는 과정을 밟는다. 이 편지를 열고 있는 <파리 전가>는 당대의 정치적 상황을 바탕으로 하고 있으며, <잔-마리의 손>이나 <파리의 향연>등과 함께, 사회의 새로운 요구를 수용하는 텍스트로 간주될 수 있다. 프루동의 이론이 드러나 있는 텍스트의 개혁적 성격은 기존 질서에 대한 단순한 반항을 넘어, 시가 나아가야 할 방향에 대한 성찰로 이어진다. 이를 위하여 랭보는 편지에서 그리스 시대부터 낭만주의 운동에 이르기까지의 시적 흐름을 언급하며, 진정한 시인의 부재를 말한다. 시인은 단순히 작시법에 능숙한 자가 아니라, 창조자이고 “투시자”가 되어야 한다는 시학을 펼치고 있다. 랭보가 말하는 사회의 진보는 서구를 바치고 있던 종교와 철학에 대한 전반적인 반성을 요구하고 있다. 여기서 여성의 역할이 규정된다. 1870년의 시편들에서 나타나는 여성과는 전혀 다른 존재로서 사회의 미래를 예견하고 “미지세계”를 탐색할 여성에 대한 시학은 신비주의와 미슐레의 역사관을 바탕으로 한다. 편지에 첨부된 또 하나의 시, <나의 작은 여인들>은 아직도 랭보의 여성에 대한 혐오를 적나라하게 드러나고 있지만, 역설적으로 시인은 그 여인을 통하여 진정한 시인으로 탄생될 수 있음을 말하고 있다. 물리적 존재로서의 여인은 해체되고 여인은 하나의 사상이 되고 하나의 이론 자체가 되는 것이다. 랭보가 자주 언급하고 있는 “자비의 누이들”의 해석은 이를 바탕으로 해야 할 것이다. 랭보의 시적 변천과정은 매우 급격하다. 1870년의 시는 1871년 5월의 편지들에 의하여 그 가치가 소멸되고, 또 이 편지들이 담고 있는 시학은 1872년의 자유 운문시에서 순수한 시적 연금술에 대한 시도로 전진되며, 1873년의 산문시에서는 급기야 모든 문학이 부인되고 있다. 그 과정에서 1871년 5월은 하나의 정점이라고 말할 수 있겠다. 우리는 이 시기의 두 편지들을 실증주의적 정신의 소산으로 보았고 사회주의 및 신비주의에 대한 독서에서 나온 글로 일부 해석했지만, 곧 <취한 배>를 쓰게 되는 랭보를 콩트철학의 단순한 지지자나 혹은 셍-시몽 주의자또는 발랑슈 이론의 답습가로 보려는 것이 아니며, 시학의 끊임없는 변화의 과정에서, 그의 정신은 늘 새로운 시를 쓰고 있는 것이고 결국 시 자체의 거부에 이르고 있음을 말하고자 했던 것이다. 즉, 다가올 랭보의 침묵은, 말하자면 문학의 종국은 “타자”의 시에 도달하는 “시인-투시자”의 영혼과 관련될 것임을 1871년 5월의 편지 분석을 통하여 제시되고 있는 것이다.

J.M. 쿳시의 자서전 담론 —『소년 시절』과 『청년 시절』에 나타난 임상적 초상

왕은철 한국영어영문학회 2024 영어 영문학 Vol.70 No.2

J.M. Coetzee skillfully disrupts and deconstructs the conventional boundaries of autobiography, coining the term “autre-biography” to encapsulate his unique approach that lies somewhere between autobiography and fiction. His profound engagement with the genre of autobiography dates back to 1984, when he delivered an inaugural lecture at the University of Cape Town titled “Truth in Autobiography.” This lecture laid the groundwork for his 1986 essay, “Confession and Double Thoughts: Tolstoy, Rousseau, Dostoevsky,” where he intricately challenged the notion of truth-telling within the realm of autobiography. This paper delves into the complexities of Coetzee’s multifaceted perspectives on autobiography, positing that his overarching theory of autobiography significantly influences and permeates his own autobiographical works. Through meticulous examination, this paper aims to unravel Coetzee’s intricate narrative techniques and shed light on how his conceptualization of autobiography shapes the thematic underpinnings of Boyhood and Youth. In both Boyhood and Youth, Coetzee fearlessly confronts uncomfortable truths about himself, demonstrating a willingness to expose aspects of his life that may not align with his personal interests. Despite the elusive nature of these revelations, Coetzee’s unconventional foray into crafting his own autre-biography attests to his earnest and, at times, ruthless commitment to portraying the “aura of truth” surrounding his life and times. For him, the culmination of confession lies in the relentless pursuit of truth for oneself, emphasizing the profound and transformative power of scrutinizing the past through a lens of unflinching honesty and ultimately achieving a sense of forgiveness.

「새벽 Aube」의 시적 담론 분석

곽동준 한국프랑스학회 2012 한국프랑스학논집 Vol.78 No.-

Cette étude est d'analyser en détail l'Aube d'Arthur Rimbaud. Ce poème est très caractèristique différemment de la plupart des autres poèmes dans les Illuminations : d'abord, le texte de l'Aube se présente comme un récit, qui est composé de discours et d'histoire d'après Gérard Genette. L'Aube, malgré le poème en prose commence par huit syllabes (J'ai embrassé l'aube d'été), finit par huit syllabes (Au réveil il était midi). Cela prend formellement un style d'un poème en vers libre qui se situe entre le vers régulier et le poème en prose. Entre le premier vers (le passé composé) et le dernier vers (l'imparfait) de l'Aube se trouve cinq strophes, constituées de structure classique en quatre parties (introduction, développement, climax, conclusion). Elles se représentent comme des histoires passées du narrateur (J'ai embrassé l'aube d'été), une sorte de rétrospectif(flash-back). C'est-à-dire, comment embrasse-t-il l'aube d'été?Dans l'introduction, la nuit se domine : tout est en état d'immobilité (Rien ne bougeait...), de mort (L'eau était morte) et d'obscurité (Les camps d'ombres ne quittaient pas...). “Encore” de la première strophe (Rien ne bougeait encore...) représente très bien ces situations juste avant l'aube. Mais c'est le héros (actant) de l'histoire poétique qui s'est positivement placé pour explorer l'aube (J'ai marché, réveillant...). Dans le développement, son “première entreprise” est d'abord “une fleur qui dit son nom”, ensuite “la déesse” qui entre en scène à travers le “wasserfall blond” et “la cime argentée”. Autrement dit, le narrateur a trouvé une pureté primitive du cosmos (Je ris...) et une vérité qui s'obtient de l'éveil de conscience (je reconnus...). Le mot “déjà” de la deuxième strophe (déjà empli de frais et blêmes éclats...) répond à “encore” de la première strophe ; à recomposer, “encore”, mais “j'ai marché, réveillant ...”, à travers ma “première entreprise” “je ris...” et en fin de compte “je reconnus la déesse” de l'aube. Dans le climax (“Alors”, premier mot du premier vers de la quatrième strophe) une indice de tournant du discours), avec l'agrandissement des éclats de l'aube, l'intensité de ses gestes(je levai un à un les voiles.... en agitant les bras... je l'ai dénoncée) et avec la diffusion des espaces (Dans l'allée... Par la plaine... A la grand'ville...) se passe une chasse poursuite entre “je” et “la déesse” (elle fuyait... courant... je la chassais). Elle reflète une crise et un enchevêtrement de ce récit poétique et à la fois elle fait se rappeler un discours mythologique d'Apollon et Daphné. Et enfin, dans la conclusion, le héros a attrapé la déesse de l'aube (je l'ai entourée...), mais il a “senti un peu.” Ici, “un peu” veut dire une figitivité du réveil. Et le sujet du dernier vers, “Au réveil” est aussi l'enfant. En particulier, le “je” est devenu “l'enfant” (L'aube et l'enfant tombèrent au bas du bois) : le lien entre “je” et l'aube jusqu'à maintenant est transfiguré en celui de “l'enfant” et de l'aube ; le “je”, un autre objectivisé, autrement dit, c'est le voyant de Rimbaud : “JE est un autre”

개인과 집단의 기억의 재구성 -프랑시스 르클레르의 Memoires affectives의 경우-

김도훈 ( Do Hoon Kim ) 한국불어불문학회 2013 불어불문학연구 Vol.0 No.96

Memoires affectives de Francis Leclerc est un film qui illustre cinematographiquement l`hermeneutique du soi pronee par Paul Ricoeur. Le protagoniste du film, Alexandre est amnesique suite a un accident de voiture, lorsqu`il a tente d`euthanasier un chevreuil. Il n`est pas en mesure de reconstruire sa memoire sans l`intervention des autres. Ses proches tels que sa femme, sa fille, son collegue et sa copine sont les adjuvants de sa quete des memoires perdues. Les adjuvants quebecois deviennent tout a coup les opposants en dementant leurs propres propos, et cela amene Alexandre a prendre conscience que son identite est la somme des souvenirs contradictoires des autres. D`autre part, les adjuvants immigrants tels que l`inspectrice d`origine libanaise Maksoud et le docteur noir l`aident a restituer son histoire passee, tout en mettant en valeur le caractere hybride de son identite. Tous les adjuvants d`Alexandre constituent le choeur de la tragedie grecque ; ils representent les interets moraux de la communaute quebecoise. La quete personnelle d`Alexandre devient ainsi la quete collective des Quebecois en vue de reconstituer leur memoire collective. La plaque d`immatriculation quebecoise sur laquelle se figure la devise, Je me souviens est la mise en abyme du film tout entier, le statut du je d`Alexandre qui veut se souvenir de son origine etant problematique. Il doit se recourir a son frere, c`est-a-dire a son alter ego pour recomposer son je. A l`aide de son frere Joseph, Alexandre arrive enfin a raconter l`histoire de son origne qu`est le pere. Mais ce recit se revele celui du parricide ; c`etait lui qui a tue son pere. Les freres Joseph et Alexandre forment deux facettes d`une meme personne, chacune representant tour a tour la memoire et son refoulement. L`image d`Alexandre qui retrace sa memoire en etalant chronologiquement les photos sur le mur de sa maison est celle du cineaste Leclerc qui fait le montage cinematographique. Leclerc nous donne a voir, a travers la quete du heros, celle du film quebecois qui ne jette plus le regard narcissique sur la quebecite, mais sur l`inquietante etrangete de la memoire tant personnelle que collective.

토끼전의 등장인물이 드러내는 욕망의 정체

김나영 ( Na Yeong Kim ) 한국고소설학회 2015 고소설연구 Vol.39 No.-

The central narrative of Tokki-jeon depends heavily on the relations between linguistic expressions and contents. In doing so, the narrative successfully uses allegory to show the personified world of animals in lingual representation. However, linguistic representation is not identical to pre-linguistic status. This essay focuses upon the discrepancy of the linguistic representations within the text in use of Jacque Lacan`s concepts. As a analytical tool of the text, Lacanian reading and concepts were used. Tokki-jeon has been analysed from traditional approaches and narrative rules. However, a psychoanalytic approach will be also beneficial to understand that repeated exaggerations and lies within the text/language accompany the subtle intention to expose and criticize truth The study mainly uses the Lacanian concepts of signifiant, the Symbolic, Autre/the Other, Desire, and subject of enunciation to analyze the narrative of Tokki-jeon. According to Lacan, Tokki-jeon represents the Symbolic constituted with signifants, and its inhabitants(rabbit, turtle, Dragon king, and other animals) are the Other(s) that reveal the human subject. Exaggeration, bluffs, and lies in the text should be understood as distorted expression of truth. The narrative of Tokki-jeon distorted reality to come close to desire and truth, thereby inducing the reader`s desire for truth. Since Tokki-jeon enables to show the reader’s desire, it produces diverse versions of the text.