종합재료 회화의 추상적 요소가 心理療愈에 미치는 표현에 관한 연구

쑤센위안 경기대학교 대학원 2025 국내박사

본 연구는 종합 자료 추상 표현 회화 예술 창작의 ‘치유(療愈)’ 기능을 기반으로 하여, 예술 창작 과정의 중심적 차원의 감정 에너지 전환과 재창조에 초점을 맞추고, 초개인 심리학 이론을 핵심 시각으로 삼아 종합 자료 추상 표현 회화의 심리적 ‘치유' 가치와 내재적 메커니즘을 깊이 있게 분석한다. 최근 몇 년 동안 사회 리듬이 빨라지고 생활 압박이 증가함에 따라 불안과 같은 심리적 문제가 점차 현대인이 직면한 일반적인 문제가 되었다. 불안을 효과적으로 완화하고 개인의 심리적 성장과 정신적 안정을 촉진하는 방법은 심리학, 예술 치료 및 관련 학문 분야의 중요한 주제가 되었다. 이러한 배경에서 회화 예술은 독특한 시각적 표현 형식과 풍부한 심리 투사 기능으로 인해 점점 더 감정적 어려움을 완화하는 중요한 방식이 되고 있으며, 특히 추상 회화는 자유로운 표현 공간과 다양한 감정 표현 방식으로 거대한 심리적 ‘치유’ 잠재력을 보여주고 있다. 그러나 현재 국내외에서 종합 자료의 추상 표현 예술에 대한 연구는 대부분 역사 발전, 기법 분석 및 형식 탐구 등에 집중되어 있는 반면, 그 내재적 심리 기능, 감정 표현 메커니즘 및 치유적 가치에 대한 연구는 상대적으로 부족한다. 이에 본 논문은 예술과 심리학의 학문 간 융합 관점에서 "종합 자료가 회화 예술 창작의 심리 '치유성' 기능을 추상적으로 표현한다"는 핵심 개념을 명확히 제시하고, 예술 창작 과정 자체가 심리 회복과 감정 전환에서 중요한 역할을 한다는 점을 강조하여 현재 연구의 이론적 격차를 메우려고 시도하고 있다. 우선, 이 글은 예술사, 철학 및 심리학 발전의 맥락을 결합하여 예술 창작과 인간 심리 사이의 역사적 연결을 되돌아보고, 예술 창작의 치유성이 현대 심리 치료의 특별한 산물이 아니라 인간 본능과 문화 전통의 연속임을 입증했다. 추상 예술이 가진 특별한 치유 메커니즘(機制)은 예술 창작 과정에서 개인이 감정 에너지를 투사하고 표현하며 재창조하는 내재적 필요와 본능에서 비롯된다고 지적했다. 둘째, 본 연구는 특히 종합 자료 추상 예술의 구체적인 표현 형태에 초점을 맞추고, 감정 표현과 심리 전환에서의 독특한 장점을 강조한다. 종합적인 재료 자체가 가진 질감, 긴장감, 가소성 및 무작위성 특성을 통해 창작자는 감정의 핵심 영역에 직접 도달할 수 있으며, 창작 과정에서 감정의 깊은 카타르시스, 해방 및 치유 전환을 실현할 수 있다. 창작 과정에서 개인의 심리 상태 변화는 추상회화 치유 메커니즘의 복잡성과 다양성을 반영한다. 동시에, 본 연구는 종합 자료의 추상적 표현 회화 예술 창작에서 잠재 의식 차원의‘자성적(自性)’ 힘 활성화 메커니즘을 더욱 설명했다. 창작 과정은 창작자가 무의식적으로 심층적인 감정 갈등, 억압 및 불안을 화면에 투영하게 하여, 자료의 충돌과 융합을 통해 감정의 재구성 및 승화를 완성한다. 추상 예술 작품에서의 기호성과 은유성은 심리적 감수성과 잠재의식의 외부 공간을 더욱 넓히고, 개인이 심층적인 자기 인식과 감정 인식을 실현하도록 촉진하여 심리적인 내적 통합과 정신적 안정감(安定感)을 달성한다. 또한, 이 글은 예술 창작에서의 치유 효과가 창작자 개인에게만 국한되지 않으며, 작품 발표 후 감상 과정에서도 중요한 심리적 개입 역할을 한다는 점을 탐구했다. 관람자는 시각적 미적 감각 과정에서 작품에 숨겨진 감정적 에너지와 공감하고, 자신의 감정적 경험과 잠재의식 투영을 깨우치며, 이를 통해 자기 반성과 감정 조절을 실현한다. 이러한 양방향 심리 상호작용 모델은 종합 자료 추상 예술이 공공 분야와 사회 심리 개입에서 현실적인 응용 가능성을 강화했다. 뇌과학과 신경과학의 학제적(跨學科的) 관점(視角)에서 추상 예술의 치유 기능 뒤에 숨겨진 신경 심리 메커니즘을 추가로 분석했다. 추상 회화는 그 비구상적 특성으로 인해 감상자와 창작자의 심층적인 감정 공명을 더 쉽게 유발하여 개인의 의식 수준 향상과 인식 시각 확장을 촉진한다. 이로 인해 추상 예술은 감정 해방과 심리 완화에서 독특한 장점을 가질 뿐만 아니라, 개인의 정신적 성장과 심리 재구성을 효과적으로 촉진할 수 있다. 본문은 종합 문헌 분석, 작품 사례 연구 및 연구자 자신의 창작 실천의 세 가지 방법을 통해, 종합 자료의 추상 표현 회화가 감정 치유, 심리 회복 및 정신 구축 등 측면에서 중요한 가치를 검증하고, 예술 창작에서의 감정 에너지 전환과 재창조 메커니즘이 개인 치유를 실현하는 핵심 경로임을 강조했다. 연구의 의의는 예술과 심리의 융합 시각을 통해 예술 치료 이론 체계를 확장하고, 종합 자료 추상 예술의 치유 실천에 이론적 근거와 응용 틀을 제공하는 데 있다. 더 중요한 것은, 본 연구의 탐구가 현대 예술 분야에 예술의 심리 기능을 깊이 이해하고 실천하는 새로운 사고를 제공했다는 점이다. 이는 예술을 개인의 생명 체험과 정신적 요구의 핵심으로 진정으로 되돌리고, 예술 치유 실천의 심층 발전을 촉진하는 데 이론과 실천의 이중 가치를 기여했다. This study is grounded in the “healing” function of abstract expression painting using mixed media, with a focus on the emotional energy transformation and re-creation occurring in the core dimensions of the artistic process. It adopts transpersonal psychology as a key theoretical lens to deeply analyze the psychological healing value and intrinsic mechanisms embedded in mixed-media abstract art. In recent years, the accelerated pace of society and increasing life pressures have made psychological issues such as anxiety commonplace. Exploring effective methods to alleviate anxiety and promote psychological growth and emotional stability has become a central concern in psychology, art therapy, and related fields. Against this backdrop, painting, with its unique visual language and rich capacity for emotional projection, is increasingly recognized as a significant channel for emotional regulation. In particular, abstract painting, with its freedom of expression and diverse emotional vocabulary, demonstrates profound potential for psychological healing. However, existing studies—both domestic and international—on mixed-media abstract art have largely concentrated on historical development, techniques, and formal analysis. In contrast, research on its psychological mechanisms, emotional expression processes, and therapeutic value remains relatively scarce. Therefore, this study, from an interdisciplinary perspective bridging art and psychology, clearly articulates the core concept that “mixed media expresses the psychological healing potential of painting through abstraction,” and emphasizes that the act of artistic creation itself plays a crucial role in emotional recovery and transformation. It aims to fill the current theoretical gap in this field. First, the paper reviews the historical relationship between artistic creation and human psychology within the context of art history, philosophy, and psychology, demonstrating that the healing quality of art is not a modern psychological invention but a continuation of human instinct and cultural tradition. The healing mechanism of abstract art is shown to stem from the innate human need to project, express, and re-create emotional energy. Second, this study emphasizes the unique strengths of mixed-media abstract art in emotional expression and psychological transformation. The intrinsic qualities of mixed media—its texture, tension, plasticity, and randomness—allow artists to access the core of their emotions and achieve deep catharsis, release, and transformation during the creative process. The psychological shifts experienced by the artist throughout creation reflect the complexity and diversity of the healing mechanism of abstract painting. The study also explores how the creation of mixed-media abstract art can activate the subconscious force of the “Self,” whereby unresolved emotional conflicts, repression, and anxiety are unconsciously projected onto the canvas and restructured or sublimated through the collision and integration of materials. The symbolism and metaphorical nature of abstract artworks expand the viewer’s psychological sensitivity and subconscious space, facilitating deep self-awareness and emotional insight, ultimately achieving internal psychological integration and emotional stability. Furthermore, this paper explores how the therapeutic effects of artistic creation extend beyond the creator and function significantly in the process of viewing and audience engagement. Viewers, through aesthetic perception, resonate with the emotional energy embedded in the work, triggering their own emotional experiences and subconscious reflections, leading to self-reflection and emotional regulation. This two-way psychological interaction model enhances the real-world applicability of mixed-media abstract art in public settings and psychosocial interventions. From the interdisciplinary perspectives of neuroscience and neuropsychology, the study also analyzes the mechanisms underlying the therapeutic effects of abstract art. Due to its non-representational nature, abstract art facilitates deeper emotional resonance between the creator and viewer, contributing to heightened levels of consciousness and broader perception. As such, abstract art not only excels in emotional release and psychological relief but also effectively promotes individual mental growth and psychological reconstruction. Using comprehensive literature analysis, case studies of artworks, and the author’s own creative practice, this study verifies the significant value of mixed-media abstract painting in emotional healing, psychological recovery, and mental construction. It highlights that the transformation and re-creation of emotional energy in the artistic process is a key path to personal healing. The significance of this research lies in its expansion of art therapy theory through the integration of art and psychology, and in providing a theoretical foundation and application framework for the healing practice of mixed-media abstract art. More importantly, this study offers a new way of thinking in contemporary art about deeply understanding and practicing the psychological functions of art. It re-centers art as a medium for vital human experience and spiritual need, contributing both theoretically and practically to the deeper development of art-based healing. Keywords: Mixed-Media Painting, Abstract Expressionism, Mixed-Media Abstract Art, Psychological Therapy, Psychological Function of Art

구상표현회화의 물상미에 관한 연구 -‐ 연구자 작품을 중심으로 ‐-

이보순 전남대학교 대학원 2022 국내박사

본 논문은 ‘구상표현회화’의 개념을 정리하고, 그 요체라 할 수 있는 '물상미(物像美)' 개념을 중심으로 연구자 작업과 작품 분석을 목표로 한다. 이에 앞서 폴 세잔, 조르조 모란디, 위샤오푸 세 화가의 작품들을 동일한 관점에서 먼저 분석한다. 이들을 선행 사례작가로 선정한 이유는 이들이야말로 구상표현회화 화가들로 범주화할 수 있는 가장 선구적이고 독보적인 화가들이기 때문이었다. 이들은 구상성을 견지하면서 동시에 사물과 실재에 대해 자신만의 고유한 주관적 심미성으로 새로운 해석과 독자적 표현을 달성해낸 화가들이었다. 이들의 작품분석은 연구자 작품분석에 창조적 비교점을 제공할 뿐만 아니라, ‘구상표현회화의 물상미’ 개념에 대한 일반적인 이해에도 기여할 수 있을 것으로 기대한다. ‘구상표현회화’는 실재하는 구상적 대상을 회화의 대상으로 하되 사실적 묘사를 하지 않고 화가가 대상의 내적 본질을 주관적 심미적으로 이해한 것에 대하여 회화적 표현을 추구하는 회화를 말한다. 표현기법적 측면에서만 본다면 표현주의나 신표현주의와 외관상 거의 차이가 없다. 그러나 그것들이 기존질서에 대한 반감이나 부정현실의 내적 분노나 감정 반응을 표출하는데 중점을 두었다면 구상표현회화는, 현상학적 보기를 통해 ‘물상미(物象美)’를 추구한다는 점에서 큰 차이가 있다. 중국에서 구상표현회화가 현상학과 쉽게 결합할 수 있었던 것은 ‘사의성(寫意性)’이나 ‘관물취상(觀物取象)’ 등을 추구하는 중국 전통회화 정신과 현상학의 내용이 많이 유사하다는 데서 핵심동인을 찾을 수 있다. 중국 전통회화는 대상의 표면적 모습만을 보지 않고 표면 너머의 비가시적 정신이나 형이상학적 성격, 기운, 정취 등을 느끼면서 대상의 내재적 본질과 진실에 닿고자 하는데 바로 이것이 현상학의 본질직관이나 상호반영적 시선 등의 개념들과 닿아있는 것이다. ‘구상표현’이라는 용어는 1975년 프랑스 예술평론가 장 클레어(Jean Clair)에 의해 최초로 만들어졌으나, 이것을 현상학과 중국의 물상미와의 결합을 통해 ’구상표현회화‘의 용어로 발전시키면서 현대회화의 의미있는 한 창작방식으로 체계화했던 사람은 중국의 화가이자 이론가인 쓰투리(司徒立 Situ Li)이다. 쓰투리는 『당대 예술위기 및 구상표현회화』에서 “구상표현회화 형식은 물상의 실제 본질을 반영할 뿐만 아니라 실재 물상 뒤에서 화가 내면의 심미 사상을 담아내고 있다" 라면서 구상표현회화를 ‘물상미’와 관련하여 정의내리고 있다. 물상(物象)은 중국 고전미학에서 본체론적, 인식론적 측면에서 모든 미적 인식활동의 출발점이라고 할 수 있을 정도로 중요한 개념이다. 물상은 관물취상(觀物取象)과 관련된 용어로 대상과 인식주체간의 상호성이 녹아있는 개념이다. ‘사물을 관찰해 그 상을 취한다’ 라는 뜻의 觀物取象은 형이하학적 물성(物)은 물론 형이상학적 본질성(象)까지를 포함하며, 그것을 관찰하고(觀) 취(取)하는 인식주체의 인식작용이나 심미성을 동시에 포함한다. 물상미(物象美) 역시 상호적 개념이다. 물상의 아름다움은 사물의 외형적 물성(物)뿐만 아니라 내재적 품성 및 본질성(象)까지를 포함하는 물상의 총체적 진실이 보여주는 아름다움을 의미하되, 인식주체의 인식작용(觀과 取)이 함께 포함되었을 때 충족될 수 있다. 그러므로 “구상표현회화의 물상미는, 화가의 주관적 심미적 감정과 직관, 관찰, 사유 등을 통해 지각되고 인식되고 표현된 바로 그 물상의 아름다움을 의미한다”고 정의할 수 있다. 물상미는 그러나 그냥 추구한다고 얻어지는 건 아니다. 그래서 물상미 구현의 방법론으로 ‘현상학적으로 보기’가 제시되고 있는 것이다. 세잔(Paul Cézanne)은 ‘세상을 시각으로 이해하는 방식으로서 회화’를 받아들였던 화가다. 그의 작품들이 인상주의가 붕괴한 형태를 복원하면서도 사실회화들과 차이가 있었던 것은 사물의 본질을 추구했기 때문이다. 원근법을 무시하고 대상의 부피감을 간략히 하는 대신 짙은 색의 선으로 윤곽을 그려 물체를 또렷하고 단단한 느낌이 들도록 표현했던 화면들은, 본 논문을 통해 구상표현회화의 물상미를 선취한 중요한 모델로서 재조명된다. 절제된 감성의 미학을 특별한 정물화로 구현한 이탈리아의 화가 조르조 모란디(Giorgio Morandi) 작품에서 가장 중요한 점은 사물의 본성을 반영하는 색과 본질을 추구하는 형태의 간결성이다. 정물 외형의 사실성보다는 마음속 심미성이 이끌어내는 색채와 자신이 이해한 조형을 중요하게 여겼던 그의 정물화들로부터 구상표현회화의 물상미는 쉽게 도출된다. 중국의 화가 위샤오푸(俞曉夫)는 사실적 묘사나 직접성보다는 내적 직관적 심미성이 대상들의 본질과 진실을 더 잘 드러낸다고 믿는다. 그는 디테일을 애매하면서도 기민한 붓터치로 처리하면서 역설적인 흔적을 남겨두기를 좋아하는데, 물상의 실재성과 몽환성이 함께 묻어나는 작품들은 ‘현상학적으로 보기’ ‘미완성성’ 등 물상미에 입각한 구상표현회화의 개념들을 완벽하게 충족하고 있다. 연구자의 작품들은 사실 대상으로부터 시작하지만 관념적으로 학습된 물상이나 형태를 답습하지 않는 특징을 보여준다. 대상의 의미있는 형태를 직관적으로 이해하여 화면에 옮기되 국부 디테일은 문제 삼지 않으면서도 최소한 ‘형상의 테두리’ 만큼은 잃지 않고자 하며, 컬러 또한 자신의 감성에 이입되어 물상의 본성을 반영하는 색들을 추구하고 있다. 구상성을 유지하면서 심미적 감동을 추구하는 연구자의 작업 역시 물상미학에 닿아있음을 확인한다. 쓰투리는 ‘구상표현회화’를 모더니즘의 반성으로서, 현대회화의 의미있는 새로운 창작방식으로서 의미를 부여한 바 있다. 화가의 내적 심미안으로 자연과 사물, 인간과 세계의 본질을 추구하면서 진실과 아름다움에 한 발자욱 더 다가서려는 구상표현회화는 쓰투리의 진술처럼 현대회화의 또 다른 방향과 가능성을 보여주고 있으며, 현대회화사에서 빼놓을 수 없는 중요한 회화의 한 창작방식으로서 충분히 그 의의가 있다고 생각한다. This paper summarizes the concept of 'Figurative Expression painting' and aims to analyze the researcher' work and works, focusing on the concept of ‘Aesthetic Feeling of Objects Image(or Beauty of thingness)’, which can be called the main point. Prior to this, the works of Paul Cezanne, Giorgio Morandi, and Yu Xiaofu are analyzed from the same perspective first. The reason why they were selected as preceding case was that they were the most pioneering and unique painters who could be categorized as representative painters. These were painters who maintained their conceptuality and achieved new interpretations and independent expressions with their own subjective aesthetics of objects and reality. Their work analysis is expected to not only provide a creative comparison point for the analysis of the researcher's work, but also contribute to a general understanding of the concept of 'Beauty of thingness of Figurative Expression painting’. ‘Figurative Expression painting’ refers to a painting that pursues pictorial expression for the subjective and aesthetic understanding of the inner nature of the object without making a realistic description of the object. In terms of expression techniques alone, there is little difference in appearance from expressionism or neo-expressionism. However, if they focused on expressing antipathy to the existing order or internal anger or emotional reactions of negative reality, there is a big difference in that ‘Figurative Expression painting’ pursues 'Beauty of thingness' through phenomenological gaze. The main reason why ‘Figurative Expression painting’ could be easily combined with phenomenology in China can be found in the fact that the contents of phenomenology and traditional Chinese painting spirit that pursues ‘vivid expression and bold outline’ or ‘watching for images’ are very similar. Traditional Chinese paintings try to reach the intrinsic essence and truth of the object by feeling the invisible spirit, metaphysical character, energy, and atmosphere beyond the surface not only looking at the surface of the object, which is connected to concepts such as phenomenology's intrinsic intuition and mutual reflective gaze. The term "Figurative Expression painting" was first coined by French art critic Jean Clair in 1975, but it was Sithu Li, a Chinese painter and theorist, who developed into the term of "Figurative Expression painting" through the combination of phenomenology and Chinese ‘vivid expression and bold outline’ and systematized it as a meaningful creative method of modern painting. In 『Contemporary Art Crisis and Figurative Expression painting』, he said, "The form of Figurative Expression painting not only reflects the actual nature of the object but also captures the artist's inner aesthetic thoughts behind the actual object.” ‘Aesthetic feeling of Objects image or Beauty of thingness’ is an important concept in Chinese classical aesthetics that can be said to be the starting point of all aesthetic recognition activities in terms of ontology and epistemology. ‘Mulsang (Objects image)’ is a term related to the idea of ‘Gwanmulchisang (watching for images)’, and it is a concept that melts the reciprocity between the object and the subject of perception. ‘Gwanmulchwisang’ which means ‘Observe objects and take their images,’ includes not only physical nature but also metaphysical essentials, and simultaneously includes the cognitive action or aesthetics of the recognition subject who observes and takes it. ‘Mulsangmi (Aesthetic Feeling of Objects Image or Beauty of thingness)’ is also a mutual concept. The beauty of the object refers to the beauty of the total truth of the object, including not only the external physical characteristics of the object but also the intrinsic character and essence, but only can be satisfied when the recognition action of the recognition subject is included together. Therefore, it can be defined as "the Aesthetic Feeling of Objects Image of Figurative Expression painting means the beauty of the very object perceived, recognized, and expressed through the subjective aesthetic emotions, intuition, observation, and thought of the artist." However, it is not something that can be gained just by pursuing it. That's why Situ Li is converging 'Gazing phenomenologically' as a methodology for realizing ‘Aesthetic Feeling of Objects Image’. Paul Cézanne was a painter who accepted 'painting as a way of understanding the world through perspective'. While restoring the form of impressionism's collapse, his works differed from realistic paintings because he pursued the essence of things. Instead of simplifying the volume of the object by ignoring perspective, the pictures that outlined the object with dark lines are re-examined as important models that preoccupied the Aesthetic Feeling of Objects Image of Figurative Expression painting through this paper. The most important thing in the works of Italian painter Giorgio Morandi, who embodies the aesthetics of restrained sensibility as special still-life paintings, is the simplicity of the form of pursuing colors and essence that reflects the nature of things. The Aesthetic Feeling of Objects Image of Figurative Expression painting is easily derived from his still-life paintings, which valued the color and the formulation he understood rather than the realism of the still life. Chinese painter, Yu Xiaofu, believes that inner intuitive aesthetics reveal the essence and truth of the objects better than realistic descriptions or directness. He likes to leave paradoxical traces by treating the details with ambiguous and shrewd brush touches, and works that combine the realism and dreaminess of the object perfectly satisfy the concepts of Figurative Expression painting based on the Beauty of thingness, such as "Gazing phenomenologically" and "uncompletedness." The researcher's works actually start with the object, but show characteristics that do not follow the conceptually learned objects or forms. They intuitively understand the meaningful form of the object and move it to the picture, but they don't want to lose at least the 'frame of the shape' without worrying about the details, and they also pursue colors that reflect the nature of the object that are imbued with their emotions. It is confirmed that the researcher's work of pursuing aesthetic impressions while maintaining conceptuality is connected to Beauty of thingness. Situ Li has given meaning to 'Figurative Expression painting' as a reflection of modernism and as a meaningful new creative method of modernism. Figurative Expression painting, which seeks to take a step closer to truth and beauty while pursuing the essence of nature, objects, humans and the world through the artist's inner aesthetics, shows another direction and possibility of modern painting. So I think it's very significant as one of the important ways of painting that can't be left out in modern painting history

일본인의 신체관 개념과 접목된 HADA의 다원적 회화표현 연구 : 본인의 작품을 중심으로

오구리쓰 마리코 국민대학교 일반대학원 2015 국내박사

회화표현에 있어서 회화라는 영역이 탄생한 그 순간부터 신체하고는 밀접한 관계성을 갖는다. 그것은 화가의 신체 없이는 그림은 그려지지 않기 때문이다. 현대에서는 미디어 아트 등 작가의 신체가 직접적으로 관계하지 않는 표현방법도 볼 수 있다. 그러나 어떤 표현이라도 거기에는 작가의 일상성이 개입할 수 밖에 없으며, 작가의 신체를 통한 경험을 작품에 투영하게 된다. 그러한 뜻으로, 작가가 가지는 신체관은 반드시 작가의 표현 속에 존재한다. 이 논문의 목적은 일본인의 신체관의 개념과 HADA가 접목되는 것으로 만들어지는 회화표현과 ‘E-HADA(에하다)’를 주제로 한 연구자의 작품과의 관계성에 대해 고찰하는 것이다. 이 연구는 화가와 관람자의 신체와 회화표현(작품)과의 상호관계에 대한 물음으로부터 시작하였으며 앞으로 작품표현을 전개해 가는 지침이 되는 회화론을 정리하는 것이다. 이 연구는 ‘신체관이 만들어내는 회화표현’의 본질을 찾아내려고 하는 것이다. 그렇기 때문에 작가의 인격이 형성되는 과정에서 영향을 끼치는 지리적 환경이나 민속에 주목하여 생명관이라는 미술 이외의 시점에서도 일본인의 신체관에 대해 논하고 있다. 그 특징을 생각하는 데에 있어 다룬 것이 ‘HADA(하다)’라는 말이다. 이 말은 연구자가 표현의 주제로 하는 ‘E-HADA’에도 포함되어 있다. ‘E-HADA’의 ‘E’는 회화(그림)을 가리킨다. ‘HADA’는 한국어로는 피부로 번역되지만, 피부라는 말과는 동일시 할 수 없는 의미가 담긴 일본어다. 이 논문에서는 ‘HADA’라는 말을 만든 일본 특유의 신체관에 대해 고찰하여 그 일본인의 신체관이 어떤 표현적 특징을 갖고 있는지를 기술한다. ‘HADA’는 ‘나’와 ‘세계’가 만나는(접촉하는) 경계면인 피부에 매우 가까운 곳에 존재한다. 피부를 끼운 ‘접촉’에 의한 감각으로 ‘나’와 ‘세계’는 서로를 파악한다. 즉, 물질적인 ‘사물’로서 인지한다. 그리고 그 물질적인 인지를 넘어 ‘세계’에서의 ‘알림’을 받고 감정이나 성격, 사고 등 마음의 움직임을 생성해 가는 유일한 길이야말로 ‘나’와 ‘세계’를 연결하는 ‘HADA’인 것이다. ‘HADA’라는 말에는 일본이라는 환경에 의해 일본인 속에 형성된 수신형 신체관이나 생명관, 그리고 공간인식이 반영되고 있다. 이 ‘HADA’라는 말을 사용한 ‘E-HADA’라는 회화용어가 어떻게 만들어졌는지, 일본의 미술사 안에서 ‘E-HADA’라는 용어가 어떤 개념을 갖고 사용되어 왔는지, 화가들이 ‘E-HADA’에 추구한 회화표현의 역사를 밝히고 ‘E-HADA’가 담당하는 역할에 대해 고찰한다. 또한 일본 효고현(兵庫県)에서 발족하고 신체에 의한 회화표현을 추구한 GUTAI 멤버의 활동을 중심으로 일본인의 신체관이 어떤 식으로 회화표현에 영향을 끼쳤는지를 고찰한다. 거기서는 일본 민속문화가 표현의 계기로서 영향을 끼쳐, 그것으로 인해 일본적 신체관에 의한 회화표현이 탄생했다. 일본인의 신체관이 표현으로써 어떻게 구체화되었는지를 밝히고 회화표현과 신체관의 관계를 고찰한다. 그것을 기본으로 하여 연구자의 회화표현에 대해 고찰한다. ‘E-HADA’를 주제로 연구자가 지금까지 제작해 온 회화표현을 텍스트로 한다. 제작 과정에서 ‘밟는다’라는 행위로 인해 발생하는 연구자의 ‘HADA’와 지지체의 ‘표면’과의 ‘접촉’, 그것에 의해 생성되는 이미지로서의 ‘자국’, 그리고 인스톨레이션에 의한 작품과 관람자와의 ‘접촉(만남)’, 접촉으로부터 자국, 그리고 관람자와의 새로운 접촉으로 이루어가는 과정이야말로 연구자가 표현하고자 하는 ‘E-HADA’의 구조다. 반드시 눈에 보이는 것은 아니었던 ‘HADA’라는 존재를 ‘자국’이라는 모습으로 제시한다. 그 ‘자국’은 역할을 가지는 ‘사물’인 철판의 복사가 아니라 역할을 배제한 철판의 HADA가 ‘자국’이라는 이미지로 표출된 것이다. 그 ‘자국(이미지)’에 의해서 관람자의 ‘HADA’와 작품과의 접촉을 촉구한다. 전시공간 속에 부유하는 이미지로서의 ‘자국’이 전시공간에서 어떤 역할을 하는 것인지 또한, 그것들은 어떻게 관람자의 ‘신체’와 관계되는 지를 고찰한다. 자국과 관람자를 내포하는 전시공간의 의미성에 대해 기술하여 ‘신체’와 ‘HADA’, 그리고 ‘작품’이라는 세 가지의 관계가 어떤 관계성에 있고 이 세 가지의 관계가 어떤 식으로 ‘E-HADA’라는 회화표현을 구축하고 있는지를 고찰한다. 이 논문은 “일본인의 신체관의 개념과 접목된 HADA의 다원적 회화표현 연구”를 통해, ‘사람이 표현하는 것’의 본질을 생각하기 위한 연구이며 연구자의 회화표현에 대해 정리한 회화론이다. 표현의 원점에 되돌아간 연구이며, 그렇기 때문에 이 연구는 앞으로 미술계의 발전에 기여할 것이라고 생각한다. 앞으로도 회화가 우리에게 더욱 친밀하고 소중한 것이 되고 어떤 사람에게도 없어서는 안 되는 존재로서 필요하게 되기를 바라며, 이 논문이 연구자의 회화표현에 있어서 회화론의 집대성이 되길 바란다.

현대도예의 회화적 표현연구

임시연 경희대학교 대학원 2024 국내석사

도예는 인류의 오랜 역사와 함께 현대 도예로서 예술의 발전과 자리 매김하는데 충분한 역할을 하고 있으며 20세기 들어서부터 현대 미술의 영향을 받아 기능성과 실용성의 바탕인 공예로서의 역할을 탈피하였고 재료의 다양성과 장르의 융〮복합으 로 재료의 매개체로 인식하여 실험적이며 표현이 자유로워졌다. 이러한 영향은 예 술의 여러분야들 뿐만 아니라 도예 역시 전통을 추구하였던 조형의식에서 벗어나는 계기가 되었다. 1950년대 미국과 일본이 주도한 현대 도예 운동은 점토를 표현 매 개체로 인식하는 전환 운동이 되었으며, 그 역할에 추상표현주의가 기여함을 알 수 있다. 그것은 추상표현주의 회화 양식으로 도자의 기법과 표현 등이 전 세계적으로 영향을 미쳤음을 말한다. 회화의 양식은 인간의 내면과 정신의 의미를 깊이 새기며 확실한 의식을 전달하는 자율성을 회복하는 매개체로 도예의 전통적인 방식에서 벗 어나 순수 예술 분야로서의 조형적 특성과 작가의 조형언어의 표현방식이 도예 작 품의 실험과 예술적 표현으로 다양해졌다고 해도 과언이 아니다. 본 논문에서 다룰 도자의 회화적 물성표현은 전통문양이나 기법의 표현장식이였던 배경에서 전환되며 예술적 표현이 추상표현과 물성표현의 범위안에서 도예의 회화 적 표현이 발전됨을 도자회화의 전개로 간주한다. 이러한 회화적 물성 표현의 실험 결과물을 통해 관람객들은 자연스럽게 도자의 물성을 접하게 되었고, 도예에서 회 화는 전통에서부터 역사적으로 오랫동안 표현되어 온 시도의 작업이다. 소지, 유약, 장식의 다양한 활용으로 회화적 활용의 현상이 나타나고 있으며, 물성을 조형언어 로 사용하려는 현대 도예가들의 노력은 오늘날까지 이어가고 있으나, 연구 논문은 미미한 실정이다. 따라서 본 논문에서 도자 예술에서 활용되는 물성인 소지, 유약, 장식을 소지의 회화적 활용, 유약의 회화적 활용, 장식의 회화적 활용으로 나누어 정의하고 각 활용방식을 사용하여 도예 작가들의 작품과 표현기법, 특징을 고찰한 뒤, 이를 바탕으로 물성을 활용한 독자적인 표현 방식을 연구하는 것을 목적으로 한다. 결과적으로 물성의 회화적 표현을 활용한 20세기 현대 도예 작품을 조사하 고, 작가의 조형언어를 이끌어 낼 수 있는 재료로서 회화적 물성 표현의 다양성과 확장성을 이루는 데에 의의가 있다.

비평적 감상활동을 통한 회화표현력 향상 방안 : 초등학교 고학년 표현활동을 중심으로

정혜영 광주교육대학교 교육대학원 2007 국내석사

오늘날 아동들은 다양하고도 급속하게 변화 발전하는 시각 매체의 환경 속에 살아가고 있다. 제작 과정의 고통과 노력을 필요로 하지 않고 교육적으로 검증 받지 못한 완성된 제품으로서의 자극적인 시각적 이미지와 영상 매체를 접하게 되면서 아동들은 직접 자신이 작품을 만들거나 그림을 그리는 것을 기피하고 있다. 또한 고학년은 표현 양식의 측면에서 볼 때 대체로 사실적인 표현의 단계에 속한다. 객관적인 사실에 집착하면서 대상을 사실적으로 나타내어야 한다는 부담으로 상상과 감정, 순수함과 같은 것이 서서히 사라지고 회화표현에 두려움을 가지게 되어 교사들이 이를 지도하는 데 많은 어려움을 안고 있다. 이러한 실태는 교실에서 쉽게 접할 수 있다. 중학년까지의 교실에서는 아동들이 시간 날 때마다 자신이 상상한 내용이나 생각, 느낌을 형식이나 사고에 구애받지 않고 흰 종이에 자유롭게 그려 나가는 모습을 흔히 볼 수 있지만 고학년의 교실에서는 이러한 모습을 찾아보기가 힘들다. 하지만, 이 시기가 반드시 모든 사물에 흥미나 관심을 잃는 것은 아니다. 가장 미묘하고 섬세하며, 마음의 움직임이 격한 시기로 비판 능력이 발달하게 되므로 비평적 감상활동을 할 수 있는 단계이다. 즉, 아동들은 회화작품에 대한 비평적 감상활동을 통해 작품의 조형적인 구조를 파악하고 작가의 생각이나 느낌이 작품 속에서 어떻게 표현되었는지를 알 수 있으며, 작품의 미적 가치를 판단하는 과정을 통해 얻어진 내용을 자신의 회화작품에 반영할 수 있는 것이다. 그러나 현장에서의 미술 교육은 표현활동에 집중되어 감상교육이 소홀히 다루어지고 있으며 이것은 결국 아동들의 회화표현력을 저해하는 요인으로 작용한다. 따라서, 본 연구에서는 연구자가 선정한 국내외 작가의 회화작품에 대한 비평적 감상활동을 통해 아동의 회화표현력을 향상시키는 데 그 목적이 있다. 이러한 연구의 목적에 따라 첫째, 감상활동에서 미술비평의 개념과 교육적 기능 및 미술비평학습의 역할, 미술비평과정을 통한 회화감상지도를 알아보고 비평적 감상활동과 고학년 아동의 회화표현과의 관계를 살펴보았다. 둘째, 본 연구를 실시하기 이전에 초등학교 교사와 본 연구의 대상 아동의 실태를 설문지를 통하여 조사·분석하였다. 셋째, 비평적 감상활동을 통한 회화표현력을 향상시키기 위해 지도안을 개발하고 초등학교 5학년 아동 35명을 연구 대상으로 선정하여 이를 수업에 적용하였다. 또한, 실제 수업에 적용한 작품을 분석하고 활동이 끝난 후 아동의 설문을 조사·분석하였으며 아동 작품에 대한 초등미술교육전공 교사 5인의 평가를 받아 본 연구에 대한 타당성과 신뢰도를 확인하였다. 비평적 감상활동을 통한 회화표현력 수업과 활동 후 아동 설문지 및 초등미술교육전공 교사들의 평가를 통하여 분석한 결과는 다음과 같다. 첫째, 비평적 감상활동은 아동들의 감상능력을 향상시킬 수 있다. 아동들은 회화작품에 대한 비평적 감상활동을 통해 작품의 이해와 작품을 이루고 있는 조형요소와 원리에 대한 지각력이 향상되어 감상하는 기틀이 마련되고 감상능력이 향상될 수 있었다. 둘째, 비평적 감상활동을 통한 회화표현활동은 작가와 회화작품에 대한 관심을 높일 수 있다. 작가의 회화작품을 비평적으로 감상하고 감상작품을 바꾸어 표현해 보는 활동을 통해서 작품에 대한 거리감이 줄어들고 회화작품 뿐만 아니라 다른 미술작품에 대한 관심도 높아질 수 있었다. 셋째, 회화작품에 대한 비평적 감상활동과 회화표현활동을 통해서 자기 표현력을 향상시킬 수 있다. 회화작품에 대한 비평적 감상활동은 작품에 대해 구체적인 근거를 가지고 비판적으로 본다. 아동들은 회화작품의 미적 가치에 대한 구체적인 근거와 타당한 이유를 제시하는 활동과 회화표현활동을 통해서 자신의 생각과 느낌을 적극적으로 표현할 수 있었다. 넷째, 비평적 감상활동을 통한 회화표현활동은 아동의 회화표현력을 향상시킬 수 있다. 회화작품에 대한 비평적 감상활동을 통해 작품의 의미를 파악하고 작가의 생각이나 느낌이 작품 속에서 어떻게 표현되었는지를 찾으려고 노력하였으며, 작품의 가치를 판단하는 과정을 통해 얻어진 내용을 자신의 회화작품에 반영함으로써 궁극적으로는 회화표현력이 향상되었다. 다섯째, 비평적 감상활동을 통한 회화표현활동은 아동들에게 회화표현력에 대한 자신감을 가질 수 있게 한다. 중학년까지 왕성했던 회화표현에 대한 욕구가 고학년이 되어가면서 자신감을 잃게 되어 표현활동 자체를 꺼려하던 아동들이 비평적 감상활동을 통해 회화작품의 표현 요소를 파악하고 자신의 회화표현에 투입해 보는 활동을 함으로써 회화표현력에 자신감을 가질 수 있게 되었다. 본 연구의 결과를 종합하여 볼 때, 회화작품에 대한 비평적 감상활동을 통해서 아동의 회화표현력이 향상되었음을 알 수 있었다. 이러한 결과는 비평적 감상활동을 의도적이고 체계적으로 실시함으로써 이를 통해 고학년 아동의 회화표현력을 향상시킬 수 있다는 것을 시사하고 있다. 그러나 본 연구가 일반화되기 위하여 몇 가지 제언을 하고자 한다. 첫째, 비평적 감상활동을 통한 회화표현력지도의 다양한 지도안 개발과 함께 초등 교사들에 대한 지속적인 홍보와 연수를 실시하여 미술과 회화수업에서 비평적 감상활동을 통한 회화표현력지도가 보다 활성화되어야 할 것이다. 둘째, 본 연구는 여러 가지 표현활동 중에서 평면표현활동을 중심으로 회화표현에 한하여 적용하였으나, 다양한 표현재료와 용구에 의한 입체표현활동도 이루어져야겠다. 셋째, 미술 교과 시간 외에 아동들의 생활 환경 속에서도 회화작품에 대한 비평적 감상활동이 이루어질 수 있도록 학교와 학급 환경을 조성하고, 전시회나 미술관 관람 등의 체험학습을 통해서 회화작품 감상의 기회를 풍부하게 제공해 주어야 할 것이다. Children in the modern world are living in an environment where varied and fast-developing visual media prosper. Being exposed to melodramatic images and videos which do not require much effort in the production process and which have not gone through educational monitoring, they avoid making their own artistic work and painting things themselves. In addition, higher-grade students do paint realistically as far as their expressive mode is concerned. While obsessed with the idea that they have to describe things in realistic and objective terms, they fail to express imagination, emotions and purity. They are afraid to express themselves on the canvas, which makes it difficult for teachers to guide them in fine arts. We can see these realities at classrooms. It is quite common that we can see middle-grade students freely express what they feel, imagine and think on white paper sheets without being restrained to the style or format. But it is not easy to find theses scenes in higher-grade classrooms. This period, however, does not always see the loss of interest in things on the part of students. This is the stage where they can critically appreciate artistic works when their minds are subtle, fastidious and emotionally charged. That is to say, kids can grasp the shape structure of works through critical appreciation and understand how artists' thoughts and ideas are reflected in the works. Furthermore, they can express on their own works their aesthetic values which they have obtained in the process of artistic appreciation. But, in reality, because fine arts education puts too much emphasis on expression activities, their appreciative capabilities do not fully develop, which in turn stunts their expressive abilities in painting. Therefore, the aim of this study is to improve kids' expressive abilities by giving them opportunities to critically appreciate some works of domestic and foreign artists. In line with the study purpose, the following projects were conducted. First, the concepts of artistic criticism, its educational function and painting appreciation guidance were explored, and the relationship between critical appreciation and pictorial expression of higher-grade students was studied. Second, before this research was done, a questionnaire was prepared to see the realities of elementary school teachers and kids. Third, in an attempt to improve artistic expression through critical appreciation, a teaching guideline was developed and applied to 35 grade-5 students. Some artistic works were analyzed in classes and some surveys were taken among students after classes. And the validity and reliability tests were done by obtaining evaluations from 5 elementary arts experts. The results produced after conducting artistic expression classes through critical appreciation, survey-taking among kids and the evaluations from fine arts experts are as follows: First, critical appreciation helps to enhance kids' appreciative capabilities. Critical appreciation activities paved the way for them to better recognize the meanings of works and have a better understanding of the shapes and principles of the works. Second, artistic expressive activities through critical appreciation can increase their interest in works and their authors. Critical appreciation and trying to express the works in a different manner can have kids go closer to the works and raise their interest in other artistic works as well as in paintings. Third, kids can improve their self-expressive power by critical appreciation and artistic expressive activities. Critical appreciation enables them to see works with concrete understanding. In this way, they can actively express their thoughts and feelings by thinking about the values inherent in the works and their justifications. Fourth, artistic expression activities through critical appreciation can increase kids' artistic expressive power. They sought to grasp the meaning of works through critical appreciation and tried to understand how authors' thoughts and feelings are realized in the works. When they endeavored to reflect the contents of their value searching in their own works, their artistic expressive power was ultimately strengthened. Fifth, artistic expressive activities through critical appreciation allowed kids to have confidence in their artistic expressive power. The kids who came to lose their confidence and avoid expressing themselves as their grade got higher are now more active after they understand the expressive factors involved and try to put them in their works. Conclusively speaking, the critical appreciation of artistic works helped increase kids' artistic expressive capabilities. These findings suggest that we can improve higher-grade students' artistic expressive power by teaching critical appreciation in a systematic and intentional manner. The following suggestions are made in order to generalize this study. First, by developing various teaching materials for artistic expression through critical appreciation and by educating and training elementary school teachers about critical appreciation, we have to galvanize the teaching of artistic expression power through critical appreciation in fine arts classes. Second, this study mainly dealt with 2-dimensional expression activities among different expressive activities. But 3-dimensional expression activities taking advantage of various expressive materials and tools are to be carried out. Third, we have to furnish an environment in school and at home where kids can critically appreciate artistic works outside of their fine arts classes. In addition to that, we have to provide them with plenty of opportunities to appreciate artistic works for themselves at exhibitions and museums.

中等學校 繪畵表現의 深化를 위한 心像表現 類型 硏究 = ▼ (A) THEORETICAL STUDY ON THE PAINTERLY EXPRESSION STYLES FOR THE MIDDLE & HIGH SCHOOL ART EDUCATION

조창애 梨花女子大學校 敎育大學院 1983 국내석사

궁중복식 문양을 차용한 회화표현 연구 : 본인 작품을 중심으로

지은주 대구대학교 대학원 2022 국내박사

본 연구는 연구자가 2020년에서 2022년에 걸쳐 <염원(念願)>이라는 주제를 통해 근원적 형상으로의 표현과 새로운 가능성으로의 표현으로 제작한 작품들을 중심으로 분석·서술하였다. 연구내용은 ‘염원’이라는 주제로 내면화되고 체화된 연구자의 무의식의 심상 표현으로 동시대 인간에게 잠재된 무의식과 궁중복식 문양의 개연성을 회화적으로 형상화한 작품들이다. 인류는 일관성 있는 문양을 사용하여 의식의 동화와 통합을 실현하였다. 그중에서 궁중복식 문양은 다양한 사상과 미적 양식이 함축된 정신의 통합체로 시대와 역사 그리고 동서고금을 막론하여 보편적인 상(象)이자 거룩한 힘의 상징물이었다. 오랜 시간 동안 시공간을 관통하며 궁중복식 문양을 통해 전달되어 온 무의식의 반영은 고대부터 신화적인 원형과 상징을 통해 인간의 원초적인 본능의 투영과 마음의 기원을 표현하여 왔다. 이처럼 궁중복식 문양은 인간의 무의식을 예술적으로 상징화하여 표출하였다. 연구자에게 있어 궁중복식 문양은 태어나기 이전부터 획득된 선천적 요인과 체화된 경험들의 후천적 요인들이 통합되어 무의식에 잠재된 원형이미지이다. 이것은 내면의 다양한 감정이나 트라우마 등을 이겨내게 하는 또 다른 상징기호로 작용하여 자아형성을 위한 견인 역할을 하였다. 이러한 배경은 연구자의 작품세계로 그대로 전이되어 궁중복식 문양이 가진 뛰어난 조형성과 상징성뿐만 아니라 인간의 무의식을 시각화하여 상징표현하도록 안내하였다. 동시대미술에서 궁중복식 문양의 차용은 회화표현의 소재로 주목을 받지 못한다. 그러나 연구자는 궁중복식 문양이 가지는 보편적 가치와 인간의 근원적인 무의식의 욕구를 예술적으로 표출한 상징물로 재인식하고, 연구자의 무의식세계를 회화적으로 표현하기 위한 새로운 미학적 대상으로 삼았다. 본 연구에서 차용은 절대 권력자만이 소유할 수 있었던 본래의 기능은 배제하고 조형성과 상징적 의미만을 빌어 왔다. 이를 통해 입체적인 궁중복식의 공간을 메우던 문양을 평면의 회화공간으로 옮겨 낯설게 함으로써 관람자로 하여금 문양의 상징적 의미와 조형성에 몰입하게 하여 무의식의 해방과 신선함을 제공하였다. 따라서 본 연구를 통해 연구자의 무의식에 내재되어 있는 근원적인 욕망과 마음속 흐름의 상태를 살펴 궁중복식 문양의 차용이 자아형성을 위한 상징기호이자 회화표현의 새로운 미학적 대상으로 고찰하였다. 그리고 자동기술법과 우연성을 통한 행위의 흔적을 상징표현으로 재해석하는 과정을 통해 동시대미술에서 회화표현을 위한 새로운 가능성을 모색하였다. 또한 새롭게 창출된 회화공간에서 전통의 소재와 재료 그리고 서양의 표현 방법을 조화시켜 회화표현으로서의 유의미성에 대해 분석·서술하였다. 나아가 무분별한 서구화에 잠식해 가는 지금에 옛것을 살피고 계승하는 것은 중요한 일이라고 생각하며 우리의 궁중복식 문양을 소환하고 재발견한 본 연구는 우리 문화의 소중함을 일깨우는 작업이 될 것으로 기대한다. This study analyzed the researcher’s works produced by expressing them in fundamental shapes and in new possibilities through the theme of <Wish> from 2020 to 2022. The content of the study is an analysis of works that pictorially embody the unconsciousness latent in contemporary humans and the patterns in royal clothing through the expression of the researcher’s unconsciousness under the theme of ‘wish’. Humanity realized the assimilation and integration of consciousness using consistent patterns. Among them, patterns in royal clothing were an integration of the mind with various ideas and aesthetic styles, and was a universal image and a symbol of holy power regardless of the times, history, and ages. The reflection of unconsciousness, passed through time and space through patterns in royal clothing, has expressed the human instinct and the origin of the mind through mythical archetypes and symbols since ancient times. In this way, patterns in royal clothing artistically symbolized and expressed not only collective unconscious but also personal unconscious. For researcher, the patterns in royal clothing is an archetype image latent in unconsciousness acquired through cultural factors and mythological stories and through experiences. This served as another symbol to overcome various inner emotions and trauma, serving as a driving force for self-formation. This background was transferred to the world of the researcher’s work, guiding not only the outstanding formativeness and symbolism of the pattern in royal clothing, but also the visualization and symbolic expression of human consciousness. In contemporary art, the ‘appropriation’ of patterns in royal clothing as subject of painting expression does not receive much attention. However, researcher re-recognizes the universal values of patterns in royal clothing and need for unconsciousness as an artistically expressed symbol, it was appropriated as a new aesthetic object to pictorialize the researcher’s unconscious world. In this work, appropriation has excluded the original function of the patterns in royal clothing that could only be owned by the absolute authority, and has only sought formativeness and symbolic meaning. In addition, by moving the pattern that filled the space of the three-dimensional royal clothing to a flat painting space and making it unfamiliar to the aesthetic object, viewers were immersed in the symbolic meaning and formativeness of the pattern to provide freedom and freshness of unconsciousness. Furthermore, as a symbolic method of unconsciousness, it attempted to explore new possibilities for painting expression in contemporary art through the process of reinterpreting it as a symbolic expression along with traces of actions through automatism and coincidence. Therefore, through this study, the state of fundamental desire and flow of mind inherent in the researcher’s unconsciousness was considered as a new aesthetic object as a symbol and painting expression for self-formation, and the meaning of painting expression through traditional materials and automatism was analyzed and described. Furthermore, it is thought that it is important to look at and inherit the old things in this era of Westernization, and this study, which summoned and rediscovered the patterns in royal clothing, is expected to be a work to awaken the importance of our culture.

회화표현에 있어서 상징성, 기호성에 관한 연구 : Paul Klee, Joan Miro'를 중심으로

박승온 慶星大學校 大學院 1994 국내석사

현실세계는 可視的인 것과 非可視的인 것으로 나누어져 있다고 할 수 있다. 이것을 전체적인 시각으로 이해하기 위해서는 상징이나 기호라는 방법을 이용해야 할 것이다. 대체로 象徵은 다양한 외부의 변화에 적응하기 위한 수단으로 활용되고 있다. 일반적인 상징의 기념은, 어떤 구체적인 대상물을 통하여 나타내는 방식을 일컬으며 이것은 곧 사물을 지시하고 전달하는 것이 아니라 관념을 표현하는 것이라고 할 수 있다. 따라서, 상징은 암시하는 가시적인 대상을 뜻하며, 비가시적이고 形而上學的인 實在나 다른 매체들로서도 포착할 수 없는 현실의 본질적인 문제를 드러내는 것이라고 할 수 있다. 또한, 이것은 외부로 향한 내적 啓示가 되며, 本質과 現狀을 구별할 수 있는 해결책이 될 수도 있을 것이다. 記號 역시 내용을 전달하는 표현형식이지만, 가시적인 대상물에 의한 묘사보다는 상징에 의해 묘사되어지며, 不正確性과 神秘性을 가진다고 할 수 있다. 그리고, 現象界의 배후에 있는 미지의 시계, 혹은 무의식의 세계와 상통한다고 볼 수 있다. 또한, 내적인 것과 외적인 것을 직접 매개하는 역할을 한다고 할 수 있다. 회화에 있어서 표현방식이나 소재가 중요한 요소이기는 하지만 그보다는 먼저 이미지를 형성시키는 제반요소가 의미화되어 가는 과정을 파악해야 할 것이다. 본 연구는 이러한 의미에서 작품의 양식적인 분석보다도 그 저변에 깔려 있는 화가의 조형세계를 상징과 기호라는 의미성을 토대로 분석하고자 하였다. 본 연구의 접근방법에 있어서도 상징을 수단으로 하는 전달과 지시의 역할이 상징의 속성을 정의하는 것이므로, 굳이 개념의 새로운 정의를 모색하기 보다는 기호학, 미학, 미술 비평 둥의 관점에서 두 개념에 대한 다양한 해석을 살펴보고, 미술사의 흐름에 있어서 이러한 개념들이 어떻게 인식되고 있는지 고찰하고자 하였다. 본 연구의 구체적인 예로서 자신의 상징체계를 통하여 내면세계와 현상세계를 접목시키는 클레( Paul Klee, 1897 ~ 1940)와 미로(Joan Miro', 1893 ~ 1983)의 조형 세계를 면밀하게 본석하고자 하였다. 클레의 조형정신은 논리적인 화면에서 벗어나 자연과의 同化에 있다고 할 수 있다. 암호( Chifle ), 난해한 기호( Hieroglype ), 寓意的 기호( Emblem ), 또는 상징( Symbel)이라는 다양한 용어들로 지적되는 그의 기호적 표현들은 이미 그의 조형세계를 이해하는데 있어 난해함을 나타내고 있지만 이것은 자연에 존재하는 모든 형체가 기호화하여 변함으로써 이루어진 것이라고 할 수 있다. 미로의 조형정신에 있어서도 극대화된 사회현상과 주의주장이 난무함에도 불구하고 사물에서 느낄 수 있는 이미지를 자신의 세계와 결합하여 유쾌하고 유머러스한 상징들로 나타나고 있다. 작품을 분석함에 있어서 유의할 점이 있다면 회화라는 장르로 그 범위를 축소하고 있다는 것이다. 그것은 이 두 화가가 회화를 통하여 폭넓고 깊이 있는 창조정신은 지속작으로 보여주고 있고, 표현의 문제가 3차원의 공간에서 보다는 2차원의 세계인 평면에서 보다 뚜렷하게 提起되고 있기 때문이다. 이와같이 화가의 의식 내부에서 일어난 조형정신의 흐름을 미학적으로 再認識하는 작업은 그의 작품으로부터 받는 모호한 느낌을 명확히 하며, 그의 조형세계를 새로운 시각으로 이해할 수 있다고 볼 수 있다. 이엇은 또한 예술창조의 과정에 대한 전체적 이해를 증진시킬 수도 있을 것으로 史料된다. The actual word can be considered to be divided into the visual and invisual world. We will have to use the method of symbol or sign in order to understand these in the whole point of view. In general, the symbol is utilized as the means to be suitable for the chang of various outsides. The concept of general symbol means the method appeared through any concrete subject, and this is considered not to direct and deliver any materials but to express any concept. Accordingly, the symbol means the visual subject suggesting, and can be said to show the essential matters of actual conditions which can not be expressed even by the invisible metaphysical reality or other media. Also, this became the internal revelation toward the external side and be able to be the solution which can distinguish between the substance and the actual state. Of course, the sign is the expression ways which deliver, but isexpressed by the symbol rather than appeared by the visual subject, and has the inaccuracy and the mystery. And, ti can be considered to be in touch with the unknown world which is back the phenomenal world or the unconsidered world. Also, it is considered to perform the role which directly mediate the internal things and the external things. In the paintings, the expression method or the materials is the important element, but we must understand the course which every element, which makes form the image, has became meaningful at first. The purposse of this study is to analyze the formative world of painter placed in the base of works rather than the mode analysis of works, based on the meaning of symbol and sign. For the concretenexample of this study, we are to analyze the formative world of Paul Klee and Joan Miro' who jointed the world and the actual world through their own aymbol system closely. The formative spirit of Paul Klee is said to be existent in the assimilation with nature out of the logic expression. His symbolic expression which is shown as the various term of Chifle, Hieroglype, Emblem or Symbol indicates the difficulty in the understanding of his formative world already, but this can be mantioned to which every form existent in the nature turns to the marking. In the formative spirit of hliro', he connected the image, which can be felt from the materials, with his own world and then they appeard as the joyful and humorous symbol even if the maximized social conditions and the insistence on principle surge. If there is the matter which we pay attention to the analyisis of works, we are to reduce its scope to the gener of painting. Because it is that these two painter continuously show the wide and deep crestive spirit through the painting and the expression is more shown in the two-dimentional world, plane, then the three-dimentional space. The work to recongnize the current of formative spirit happening the inner consciousness of painter, as shown in the aboves, in the artistic science claarifys the vague feeling taken from his works, and can understand his formative world in the new view. This is also considered to improve the whole understanding on the course of arts creation.

繪畵表現上의 精神分裂症的 이미지 : 受動的 態度가 갖는 明晳性에 對하여

김경애 淑明女子大學校 1991 국내석사

본인의 작품의 방향은 실제로 표현이 주관적 정서의 모색으로 그칠 때에도 열려진 가능성속에 남을 수 있도록 하는 것이며, 고정되지 않는 하나의 자유로운 의식의 표현이 되도록 하는 것이다. 이 논문은 본인의 이러한 회화 표현 의지에 관한 고찰이다. 지금까지의 작품의 경향은 심리적 체험이 다분히 서정적 표현으로 일관된 점이 있지만, 그 바탕에는 일정한 개념의 선택이 작용하고 있다는 것을 본고는 간략적으로 설명하고 있다. 인간의 삶에 대한 다양한 해석과 무수히 제기되는 상반된 개념들의 나열, 그 가운데에서 특정한 개념이 선택되어져야 한다면, 그러한 선택이 어떤식으로 받아들여지게 되는지에 대한 의문제기는 매우 기본적인 문제라고 간과해 버릴 수도 있다. 삶에는 양면성, 다면성이 공존하고 있으며 어떤식으로 규정되는 것을 바라지 않는 것같은 무관심과 팽창된 풍만함을 동시에 풍기고 있는 것 같다. 본인의 작품속에서 지극히 사적인 심리체험이 구체적 의도를 가지고 전달되지 않고, 매우 불안정하지만 미완된 대로의 표현에서 머물 수 있도록 나름으로 절제된 방식을 선택하였으며 그것의 바탕이 되는 개념의 선택 또한 불가결한 연관으로 이해되지 않기를 바란다. 본문의 앞부분에서 위반의 의미, 중립적 개념과 시간개념들을 지정하여 설명한 것은 의식의 경험들이 잠재적으로 그러한 개념들을 선택하였고, 한편으로 실재표현들이 그런 개념들의 전개방식에 영향을 받았다고 믿기 때문이다. 본인의 작품의 주제는 공백(空白)이었으며 어떤면으로 빈구멍의 개념은 논술되어질 성질이기보다는 더 많은 경우에 서정적인 발상에 기인하고 있었음을 인정하는 바이다. 다시 말하자면 공백은 일정한 의미로 읽혀지기는 어렵지만 무의미하지 않고, 규정되어지지 않는다고 하더라도 포기될 만큼 모호한 것은 아니며, 구체적이지 않기 때문에 배타적이 되는 것은 본래적으로 불가능한 존재이다. <본인의> 작품속에 여백의 의미가 갖는 시간적 무게와 명료하지 않지만 사고의 일정한 깊이, 의식의 재인식을 창출하는 공간성의 배합은 회화적 표현을 통해 내가 추구해 가려는 무의미와 의미의 값을 초래케 한다. My works' intention is to be left in the open possibility even when it is in the pursuit of my personal emotion. I hope my works are not to be fixed and would be an expression of my free consciousness. This thesis is a consideration of my paintings' expression. However this thesis explains about that the tendency of my works by now briefly; my psychological experiences were lyrically expressed, a consistent choice of concepts continually influenced to my expressions in paintings. If the choice of a specific concept should be done among various interpretations on human life and an arrangements of multifully raised opposite concepts, the rasing of question how it should be accepted in our choices could be overlooked. But there are co-existed bilateral and multilateral characteristics, unwillingly regulated indifference in any way and inflated affluence in life simultaneously. I tried to make my restricted ways in my works; not the purposely delivered my personal psychological experience, but the extremely remained uncomfortable unfinished expression. I don't want that choices of the concepts under the unfinished expression are undetachable relationship both with the concepts and with the expression. I purposely indicated and expounded the meaning of violation, the neutral concept and the concept of time in the former part of this thesis, because I believe that. those concepts were chosen by the experience of consciousness and the real expression were influenced by the method of the development of those concepts. The subject of this thesis is a vacancy and I admit that the concept of vacant chasm is more something occurred from my lyrical inspiration than something to be described. In other words, although the vacancy can not be easily concreted in a certain meaning, it is not meaningless. And be it ever so ambiguous, it can not be deserted. The vacancy is not so much tangible that it originally doesn't include the exclusiveness. The weight of time of unfulfilled space in the expression. and the mixture of space which creates the depth of thought and enables the reappraisal of consciousness, cause the value of meaning and meaninglessness that I intend in the expression of my works.

想像된 物質의 繪畵的 表現 硏究 : 本人 作品에 나타난 불(火)을 中心으로

이황은 淑明女子大學校 1995 국내석사

現代美術의 일반적인 동향은 그 複合性과 多樣性의 측면이 특히 강조되고 있다. 그러므로 오늘날의 미술에서 과거 오랫동안 견지되어 왔던 양식적 통일성을 찾기란 어려운 일이 되었다. 잰슨(H.W.Janson)의 견해에 따르면 이러한 미술의 전개 양상은 미술가의 정서적 태도에 중점을 두는 表現美術(Expression), 형태적 구조의 질서를 강조하는 抽象美術(Abstraction) 그리고 想像力의 자발적, 비합리적 특질을 추구하는 幻想美術(Fantasy)등 대략 세 가지 사조들이 매우 밀접한 연관성 안에서, 광범위한 접근 방법을 포용하고 있음을 진단해 볼 수 있다. 따라서 자신의 개성을 찾고 독특한 회화관을 추구하려는 현대회화 속에서 여러 사조의 특징이 발현되는 현상은 당연한 일로 받아들여지게 되었으며, 그들이 어떠한 것을 발전적으로 제시하여 줄 것인가는 선택하는 작가의 자기 발견에 달린 문제일 것이다. 본인의 경우는 <연금술사의 夢想>이라는 일관된 작품 제목이 시사하듯이, 자신의 내적 환상과 삶의 체험을 형상화함에 있어 상상력의 자유로움을 지향하면서 독자적인 표현 영역을 모색하는데 주안점을 두고 있다. 이러한 맥락에서 본인의 작품은 상상력에 바탕을 두고 인간의 내적 감정과 인간 심리의 미묘한 흐름을 표현하는 幻想美術에 근접해 있다고 볼 수 있다. 본인의 작품에 나타나는 상상적이고 환상적인 요소는 주어진 하나의 양식으로부터 영향을 받았다기 보다는 사유하는 인간의 심상에 주어진 고유한 특징적 요소라 할 수 있을 것이다. 즉, 환상을 창조하려는 능력과 의지는 인간의 보편적 특질로서 내면의 불분명한 심적 작용에 의해 무의식적으로 만들어지는 현상이며, 그것은 황당무계한 虛構의 세계가 아니라 인간의 실존과 근원적인 문제들에 대한 질문과 해답을 시도하는 과정에서 자연스럽게 발생하여 상징적 형태로 표출되는 것이다. 특히 현대미술에 있어서 이러한 현상은 초현실주의의 영향을 받아 한층 더 복잡미묘한 의미를 내포하면서 다양한 조형 양식과 함께 끊임없이 변화, 발전되고 있다. 이러한 경향의 작품세계를 추구함에 있어 간과할 수 없는 점은, 지나치게 주관적인 의도에만 치우치게 될 때 현실과 유리된 허구의 세계로 몰입될 수도 있다는 것이다. 따라서 정신세계를 화면 안에서 실질적으로 존립시키기 위한 작품 제작상의 방법론은 중요한 연구과제 중의 하나라 하겠다. 이러한 맥락에서 본 연구는, 인간존재의 고귀함과 靈的회복을 일깨워 근본적인 삶의 의미를 심화시키고자 하는 회화의지를 실현화시키는데 있어서 幻想美術의 추구에 따르는 제반 문제점을 극복하고, 주제와 부합되는 표현 방법의 가능성을 모색해 보고자 하는 것이다. 본 논문에서 연구 대상으로 삼고 있는 "불"(火)의 이미지는 불이라는 물질의 보편적 이미지에 본인의 상상력을 투사시켜 다양한 의미를 부여함으로써 주제를 드러낼 수 있는 상징적 이미지를 표상하고 있다. 그러한 이미지의 조형적 표현에 있어서는, 질료의 물리적 실재에 상상력을 결부시켜 형상을 변모시킴으로써 새로운 이미지를 생성시키게 된다. 이와같이 본인 작품의 표현 소재로써 물질이란 개념은 다양하게 표현 될 수 있는 임의성을 내포하고 있다. 이를테면 물질의 본질을 구체화시키는 수단의 의미를 지니는 측면과 그것을 선택하는 의식의 주체에 따라 본래의 의미를 벗어버리고 새로운 의미로 전환되는 측면의 양면성을 지니고 있다. 한편, 본인의 상상력은 물질과 작품을 연결짓는 창작활동의 원동력이라 할 수 있는데, 상상력과 물질의 양면성과의 상호 보완적 관계는 작품의 내용과 형식을 이루는 內的, 外的 요인이 되고 있다. 따라서 본 연구에서는 시각적인 영역과 심리적인 영역을 모두 포함해 보다 넓은 공감대를 형성할 수 있는 환상세계의 표현 방법으로 물질과 상상력의 상호 보완적 관계를 작품제작 과정의 연구에 응용하고자 했으며, 이러한 이론적 바탕 위에서 참된 작품 세계를 향한 확고하고 독창적인 작가 의식을 정립하고 더욱 발전적인 창작활동의 계기로 삼고자 하는 데 연구의 취지를 두고자 한다. The general trend of contemporary art emphasizes complexity and diveristy. Thus, the uniformity of artistic styles has become a thing of the past. According to H. W. Janson, this development in fine arts involves thress major modes of artistic presentation -'expression' which concentrates on the emotions of the artist;'abstraction' which stresses structural order; and 'fantasy' which pursues the spontaneous and irrational qualities of imagination. These modes of artistic expression are closely interrelated and accommodate a broader range of approaches in artistic presentation. In the world of contemporary art, each artist seeks his or her won character and outlook on art. And so, it is characterized with diversity, which has come to be accepted as the norm. Which progressive ideas they may present is wholly up to the artist's self-realization. Like my work, "Dreams of an Alchemist" implies that I pursued freedom of imagination and uniqueness in depicting my inner fantasies and experiences. In this context, my work is close to fantasy art, which is based on imagination in expressing the subtle shifts of human feelings and mentality. The elements of fantasy and imagination found in my work are not the influence of a given form of expression. It should rather be considered a unique aspect of the human mind at work. The will and ability to create fantasies are universal human qualities. This inner phenomenon occurs unconsciously through an indefinitemental activity. It is not a world of absurd fabrication, but a symbolic expression of naturally generated results which are attained during the process of questioning and answering the problems involving human existence and other fundamental issues. As a result of Surrealism, such phenomena takes on more complex and subtle connotations especially in contemporary art. It also continues to under go alteration and development along with diverse formative styles. However, there is something that cannot be everlooked, and that is the possibiloity of being misled into a world of fabrication which has nothing to do with reality by being overinclined to subjective motifs. Therefore, the methodology of enalbing the embodiment of our mental world into a work of art remains to be an important area of research. In this regard, this study aims to shed ligh on a methodology of presentation that would ensure the correspondence between the motifs and manifestations in art work. This is done by overconing all the obstacles that are accompanied with the pursuit of fantasy art. And by doing so, it brings the value of human existence and spiritual revival to attention for the heightening of humanitarian interest, the inherent role of the artist,k and the fundamental meaning of life for the purpose of realizing the artist's will. The image of 'fire' in this thesis shows diverse meanings by projecting my imagination on the universal image of fire. This emerges as a symbolic image which betrays the artist's motif. As for the formative presentation of those image, the physical reality of substance is linked to imagination to change its figure and create a new image. Hence, the concept of substance as a medium for expression in my work has the discretion of diversity as far as presentation is concerned. That is, it has the dual role of acting as the means of materializing the essence of the substance and also, transforming itself into a differnet meaning according to the choice of the artist. On the other hand, the power of imagination is the impetus of creative activities which interlink substance and art work. The mutual supplementation of the dual role of substance and the power of imagination is shown in the internal and external elements that constitute the form and substance of my art work. Accordingly, this study was intended to apply the mutual supplementary relationshop of substance and imagination in expressing a world of fantasy which would in turn provide a more extensive common ground both in visual and psychological areas. The purpose of this study is to enhance a firm and original creative awarencess and use it as a momentum for a enw start in furthering my creative work, based on the theories that I have discussed.