중국과 한국 고등음악교육 발전과정과 다문화 음악교육 발전 구상

런하오 동신대학교 일반대학원 2024 국내박사

Throughout the long history of human development, various countries and regions have formed inherent cultural characteristics. With the development and progress of society, its emergence, development, improvement, social status, and communication methods have undergone various changes and updates. Especially the emergence and development of ethnic music reflect strong cultural characteristics and artistic styles of the nation. With the advent of globalization and information technology, the distance between people from various countries around the world is constantly narrowing. In today's world where international and ethnic exchanges are gradually increasing, strengthening mutual understanding, enhancing mutual trust, achieving peaceful coexistence and stable development between countries and ethnic groups, as well as cultural exchange and integration, has become a common call for people of all countries in various fields such as politics, economy, and culture. In this context, the music cultures of various countries have also begun unprecedented exchanges and conflicts. With the emergence of various music styles, the diversity of music culture has reached an unprecedented level. Nowadays, music culture around the world is no longer limited to specific regions, but rather communicates and influences each other, forming unprecedented diversity. This diversity not only enriches our music world, but also provides us with new perspectives on multiple cultures. These diverse music cultures are important civilizations of humanity and should be respected and protected. Meanwhile, each music culture has its inherent characteristics, but it is not isolated from each other, but rather influences and influences each other. With the deepening of globalization, multiculturalism has become an indispensable part of the education systems of countries around the world. Multicultural music education is an emerging educational concept in recent years, which has been explored relatively deeply and systematically by predecessors, and the practice of music education is also insufficient. The aim of this study is to compare the development history of music education in China and South Korea with the current status of higher music education in the two countries, and based on this, to search for the current situation and development plans of multicultural music education in China and South Korea. In this way, while maintaining the musical characteristics of the two ethnic groups, we will combine multicultural characteristics with music education and explore new music styles and educational methods. This study focuses on higher music education in a multicultural context, and systematically analyzes the value, significance, and necessity of inheritance and development of multicultural music education through extensive literature research, field investigations, and other methods. Combining successful multicultural music education cases in South Korea and China, this study explores a scientific and systematic development plan for multicultural music education. This study identifies similarities and differences in the educational philosophy, teaching plans, teaching methods, and cultural exchange of multicultural higher music education between China and South Korea, and analyzes in depth the reasons for these differences. The focus of this study is on the following: Firstly, the development history of ancient, modern, and modern music education in China and South Korea was separately reviewed, and the current situation and characteristics of music education in China and South Korea were summarized and compared. Secondly, the concepts of multiculturalism, multicultural education, and multicultural education system were introduced, and the advantages and disadvantages of multicultural education were summarized, as well as the necessity of promoting multicultural education.And analyzed the characteristics of the multicultural music education system, proposed the limitations and optimization plans of the current system. Thirdly, the development of multicultural music education in China and South Korea has been sorted out from two aspects: inheriting traditional music culture and introducing foreign music culture. Finally, the process of establishing multicultural higher music education systems in both countries and their respective characteristics have been analyzed. Fourthly, on-site visits were conducted to Shandong University in China and Jeonbuk University in South Korea, analyzing the similarities and differences between the undergraduate, master's, and doctoral courses in music at the two universities. Fifthly, considering the different national systems and social requirements of China and South Korea, which have different meanings in promoting multicultural music education, we have proposed their respective development plans for multicultural higher music education. Sixth, from the aspects of textbook selection, teaching content, teaching methods, and campus culture construction, strategies for developing multicultural higher music education courses in China and South Korea have been proposed, and a teaching learning curriculum plan for multicultural music education has been proposed in university music education. There are certain differences in the development process of multicultural music education between China and South Korea in terms of educational concepts, methods, and achievements. These differences stem from the differences in historical and cultural backgrounds, international status, education systems, and resource allocation methods between the two countries. Although there are differences between the two countries, they have achieved certain results in multicultural music education, contributing to the diffusion and development of their own culture. China's multicultural music education needs to further strengthen reform and development, improve the international level of education, and strive to cultivate music talents with an international perspective. At the same time, we should pay more attention to the protection and inheritance of traditional Chinese culture, and promote the innovation and development of Chinese culture. South Korea should continue to protect and inherit its traditional music, strengthen the integration and innovation of international mainstream music, and cultivate more music talents with international influence. This study has the following theoretical and practical significance. Firstly, the theoretical significance of this study is as follows. Firstly, this study analyzed the cultural and spiritual significance of multicultural music education, demonstrated the importance of integrating multicultural concepts into education, and provided basic data for related subsequent research. Secondly, the feasibility of inheriting and developing multicultural music education was demonstrated, and discussions were proposed to enrich the forms and content of music education in countries, regions, and ethnic groups around the world. The practical significance of this study is as follows. Firstly, the necessity of realizing the dissemination and inheritance of multicultural music education, protecting, inheriting, and developing the concept of multicultural music education was proposed. Secondly, explore the significance and value of multicultural music education, and realize the value of multicultural music education in higher music education in China and South Korea. Combining knowledge and value transmission, explore the essential significance of music education. Thirdly, the proposal of the development strategy for multicultural music education in Chinese and Korean universities provides necessary basic information for promoting the development of higher music education in China and Korea on this basis. 인류의 오랜 역사적 발전과정에서 각 나라와 지역은 고유한 문화적 특성을 형성 해 왔다. 시대의 변화에 따라 그 출현, 발전, 개선, 사회적 위상 및 소통방식은 ​다양 한 변화와 발전을 겪어왔다. 특히 민족음악의 출현과 발전은 강한 민족문화적 특성 과 민족예술 스타일을 반영한다. 세계화와 정보화 시대의 도래로 인해 세계 각국 사람들 간의 거리는 계속해서 좁아지고 있다. 국제교류와 민족 간 교류가 점차 증 가하는 오늘날, 정치, 경제, 사회, 문화 등 각 영역에서 상호 이해를 강화하고 상호 신뢰를 증진하여 나라와 민족 간의 평화적 공존과 안정적 발전, 그리고 상호 문화 적 교류와 융합이 각국 사람들의 공동의 관심이 되었다. 이러한 배경 속에서 각 나 라의 음악문화 역시 유례없는 교류와 충돌을 시작하고 있다. 그리고 다양한 음악 스타일이 생겨나면서 음악문화의 다양성이 전례 없는 수준으로 높아졌다. 이제 전 세계의 음악문화는 더 이상 특정 지역에 국한되지 않고 서로 소통하고 영향을 미치며 전례 없는 다양성을 형성하고 있다. 이러한 다양성은 우리의 음악세 계를 풍요롭게 할 뿐만 아니라 다양한 문화에 대한 새로운 시각을 제공한다. 이러 한 다양한 음악문화는 모두 인류의 중요한 문명이기 때문에 존중하고 보전되어야 한다. 동시에 각 음악문화들은 고유한 특징을 가지고 있지만, 서로 고립되어 있지 않고 서로 영향을 주고 받는다는 점도 살펴볼 필요가 있다. 세계화가 심화되면서 다문화주의는 세계 여러 나라의 교육 시스템에서 없어서는 안 될 부분이 되었다. 다문화 음악교육은 최근에 새롭게 떠오르는 교육개념이지만 다른 영역에 비해 상대적으로 깊이 있고 체계적으로 탐구되지 않았으며, 음악교육 의 실천도 부족한 실정이다. 본 연구는 중국과 한국의 음악교육 발전과정과 양국의 고등음악교육 발전현황을 비교하고, 이를 토대로 중국과 한국의 다문화 음악교육 현황과 발전방안을 찾는 것에 목적을 두고 있다. 이를 통하여 양국의 민족음악적 특성을 유지하면서 음악교육에 다문화적 특성을 접목하여 새로운 음악양식과 교육 방법을 모색하고자 하였다. 이에 본 연구는 다문화 배경에서 고등 음악교육을 핵심 으로 하고 문헌연구와 현장방문 등의 방법을 통해 다문화 음악교육의 가치와 의미, 그리고 교육에서의 전승과 발전의 필요성을 체계적으로 분석함으로써 한국과 중국 의 비교적 성공적인 다문화 음악교육 사례를 분석하고 비교한 후, 과학적이고 체계 적인 다문화 음악교육의 발전방안을 모색하였다. 본 연구는 중국과 한국의 다문화 고등음악교육에 대한 교육이념, 수업계획, 교수 방법 및 문화교류 등의 측면에서 공통점과 차이점을 도출하였고, 이러한 차이의 원 인을 심층적으로 분석하였다. 본 연구는 다음과 같은 내용에 중점을 두었다. 첫째, 중국과 한국의 고대, 근대, 현대 음악교육의 발전과정을 각각 정리하여 중국과 한국 의 음악교육 현황과 각각의 특징을 정리하고 비교분석하였다. 둘째, 다문화주의, 다 문화 교육개념, 다문화 교육체계 등의 개념을 소개하고, 다문화교육의 장단점과 다 문화 교육 추진의 필요성을 도출하였다. 그리고 다문화 음악교육 시스템의 특성을 분석하여 현행 시스템의 제한점과 최적화 방안을 제안하였다. 셋째, 중국과 한국의 다문화 음악교육의 발전은 전통음악문화의 계승과 외국 음악문화의 도입이라는 두 가지 측면에서 정리하였으며, 최종적으로 양국의 다문화 고등음악교육 체제가 확립 되는 과정과 각각의 특성을 분석하였다. 넷째, 중국 S대학과 한국 J대학을 현장방문 하여 두 대학의 음악전공 학부와 석사 및 박사과정 교육과정의 유사점과 차이점을 분석하였다. 다섯째, 중국과 한국은 국가체제와 사회적 요구가 다르기 때문에 다문 화 음악교육의 확산에 있어 서로 다른 의미를 가지는 점을 고려하여 중국과 한국 각각의 다문화 고등음악교육의 발전방안을 제안하였다. 여섯째, 교재선택, 교수내용, 교수방법 및 캠퍼스 문화구축 측면에서 중국과 한국의 다문화 고등음악교육과정 개 발을 위한 전략을 수립하고, 대학 음악교육에서 다문화음악 교육 교수-학습과정안 을 제안하였다. 본 연구의 시사점은 다음과 같다. 중국과 한국의 다문화 음악교육 발전과정은 교 육개념, 교육방법, 교육성과 등에 있어서 일정한 차이가 있었다. 이러한 차이는 양 국의 역사적, 문화적 배경, 국제적 지위, 교육제도, 자원배분 방식의 차이에서 비롯 된다. 양국은 서로의 차이에도 불구하고 다문화 음악교육에서 일정한 성과를 거두 었으며 자국 문화의 확산과 발전에 기여해 왔다. 중국의 다문화 음악교육은 개혁과 발전을 강화하고 교육의 국제적 수준을 향상시키며, 국제적 시각을 갖춘 음악 인재 양성을 위한 노력을 기울어야 한다. 동시에 중국 전통문화의 보호와 계승에 더욱 많은 관심을 기울이고 중국문화의 혁신과 발전을 촉진해야 한다. 한국은 자국 전통 음악의 보호와 계승을 계속 유지하고, 국제 주류음악의 통합과 혁신을 강화하며, 국 제적인 영향력을 지닌 더 많은 음악 인재를 양성해야 한다. 본 연구는 다음과 같은 이론적, 실천적 의의가 있다. 먼저 본 연구의 이론적 의의 는 다음과 같다. 첫째, 본 연구를 통해 다문화 음악교육의 문화적 의의와 정신적 의 의를 분석하고, 다문화 이념이 교육에 통합되는 중요성을 논증하여 관련 후속연구 를 위한 기초자료를 제공하였다. 둘째, 다문화 음악교육의 전승과 발전의 실현 가능 성을 논증하여 세계 각국, 지역, 민족 음악교육의 형식과 내용을 풍부하게 할 수 있 는 논의를 제시하였다. 본 연구의 실천적 의의는 다음과 같다. 첫째, 다문화 음악교 육의 전파와 전승을 실현하고, 다문화 음악교육의 이념을 보호, 계승 및 발전시켜야 하는 필요성을 제시하였다. 둘째, 다문화 음악교육의 의미와 가치를 발굴하여 중국 과 한국 고등음악교육에서 다문화 음악교육의 가치를 실현하고, 지식 전수와 가치 전수를 결합하여 음악교육의 본질적 의미를 탐색하였다. 셋째, 중국과 한국 대학의 다문화 음악교육 발전 전략의 제시를 통하여 이를 바탕으로 중국과 한국 고등음악 교육 발전을 촉진하는 데 필요한 기초자료를 제공하였다. 주제어: 중국 고등음악교육, 한국 고등음악교육, 다문화 음악교육, 발전구상, 비교연구

베넷 리머의 경험중심 음악교육철학 재해석 : 한나 아렌트의 탄생성과 세계성 개념에 기대어

박민형 서울대학교 대학원 2023 국내석사

This paper offers a fresh perspective on the experience-based music education philosophy, also known as the synergistic approach, proposed by Bennett Reimer. This philosophy often receives criticism for overemphasizing individual inner experiences at the expense of communal aspects. However, this study argues that Reimer effectively balances both these elements, albeit in a way distinct from the praxial music education approach. The study further proposes that Reimer's method of balancing individual and communal experiences could have important implications for music education, particularly in the current context of educational curriculum revisions emphasizing communal competencies. To substantiate this argument, the study examines Hannah Arendt's concept of education as a bridge between natality and worldliness, investigating how these ideas are embodied in Reimer's experience-based music education philosophy. Reimer attributes significant value to the ‘feeling’ that arises from our experience with music. He contends that this individual involvement encompasses more than the auditory experience; it also promotes a profound level of self-understanding, achieved through ‘feeling’ the music(Reimer, 2022: 105). This perspective is interpreted as aligning with Arendt's notion of ontological natality - the process of emerging into the world as a unique entity. Furthermore, Reimer suggests that this feeling extends beyond facilitating self-understanding; it also fosters a sense of community by allowing the realization that others sharing the musical experience are partaking in a fraction of one's own experience(Reimer, 2022: 100). Meanwhile, Reimer argues that students should expand their musical experience in school music education(Reimer, 2022: 212). In the context of Reimer's experience-based philosophy, school music education serves as Arendt's ‘common table’. As students experience music, they form meanings as unique entities, which can be likened to the ontological natality that Arendt talks about. Furthermore, students become entities that participate in the world by freely sharing the meanings they have formed. In other words, they illuminate the world from different positions centered around the common table of music subjects, and share the meanings they have formed. Reimer focuses on the “specialness” that music gives us and can be said to design an education in which each student forms their unique meaning and shares it while participating in the world. The conclusions drawn from this research are as follows: The “specialness” intrinsic to music enables music education to pursue both individuality and communality. Music provokes feelings unique to its form and fosters self-understanding. However, the meanings formed individually also provide a foundation for experiencing a greater sense of plurality. Therefore, both aesthetic sensitivity and communal competencies suggested within the curriculum are dimensions that music education can concurrently strive for. Consequently, music education should be structured to enable students to experience and formulate their unique perspectives, while also facilitating the free expression of these individually formed meanings. 본 논문은 베넷 리머가 주장한 경험중심 음악교육철학을 새롭게 조명하는 것을 목적으로 한다. 리머는 개인 내적 경험만을 강조하고 공동체성을 무시하는 입장으로 비판받곤 한다. 하지만 연구자는 리머가 개인 내적 경험을 강조하면서도, 실천주의 입장과는 다른 방식으로 공동체성을 풀어 간다고 본다. 또한 리머가 경험중심 철학에서 개별성과 공동체성을 매개하는 방식은 공동체 역량을 강조하는 현 국가 교육과정 개정 방향 속에서도 음악교육에 주는 함의가 크다고 본다. 연구자는 주장을 뒷받침하기 위해, 한나 아렌트가 제시하는 교육 개념이 경험중심 음악교육철학에 어떻게 드러나는지를 살펴본다. 아렌트는 교육을 탄생성과 세계성을 매개하는 작업이라 설명하는데, 각 개념이 경험중심 음악교육철학에서 어떻게 드러나는지를 검토한다. 리머는 우리가 음악을 경험하면서 발견하는 ‘느낌’에 가치를 둔다. 리머는 우리가 음악을 개별적으로 경험하면서, 자기 자신을 느끼는 데까지 나아간다고 말한다(Reimer, 2017: 124). 연구자는 리머가 보여 주는 시각이 아렌트가 말하는 존재론적 탄생, 즉 세계 속에 유일무이한 존재로 시작하는 사건과도 동일하다고 해석한다. 한편, 느낌은 자기 자신을 인식하게 할 뿐 아니라, 음악을 경험하는 타인 또한 일정 부분 자신과 경험을 공유한다는 것을 깨닫게 한다(Reimer, 2017: 120). 음악적 경험은 타인을 의식하는 데까지 나아갈 수 있다는 것이다. 한편, 리머가 제안하는 학교 음악교육은 아렌트가 비유로 나타내는 공동 탁자 역할을 한다. 학생은 음악 교과를 통해 더욱 넓은 음악적 세계를 만날 수 있다. 또한, 교사가 언어로 세계를 소개할 때, 학생은 세계를 더욱 깊이 이해할 수 있다. 나아가 자신이 발견한 의미를 자유롭게 공유할 때, 학생은 음악이 지닌 가치를 인식할 뿐만 아니라 우리에게 다양한 의미를 형성하게 하는 음악적 세계를 중심으로 복수성을 경험할 수 있다. 리머는 음악이 우리에게 주는 “특별함”에 주목하고, 학생이 각기 개별적인 의미를 형성하도록, 또한 그것을 공유하며 세계에 함께 참여하는 교육을 기획한다고 말할 수 있다. 연구자가 내린 결론은 다음과 같다. 음악이 지닌 특별함은 음악 교육이 개별성과 공동체성 모두를 추구할 수 있게 한다는 것이다. 음악은 음악만이 가능한 방식으로 우리를 느끼게 하고 나아가 자기 자신을 자각하게 한다. 그러나 한편으로, 모두가 개별적으로 형성한 의미는 더 큰 복수성을 경험하게 하는 근거가 되기도 한다. 따라서 교육과정에서 제시하는 (심미적) 감성 역량과 공동체 역량은 학교 음악교육이 함께 추구할 수 있는 것이기도 하다. 그리하여 음악교육은 학생이 각기 느끼며 고유한 관점을 형성하도록, 그러나 개별적으로 형성한 의미를 자유롭게 표현할 수 있도록 이루어져야 할 것이다.

음악놀이를 활용한 초등학교 4학년 가창 지도방안 연구

정혜린 서울교육대학교 교육전문대학원 2023 국내석사

Singing plays an important role in elementary school music education. Singing is an act of using the voice, an instrument that everyone has naturally, and is a musical activity that students can feel most familiar and start naturally. In addition, you can easily express your thoughts and emotions, understand and express the lyrics of the song, have aesthetic experiences, and naturally acquire various musical concepts in the process of making musical elements and concepts into sound. Play also continues to be emphasized in elementary music education. Not only does play continue to appear in the 2015 and 2022 national curriculum, but research on the educational effects of play is being conducted by various scholars. Play is the basis for intellectual development and has a positive effect on children's physical, emotional, social, and verbal development. In particular, play in music education has educational significance that it can increase students' interest and participation in music classes, make students learn music concepts effectually, and provide music education which is suitable for elementary school students' development stage. Therefore, in this study, teaching method of singing class for fourth graders in elementary school using play was set as a research topic. To this end, we first looked at the characteristics and types of play and the educational significance of play. Next, by examining elementary school singing education, we explored the importance of singing in elementary school music education, and looked into the musical characteristics of fourth-grade elementary school learners related to singing. Finally, the relationship between singing and play was considered, and the reason for using play in the singing area was explained. Prior to the development of music play that can be used in the singing area, the curriculum and textbook analysis were conducted first to lay the foundation for the development of music play. As a result of analyzing the 2015 national curriculum, singing and playing are treated as important, and in particular, play has appeared in the 2022 national curriculum, indicating that its importance continues. In addition, when looking at the contents related to singing in the curriculum, singing guided by elementary school music education could be largely organized into three stages: 1) learning the basic functions of singing, 2) singing using musical characteristics, and 3) interpreting and expressing songs on their own. In textbook analysis, singing-related activities were first extracted from each textbook, and then organized and analyzed in three steps as above. Finally, as a result of the curriculum and textbook analysis, the characteristics of singing classes using music play were summarized based on various theories about play and singing. Next, the types of play were classified based on the three singing stages derived through curriculum analysis, and music plays suitable for each were presented. When presenting play, it was intended to enhance understanding by presenting goals to be reached through play, related music concepts, play methods, illustrations or work sheet, and points to note when playing. In this study, the importance of singing and play in elementary music education was confirmed, and implications were prepared that it suggested ways to use play in singing classes. It is hoped that this study will help to provide singing education through play in the field, and further research will be conducted on how to use play for music education. 초등학교 음악교육에서 가창은 중요한 위치를 차지하고 있다. 가창은 모든 사람이 선천적으로 갖고 있는 악기인 목소리를 활용하는 행위로, 학생들이 가장 친숙하게 느끼고 자연스럽게 시작할 수 있는 음악 활동이다. 또한 자신의 생각과 감정을 용이하게 표현할 수 있으며, 노랫말을 이해하고 표현하며 심미적 체험을 할 수 있고, 음악 요소와 개념을 실음화하는 과정에서 자연스럽게 여러 음악 개념을 습득할 수 있다. 놀이 역시 초등음악교육에서 계속해서 강조되고 있다. 놀이는 2015 및 2022 개정 음악과 교육과정에서 지속적으로 등장하고 있을 뿐 아니라, 다양한 학자들에 의해 놀이의 교육적 효과에 관한 연구가 이루어지고 있다. 놀이는 지적 발달을 위한 기초가 되며, 아동의 신체 및 정서, 언어, 사회성 발달에 긍정적인 영향을 미친다. 특히 음악교육에서의 놀이는 음악 수업에 대한 학생들의 흥미와 참여도를 높이고 음악 개념을 효과적으로 익힐 수 있게 하며, 총체적인 음악 체험을 제공하여 초등학생의 발달 단계에 적합한 음악교육을 할 수 있다는 교육적 의의를 갖는다. 따라서 본 연구에서는 놀이를 활용한 초등학교 4학년 가창 지도방안을 연구 주제로 설정하였다. 이를 위하여 먼저 놀이의 특성 및 유형, 그리고 놀이가 갖는 교육적 의의를 살펴보았다. 다음으로 초등학교 가창 교육에 대해 살펴보며 가창이 초등학교 음악교육에서 갖는 중요성을 탐색하였고, 가창과 관련된 초등학교 4학년 학습자의 음악적 특성에 대해 알아보았다. 마지막으로 가창과 놀이의 관련성에 대해 고찰하여 놀이를 가창 영역에 활용하고자 하는 까닭을 설명하였다. 가창 영역에 활용할 수 있는 음악놀이를 개발하기에 앞서 교육과정 및 교과서 분석을 먼저 진행하여 음악놀이 개발의 기초를 마련하고자 하였다. 2015 교육과정을 분석한 결과 가창과 놀이가 중요하게 다루어지고 있고, 특히 놀이는 2022 교육과정에도 등장함으로써 그 중요성이 계속되고 있음을 알 수 있었다. 또한 교육과정에서 가창과 관련된 내용을 살펴보았을 때 초등학교 음악교육에서 지도하는 가창은 크게 1) 노래의 기초 기능 익히기, 2) 음악적 특징을 살려 노래 부르기, 3) 스스로 노래를 해석하고 표현하기의 세 단계로 정리할 수 있었다. 교과서 분석에서는 각 교과서에서 가창 관련 활동을 먼저 추출한 후, 위와 같은 3단계로 나누어 정리 및 분석하였다. 마지막으로 교육과정 및 교과서 분석 결과, 놀이와 가창에 관한 여러 이론을 바탕으로 음악놀이를 활용한 가창 수업의 특징을 정리하였다. 다음으로 교육과정 분석을 통해 도출한 3가지 가창 단계를 기준으로 놀이 유형을 분류하여 각각에 알맞은 음악놀이를 제시하였다. 놀이를 제시할 때에는 놀이를 통해 도달하고자 하는 목표, 관련 음악 개념, 놀이 방법, 삽화 또는 활동지, 놀이 시 유의할 점 등을 함께 제시하여 이해를 높이고자 하였다. 본 연구에서는 초등 음악교육에서 가창과 놀이가 갖는 중요성을 확인하였으며, 놀이를 가창 수업에 활용할 수 있는 방안을 제시하였다는 시사점을 마련하였다. 본 연구가 현장에서 놀이를 통한 가창 교육을 실시하는 데 보탬이 되고, 나아가 놀이를 음악교육에 활용하는 방안에 대한 더욱 많은 연구가 이루어지기를 기대한다.

해방공간 중등음악교과서 연구 : 일제강점기 『標準音樂敎科書』와의 비교를 중심으로

이유로 서울대학교 대학원 2023 국내박사

국문 초록 해방 직후 ‘일제 잔재 청산’과 ‘조선인으로서의 정체성 정립(正立·定立)’은 국가적 중요 선결 과제였고, 이 과제 수행을 주도하고 지원해야 할 역할을 담당한 교육계는 ‘일제 교육 잔재 청산’과 ‘조선 교육의 정체성 회복·수립’을 지향하면서 신국가의 신교육 수립을 모색하였다. 1945년 9월 말부터의 초·중등학교 수업 재개, 그리고 학교에서의 일본어 사용 금지로 인하여 교과별 조선어로 된 교과서 편찬이 시급히 요구되었으며, 이러한 상황 속에서 조선어로 된 중등음악교과서 편찬 또한 전개되었다. 해방공간 교육계가 지향한 ‘일제 교육 잔재 청산’과 ‘조선 교육의 정체성 회복·수립’이 조선어로 된 교과서 편찬의 근본적 취지라는 맥락에서 보면, 음악교과서 편찬 즉 음악교과서 조선어화는 ‘일제 음악교육 잔재 청산’ 및 ‘조선 음악교육의 정체성 회복·수립’ 취지에 맞는 음악교과서를 만드는 일이었다고 할 것이다. 본 연구에서는 이 음악교과서 조선어화의 취지 측면에서 해방공간 중등음악교과서(이하 『해방중등』)의 양상을 검토하였다. 이 고찰에서는 『해방중등』의 주요 내용인 ‘가창곡’을 대상으로 음악적 측면과 언어적 측면, 즉 ‘곡조’와 ‘노랫말’에 대하여 살폈다. 먼저 『해방중등』 23종 수록 가창곡을 조선곡과 외국곡으로 대분하여 장르, 작곡자, 작곡/발표 시기(조선곡)·번역/작사 시기(외국곡), 노랫말 관련 인물 등에서 발견되는 성격을 살폈고, 이를 바탕으로 일제강점기에 사용되었던 일본 중등음악교과서인 『標準音樂敎科書』(이하 『標準』) 6종의 수록 가창곡과 ‘곡조’와 ‘노랫말’의 측면에서 비교 고찰하였다. ‘곡조’ 비교에서는 우선 『해방중등』과 『標準』 가창곡 간 ‘공통곡조’를 찾고 그 성격을 살폈으며, ‘공통곡조로 된 곡’을 탐색하여 이 곡들이 『해방중등』 전체 외국곡과 23종 개별 교과서 수록 외국곡 내에서 차지하는 비중을 검토하였다. 이어 ‘노랫말’ 비교에서는 ‘공통곡조로 된 곡’의 『標準』, 『해방중등』 수록 노랫말과 원곡 노랫말까지 세 가지 노랫말을 비교함으로써 『標準』, 『해방중등』 노랫말 간 유사도를 살폈다. 고찰을 통하여 음악교과서 조선어화 취지에 부합한다고 해석될 수 있는 점들로는 ‘조선곡’측면에서 첫째, 일본곡을 수록곡에서 배제하고 조선곡을 수록한 점, 둘째, 친일과 거리를 두겠다는 의지의 반영으로 해석되는 신진 작곡가들의 곡 수록, 셋째, 조선적 정서와 조선인으로서의 정체성을 일깨울 수 있는 노랫말로 된 1920· 30년대‘조선 예술가곡’과 ‘동요’를 다수 수록한 점, 넷째, 해방의 기쁨과 신국가 건설에의 희망을 담은 ‘애국가요’를 다수 수록한 점, 다섯째, 조선적 소재와 정서를 담은 이은상·김안서·이병기·김소월·윤복진(김수향) 등의 노랫말로 된 곡이 다수 수록된 점 등을 들 수 있다. 또한 ‘외국곡’ 측면에서는 첫째, 『해방중등』 편찬 시 우리 음악인·문인·어문학자 등에 의하여 새로 번역/작사된 노랫말을 다수 수록한 데에서 엿볼 수 있는 편찬자들의 조선적 신음악교육 수립에 대한 지향, 둘째, 『해방중등』‘공통곡조로 된 곡’ 전체 가운데 ‘『標準』 수록 노랫말을 그대로 조선어 번역한 노랫말’이 아닌, ‘원곡 노랫말을 토대로 번역되거나 조선어로 작사된 노랫말’이 붙은 곡이 약 74%에 이르는 점, 셋째, 외국곡 선곡에 있어서 ‘조선 대중’을 기준으로 선택하고자 했던 편찬자들의 주체적 태도 등을 들 수 있다. 이에 반하여 음악교과서 조선어화 취지에 부합한다고 해석되기 어려운 점들로는 ‘조선곡’ 측면에서 첫째, 『해방중등』 수록 가창곡 중 오롯이 조선인에 의하여 곡과 노랫말이 만들어진 조선곡의 비중이 약 30%에 불과한 점, 둘째, 조선 전통음악은 ‘민요’ 2곡뿐인 점 등을 들 수 있다. 또한 ‘외국곡’ 측면에서는 첫째, 『해방중등』 수록 전체 외국곡 중 『標準』과의 ‘공통곡조’로 된 곡이 약 33%에 이르는 점, 둘째, 『해방중등』 수록 ‘공통곡조로 된 곡’ 가운데 『標準』 수록곡의 일본어 노랫말을 그대로 조선어로 번역한 노랫말이 붙은 곡이 적은 비중이나마 발견되는 점 등을 들 수 있다. 본 연구를 통하여 『해방중등』 수록 가창곡에 ‘음악교과서 조선어화’ 취지에 부합한다고 해석되는 측면과 해석되기 어려운 측면 모두 존재함을 알 수 있었으며, 또한 ‘곡조’와 ‘노랫말’ 양 측면에서 이 취지에 ‘부합한다고 해석되는 양상’이 그렇지 않은 양상에 비하여 매우 다종다양하게 발견된다는 사실도 확인할 수 있었다. 고찰 결과에서 볼 수 있듯이 『해방중등』에서 『標準』과 유사한 측면이 적지 않게 발견되는 것이 사실이다. 그간 구체적 근거 없이 해방공간 음악교과서가 일본 음악교과서의 모방·답습으로 언급되어 왔으나, 본 연구를 통하여 모방·답습으로 해석될 수 없는 부분과 있는 부분이 존재한다는 사실이 확인되었고, 모방·답습으로 해석될 수 있는 부분 또는 범주가 구체화 되었다는 점은 중요한 성과 중 하나라 하겠다. 또한 『해방중등』의 ‘음악교과서 조선어화’ 양상을 살필 목적으로 수행된 교과서 발굴 및 검토, 수록곡의 출처 탐색, 수록 곡조나 노랫말 관련 정보에 대한 확인, 확인/발견된 내용에 대한 분석·연구 및 정리, 의미 도출 등의 과정을 거치면서, 『해방중등』의 실제적 양상을 발견하고 드러내고자 하였던 본 논문의 또 다른 목적도 수행할 수 있었다. 그간 해방공간 시기 교과서 관련 연구에 있어서 민간의 자발적 노력과 시도가 중요한 부분으로 조명된 경우는 거의 없었다. 본 연구를 통하여 조명된 민간의 음악교육자, 편찬자, 더불어 음악교과서를 만드는 데에 참여한 타 분야 인물들의 적극적 참여와 노력, 그리고 그들에 의하여 이루어진 교과서 조선어화 양상은 한국근현대음악교육사 및 음악교과서사에 있어서뿐만 아니라 한국근현대교육사 및 교과서사에 있어서도 중요한 의미이자 의의로 평가될 것이라 기대한다. 일제 잔재와 우리의 것이 구별되지 않았던 시기 조선어로 된 교과서 공급이 시급한 상황 속에서, ‘일제 음악교육 잔재 청산’과 ‘조선 음악교육의 정체성 회복·수립’ 취지에 부합하는 음악교과서를 만드는 일이 매우 힘겨울 수밖에 없었음은 자명하다. 그럼에도 불구하고, 이 목표에 부합하는 교과서를 만들고자 했던 『해방중등』 편찬자 및 음악교육자들의 시도와 노력이 결코 적지 않았음을 본 연구를 통하여 확인할 수 있었다. 이들이 쏟은 공력(功力)은 타당한 평가를 받아야 마땅하다. 『해방중등』을 당시 교육계의 지향 및 교과서 조선어화의 취지 측면에서 고찰함으로써, 해방공간 음악교과서가 일제강점기 ‘일본 교과서의 모방, 답습’이라는 그간의 음악계 및 음악교육계에 존재해온 인식을 비판적으로 재고하고, 한국현대음악교육의 출발점 또는 정초기로 여겨지는 해방공간 시기의 음악교육·음악교과서의 실질적 의미 및 의의를 도출하는 데에 구체적 근거를 제공하였다는 점에 본 연구의 의의가 있다고 하겠다. Abstract A Study of the Music Textbooks of Secondary School during the Post-Liberation Period : Mainly Comparing with [Hyoujun Onggaku Kyoukashyo] under the Japanese Imperialism Lee Yoo Ro Department of Interdisciplinary Program In Music Education The Graduate School Seoul National University Just after the liberation from Japanese imperialism on the 15th of August, 1945, the most urgent and fundamental tasks of Korea were to liquidate the vestiges of Japanese imperialism from Korean society and to establish Korean identity as a newly emerging nation, Korea. In order to accomplish these tasks, the educational organizations of Korea, which were responsible to take the role and to support people to be mobilized for this mission, had groped to establish new educational policies through two processes, that is, the liquidation of vestiges of Japanese imperialism and the establishment of Korean identity. Due to the imminent time-limit that at least from the late September of 1945, not only in elementary schools but also in secondary schools of Korea, all the classes must be re-opened and due to the obligatory condition that Japanese language, which had been used totally in all educational institutions during the colonial period by Japan, should be prohibited to use in schools from the drawing semester. It was, therefore, necessary to compile textbooks of every subject of the secondary school, printed in Korean and distributed within at least some days prior to the beginning of new semester, late September. In the very difficult situation the first Korean music textbooks were written and compiled. Basically, the whole educational officials and professions of Korea had the common tasks to liquidate the vestiges of Japanese imperialism and to establish newly a Korean identity in education, and it was natural that the compilation of Korean music textbooks also pursued to carry out these two tasks, liquidation of the vestiges of Japanese imperialism and creation of Korean identity in the music education. This study researches of how to realize these tasks in all the processes of compiling ‘music textbooks of secondary school during the post-Liberation period’(‘Liberation’, or ‘Liberation textbooks’ in below), especially putting emphasis on the process of conversion in language into Korean. This study mainly concentrates on songs, the vocal music of the ‘Liberation textbooks’, from the viewpoints of music dimension as well as from the viewpoints of linguistic dimension, that is, the tunes and the words of the songs. First of all, therefore, this study divides all the songs, which were gathered in ‘23 Liberation textbooks’, into two, the Korean songs and the songs from foreign origins, and classified them according to their genre, composers, related persons to words of the songs, and the years of compositions/performances(in case of the Korean song), translations/writing(in case of the songs from foreign origins) of the words of the songs. In the final stage, on the basis of the results from the prior researches and studies, the study proceeds to comparative studies with the songs, which were included in 6 textbooks among ‘Hyoujun Onggaku Kyoukashyo’(‘Hyoujun’ or ‘Hyoujun textbooks’ in below) series. These comparisons were essential to understand what the similarities and the differences were between music textbooks, ‘Hyoujun’ and ‘Liberation’. Many differences were found, but at the same time many similarities also were found, which sometimes seemed to be imitations of the ‘Hyoujun’, following the formation of the ‘Hyoujun’ and copying the narrations all through the textbooks, which brought about serious aspects in the post-Liberation period. Especially, the words of many songs, which were included in both of ‘Hyoujun’ and ‘Liberation’, were ‘double translations’ from directly the Japanese translations in the ‘Hyoujun’, not the translations from the original words, i.e., from English, Deutsche, or Latin. The Korean tunes : Through the researches of new music textbooks, especially on their endeavors to realize the motto of printing them in complete Korean language, instead of Japanese, there found some important points. 1) All Japanese tunes were excluded. Instead, many Korean tunes were collected. 2) Korean songs, composed by new blood, were chosen. This seems that the compilers did not want to be seen as pro-Japanese. 3) Many songs, from artistic songs to children’s songs, were collected, because they were beloved by Korean people through 1920’s and 1930’s, for their words expressed Korean emotion and told something considerably Korean identity. 4) Not a few songs, which sang the joy of Liberation and new hope of the people, were gathered in the textbooks. 5) Many Korean songs were those, of which their words were written by Koreans such as Eun Sang Lee, An Seo Kim, Byeong Ki Lee, So Wol Kim, Bok Jin Yoon, (Soo Hyang Kim), etc., who were considerably acquainted with native subject matter and Koreans’ emotion. The Foreign tunes : 1) It is easily discovered that the compilers had warm willingness to introduce newly devised music textbooks with new translations and/or newly written words of songs. This contributed to the educational development of music in Korea. 2) Among the foreign songs, with tunes commonly adopted in each textbook, 74% had new translations, directly from original words, or, written newly without any connection to the words of ‘Hyoujun’ textbooks. 3) In the selection work of the songs for the textbooks, the compilers’ concern was on our people’s aspiration of musical education for the future. On the contrary, a few points were discovered that they were not fit to the motto of ‘Koreanize’. The Korean tunes : 1) Among the Korean tunes of ‘Liberation’ textbooks, less than 30% were those, of which both tunes and words of songs were written by Koreans. 2) The traditional Korean songs were only two ‘minyo’(folk songs). The foreign tunes : 1) 33% of the foreign tunes in the ‘Liberation’ textbooks had common tunes of ‘Hyoujun’ textbooks. 2) Some songs of the ‘Liberation’, among the foreign songs with tunes commonly adopted in each textbook, had direct translations into Korean form ‘Hyoujun’, without any consideration of original words of the songs. Summing up, there existed both phases, the one are those which fitted to the motto of ‘Koreanize’, and the other are those which did not fit to the motto. Of course, just after the liberation there had not been enough references to compile a new music textbook, the general situation was not so proper to do this, and the time limit was so imminent. In such a difficult situation the ‘Liberation’ compilers were tempted to purely translate from Japanese words of ‘Hyoujun’ textbooks. Considering the difficult situation, it is understandable all the attempts of the people who worked for the processes of compiling new music textbooks. Until now, however, there have almost not been any study about the civil participation into the formation of the music textbooks of secondary school during the Post-Liberation Period. But through this study it was found that there were tremendous contributions of civilians to create the formats of music textbooks, to write, and to compile them. At the time of upheaval, when everything, material and spiritual, seemed to be vestiges of Japanese imperialism, nobody dared to say what Korean identity was, and very urgently needed to compile and provide textbooks, which should newly printed in Korean, it was almost impossible to create ‘Liberation’ textbooks. Furthermore, they should fit to the mottos, to liquidate the vestiges of Japanese imperialism and establish Korean identity. This study, nevertheless, recognized that compilers and music educators’ contribution was remarkable in their ventures and endeavors, in addition to their faithful efforts to fit to the motto ‘Koreanize’. In the very sense, there need proper evaluations on the contributions of compilers, musicians, and writers in other fields of music textbooks just after the liberation. While this study investigates ‘Liberation’ textbooks in the perspective of the new trends of education and the ‘Koreanization’ of textbooks at the time, an important point was discovered that unconfirmed criticism by many musicians and music educators, that the ‘Liberation’ textbooks were pure imitation of ‘Hyoujun’ textbooks, must be re-considered, and that the compilation of Liberation textbooks actually presented a platform, on which a concrete departure of modern Korean music education was made.

포괄적 음악교육에 기초한 유아의 음악적 능력 증진 프로그램 개발 및 효과검증

김광자 서울여자대학교 대학원 2004 국내박사

교육의 목적이 개인의 타고난 잠재능력을 최대한 개발시키는 것이라고 볼 때, 음악교육은 대부분의 유아가 선천적으로 가지고 태어난 음악적 능력을 최대로 발달시키는 것이라 할 수 있다. 타고난 음악적 잠재능력을 개발·발전시키기 위해서는 유아기가 음악 교육적으로 가장 중요하며 유아기 음악교육 경험의 질과 양상에 따라서도 이후의 음악적 성장에 미치는 영향은 매우 크므로 유아교육에 있어서 유아 음악교육의 역할은 매우 중요하다고 할 수 있다. 따라서 유아의 음악적 능력 증진을 위한 체계적이며 계획적인 음악적 환경 및 교육이 유아기에 제공되어야 한다. 이러한 필요성에 따라 본 연구는 포괄적 음악교육에 기초하여 유아의 음악적 능력 증진을 목적으로 하는 유아의 음악적 능력 증진 프로그램을 구성하고 이를 유치원 교육 현장에 적용하여 유아의 음악적 인지능력 및 음악적 표현 능력 증진에 미치는 효과를 검증하는데 목적이 있다. 본 연구의 프로그램 개발 및 효과 검증은 다음과 같이 진행되었다. 첫 번째 단계에서는 유아기 음악교육과 관련된 문헌고찰과 제6차 유치원 교육과정의 유아 음악교육 목표 및 내용 분석을 통하여 프로그램의 기본방향을 설정하였다. 두 번째 단계에서는 유치원 음악교육 활동에 대한 실태 및 음악교육 활동에 대한 교사의 요구도를 알아보기 위하여 유치원 교사 81명을 대상으로 기초현황 조사를 실시하였다. 그 결과, 교사들은 유치원 음악교육 활동의 활성화를 위하여 유치원 교육과정에 통합하여 활용할 수 있는 음악교육 프로그램 개발을 가장 많이 희망하는 것으로 나타났다. 세 번째 단계에서는 문헌고찰과 기초현황 조사에서 나타난 결과를 반영하여 프로그램의 구성원리, 교육목표, 교육내용, 교수-학습 방법, 평가, 프로그램의 실제를 구성하였다. 구성된 프로그램의 효과를 검증하기 위해서 유치원의 만 5세 유아 60명을 각각 실험집단과 비교집단으로 배정하여, 실험집단에 음악적 능력 증진 프로그램을 5주간 총20회를 실시하였다. 프로그램 활동에는 음높이, 셈여림, 음색, 리듬 등의 음악적 개념에 기초한 음악 감상 활동, 노래 부르기 활동, 신체 표현 활동, 악기 연주하기 활동, 음악 만들기 활동이 포함된다. 구성된 프로그램이 유아의 음악적 능력 증진에 효과가 있는지를 알아보기 위하여 프로그램 실시 전·후 실험집단 및 비교집단 유아를 대상으로 음악적 인지능력과 음악적 표현능력을 측정하는 검사를 실시하였다. 수집된 자료는 사전검사 점수를 공변인으로 하여 사후검사 점수에 대해 공변량 분석 방법으로 분석하였다. 본 연구에서 나타난 주요 결과는 다음과 같다. 첫째, 음악적 능력 증진 프로그램에 참여한 실험집단 유아의 음악적 인지능력 중 음높이, 셈여림, 리듬 등의 음악적 인지능력 사후검사 점수가 비교집단의 점수에 비해 유의미하게 높은 향상을 보였다. 따라서 음악적 능력 증진프로그램이 유아의 음악적 인지능력을 긍정적으로 증진시켰다고 할 수 있다. 둘째, 음악적 능력 증진 프로그램에 참여한 실험집단 유아의 음악적 표현능력 중 노래 부르기, 악기 연주하기, 신체 표현, 음악 만들기 등의 음악적 표현능력 사후검사 점수가 비교집단의 점수에 비해 유의미하게 높은 향상을 보였다. 따라서 음악적 능력 증진 프로그램이 유아의 음악적 표현능력을 긍정적으로 증진시켰다고 할 수 있다. 결론적으로 본 연구의 포괄적 음악교육에 기초한 유아의 음악적 능력 증진프로그램은 유치원 교육과정안에 통합되어 유아의 음악적 인지능력 및 음악적 표현능력을 증진시키는 것으로 나타났다. 본 연구의 의의는 포괄적 접근에 기초하여 유치원 교육과정안에 통합될 수 있는 음악교육 프로그램을 개발하고 유치원의 일반교실 환경에서 대집단 및 소집단 형태의 유아들을 대상으로 프로그램을 실시하고 효과를 검증함으로써 유아의 음악적 능력을 증진시킬 수 있는 포괄적인 접근으로서의 음악 능력 증진프로그램 모델을 제시해 주었다는 점이다. 유아의 음악적 능력 증진을 목적으로 하는 프로그램의 후속연구를 위해서는 다양한 연령의 유아를 위한 연간 프로그램개발 및 연령간의 연계 프로그램 개발이 필요하며, 음악적 능력 증진의 양적인 측정뿐만 아니라 유아의 음악적 발달 및 태도 변화를 알아보기 위한 질적 연구가 요구된다. From the perspective that the purpose of education is to develop the innate potential capacities of each individual to the maximum, music education is to develop the innate musical capacities of young children to the maximum degree. In order to develop and enhance the innate musical capacities, the early childhood period is the most important phase in terms of music education. The quality and aspect of music education and experiences in the early childhood period exerts significant effect upon the musical development of a child in the future. As such, the role of music education is indeed significant in early childhood education. Therefore, it is important to provide systematic and thoroughly planned musical environment and education to young children in order to increase their musical capacities. In accordance with such necessities, this study aims at organizing musical capacity enhancement program for young children for the purpose of increasing the children's musical capacities based on comprehensive music education, thus at applying the program in actual site of education in kindergartens. Therefore, this study ultimately aims at verifying the effect of the applied program on improvement of young children's musical recognition and expression capacities. In this study, the development and verification of effect of the program have been carried out as of the following. In stage 1, various documents and literatures related to early childhood music education as well as the target and contents of the sixth kindergarten education curriculum have been analyzed to establish the basic direction of the program. In stage 2, basic status research has been performed on 81 kindergarten teachers in order to understand the degree of teachers' demand on music educational activities and the status of music educational activities carried out in kindergartens. The result displayed that most number of kindergarten teachers desired development of music education program to be utilized in conjunction with the kindergarten education programs in order to promote music educational activities in kindergartens. In stage 3, the configuration principles of program, educational target, education contents, teaching-learning method, assessment and the actual contents of the program have been organized through reflection of the results produced in the initial stages of document investigation and basic status research. In order to verify the effect of the organized program, 60 of 5-year-old childrenhave been assigned to the experimental and control groups and the musical capacity enhancement program has been carried out on the experimental groups for the total of 20 times over the period of five weeks. The program includes music appreciation activities based on the musical concept of pitch, dynamics, timbre and rhythm, etc., singing activities, physical expression activities, musical instrument playing activities and musical improvisation activities. In order to investigate whether the organized program is effective in increasing the musical capacities of the young children, a test to measure musical recognition and expression capacities has been performed on young children in the experimental and control groups both before and after the application of the program. The collected data have been analyzed with covariance analysis method on the marks measured in post test with the marks measured at the test in advance as the covariates. The main results of this study are as of the following. Firstly, among musical recognition capacities of young children in experimental group participated in the program to enhance musical capacities, the marks of post test on pitch, dynamics and rhythm displayed significant improvement from the marks displayed by the control group. Therefore, it has been indicated that the program to enhance musical capacities had produced positive effect in improving musical recognition capacities of the young children. Secondly, amongmusical expression capacities of young children in experimental group participated in the program to enhance musical capacities, the marks of post test on singing, playing musical instrument, physical expression and musical improvisation activities displayed significant improvement from the marks displayed by the control group. Thus, it has been indicated that the program to enhance musical capacities had produced positive effect in improving musical expression capacities of the young children. In conclusion, it has been indicated that the program to increase musical capacities of young children based on comprehensive music education as applied in this study improves musical recognition and expression capacities of young children by being combined in the kindergarten education curriculum. The import of this study lies in the fact the it has suggested a model for musical capacity enhancement program as a comprehensive approach to increase young children's musical capacities by developing a music educational program to be combined in the education curriculum of kindergartens, thus administering and verifying the effects of the program on young children in large and small groups within the general environment of a kindergarten classroom. In order for successive study on programs to achieve increase in young children's musical capacities, it is required to develop yearly-based programs for young children in various age groups and to develop connected programs per each age group. In addition to quantitative measures on musical capacity increase, qualitative study is required to investigate on the young children's musical development and changes in attitude towards music education.

고등학교 가창교육을 위한 ICT자료의 활용연구 : 국내 웹사이트의 검색과 분석을 중심으로

신덕균 동아대학교 교육대학원 2004 국내석사

빠르게 진행되는 정보화와 정보통신기술 (ICT : Information & Communication Technology)에 의한 급속한 사회환경의 변화는, 교육에 있어서도 획기적인 방법의 변화를 요구하고 있다. 이러한 다양한 요구를 충족시키며 얻고자 하는 교육적 목표를 달성하기 위해 음악교과도 새로운 교수-학습형태를 요구받게 되었다. 이러한 요구에 따라 7차 교육과정에서 대두된 ICT(정보통신기술)활용한 교수-학습은 현재 교육현장에서 큰 주목을 받았다. 음악수업의 여러 영역 중에서 특히 가장 중심적인 활동이라 할 수 있는 가창교육에서의 ICT를 활용한 교수·학습은 더욱 중요한 유용성을 가지고 있다. 그런데, 음악수업의 현실을 보면 초등학교에서 고등학교로 학년이 올라 갈수록 점차 줄어드는 수업시간과 여러 가지 환경으로 인하여 교과서가 중심이 된 종래의 강의식 수업 방식에서 벗어나기가 쉽지 않다. 특히 감수성이 예민하고 컴퓨터 음악에 익숙해진 학생들에게는 피아노 반주 하나에만 의지하여 수업을 하게되면 가창수업에 흥미를 잃을 수도 있게 된다. 이러한 문제점을 해결할 수 있는 방안 중의 하나가 ICT를 활용한 가창학습인 것이다. ICT를 활용한 가창 자료를 가창학습에 활용함으로써 다양한 가창학습자료를 경험하게 하여 가창에 대한 흥미와 적극적인 수업 참여를 유도할 수 있을 것이다. 따라서, 본 연구는 새로운 학습도구로써 부각되고 있는 ICT를 활용한 교수-학습을 음악의 가창학습에 활용함으로써 학생들에게 흥미와 관심을 높여 학습효과를 높이며, 가르치는 교사들에게는 정선되고 풍부한 ICT 가창학습자료를 제시하는데 그 목적이 있다. 본 연구에서는 인터넷이 제공하는 서비스 중에서도 가장 많은 사용자를 확보하고 있는 웹을 이용하여 고등학교 음악에서의 ICT를 활용한 가창관련 학습 자료에 관한 정보를 검색·분석하였다. 특별히 고등학교 가창학습자료만을 선정함은 감수성이 예민한 청소년들에게 ICT를 활용한 다양한 가창학습을 통해 창의성 개발과 정보화 시대에 살아갈 학생들이 능동적으로 대처할 수 있도록 하는데 도움을 줄 수 있을 것이기 때문이다. 또한, 상대적으로 ICT활용에 관한 정보와 관심에 소홀하기 쉬운 고등학교 교사들에게 수업자료로 이용하기 편리하도록 분석 결과의 내용을 홈페이지로 만들어 네트워크에 올림으로써 정보를 공유할 수 있도록 함에도 있다. 대부분의 교사들이 인터넷의 ICT에 관련한 가창자료를 실제 가창수업시간에 활용할 수 있는 정보를 찾기 위해서는 정보를 검색하고 선별하는데 시간과 노력이 요구된다. 따라서 본 연구에서는 그 자료들을 먼저 분석하고 현장 교사들이 이용하기 적합하도록 재구성하여 제공하는 것이다. 이러한 교수·학습 자료를 통해 고등학교 가창수업에서 단지 수동적으로 노래를 부르는 것만이 아닌 다양한 각도에서의 가창학습이 가능하게 됨으로써, 학생들의 가창에 대한 흥미와 학습동기를 유발시킬 뿐 아니라 이들이 가창 활동에 더욱 적극적으로 참여하도록 도울 수 있을 것이다. 본 연구는 다음과 같은 절차를 거쳐 진행되었다. ICT 활용 교육의 개념 및 구성을 알아보고, ICT 활용 교육의 특징, ICT활용 수업의 유형에 관한 고찰은 2000년부터 2003년 현재까지 ICT 활용 교육에 관한 논문, 단행본, 기사들을 대상으로 실시하였다. 인터넷의 3대 국내검색엔진을 이용하여 ICT를 활용한 고등학교 가창자료를 웹사이트를 통해 검색하였는데, 사용한 검색어로는 'ICT활용', 'ICT교수학습자료', '가창학습', '음악교육연구회', '음악교사' 등 5가지를 조합하여 사용하였다. 가창학습 자료로서의 내용의 완성도, 수업자료로서의 유용성, 사용자의 웹사이트 이용도 등을 고려하여 해당 기준에 맞는 웹사이트만을 다시 검색한 후 정선된 12개 사이트의 내용만을 분석하였다. 선택된 고등학교 가창관련 12개의 웹사이트의 분석내용을 기초로 하여 현직 음악 교사들이 직접 활용할 수 있도록 홈페이지를 제작하였다. 이 홈페이지에서는 현재 고등학교에서 음악을 다루고 있는 교사들이 가창영역에 있어 좀 더 폭넓게 이해하여 가르칠 수 있도록 다양한 가창학습 자료를 제시하고 있다. 먼저 고등학고 가창자료로 분류된 웹사이트의 목록과 이 웹사이트의 분석 내용을 볼 수 있도록 하이퍼링크 하였다. 도움자료실을 통해 교사들이나 학생들의 ICT소양 교육을 위해 이에 대한 정보를 소개하였다. 가창관련 웹사이트의 음악자료 대부분이 음악을 들어보고 악보를 보기 위해서는 특별한 프로그램들을 실행시킨 뒤 활용이 가능하기 때문에 그와 관련된 파일들을 음악실행 파일 모음에 한곳으로 모아 두었다. 그 외에 교사들이 현장정보를 나누고 의견을 교환할 수 있고, 학생들은 가창학습에 관한 질문 사항 등을 자유롭게 올릴 수 있는 게시판을 작성하였다. 가창 교육을 위한 홈페이지는 네트워크에 올려 이를 공개하였으며 그 주소는 다음과 같다. http://my.netian.com/∼pubid/ The rapid informatization and advancements in ICT(Information & Communication Technology) have caused also rapid changes to the social environment including the educational sector where the adoption of innovative methods has been required. Responding to the diverse needs and further fulfilling the educational goals, the sector of music education has browse dnew teaching-learning styles. Among them, the teaching-learning style using ICT has attracted a good deal of interest from the sector after being first introduced in the beginning of the Seventh Curriculum. The importance of ICT-based teaching-learning becomes bigger in singing education considering the fact that singing takes the most central position in musical activities in the class. The current situation of the class, however, doesn't reflect the importance. As the students go up in grades from elementary to high school, the music classes get smaller and less, which contributes to the situation where it's so hard to discard the old conventional to the textbook-based teaching and learning and adopt a new one, along with the various changes to the environment. To make the situation worse, today's kids have rich sensibilities and are accustomed to computer music, which means that they might lose interest in singing instructions that solely depend on the piano accompaniment. One of the ways to solve the situation is to utilize ICT. Making use of diverse singing data using ICT during the singing lesson and exposing the students to the data will help them stimulate their interest in singing and develop an active attitude toward the lesson. Thus this study set out to utilize ICT-based teaching-learning, the newly rising learning tool, in singing lessons, to induce the students to increase their interest in and concern for the lessons and to enjoy more learning effects, and finally to offer the teachers with the ICT-based singing data that were carefully selected and rich. The investigator searched for and analyzed tile data of high school singing education using ICT, surfing through the webs, which were most used among the Internet services. The scope of the grades was limited to highschool since it was originally intended to help the more sensitive high teens cultivate their creativity and develop the ability to make active responses in the age of informatization through the diverse singing lessons using ICT. In addition, the high school teachers make the group that can be easily turned away from the ICT-related information and data because of the educational system targeting the college entrance exam. By limiting the scope to high school, accordingly, the study could focus on the high school curriculum in making a homepage containing the analysis results and contents and putting it onto the network so that they could have an easy access to it and share the information. Most music teachers say that they have to invest a considerable amount of time and efforts in searching for and choosing the ICT data that can be used in teaching singing. Understanding their difficulties, the investigator aimed to analyze the related data in advance and provide them with those data that were reorganized to be suitable for them to use in the class. The teaching-learning data based on ICT were expected to step forward further front the passive singing level and to enable the students to approach the lesson from a diverse range of perspectives, promoting their interest in and motives for singing and helping them participate in singing activities more actively. The procedures taken in the study were as follows; First, a review was made of tile concept and composition of ICT-using education. Then a consideration was done on tile characteristics and types of ICT-using lessons based on the papers, separate volumes and articles on ICT-using education published from 2000 to 2003. In searching for the ICT-using high school singing data from the related websites, three major search engines in the Korean Internet served as the entrance gate. The search words used include 'ICT utilization' 'ICT-based teaching and learning data,' 'singing instructions,' 'Society of Musical Education,' and 'music teachers' along with the combinations of them. The criteria of website selection included tile degree of completeness as a provider of singing education data, usefulness as teaching materials, and the uses of the users. 12 websites turned out to meet the requirements and were analyzed in contents. Based on the analysis results of the 12 websites containing the high school singing data, a homepage was constructed which was a device that music teachers could have a direct access to. The homepage provided a variety of singing education data, which would help the teachers have a deeper and wider understanding of singing instructions at high school. The first tool to introduce was the hyperlinking service, which would lead a visitor to the website list containing high school singing date and to the analysis results of the website itself. The Useful Data Room presented the educational data and information for both the teachers and students to develop the ICT ability. A room was reserved for tile special implementation program files that would be needed to listen to music or see the scores in a hyperlinked site. Finally, the bulletin board was set up so that the teachers could post their opinions and experiences and share them with their fellow teachers and the students could put up their questions concerning singing instructions. The homepage of singing education was made often to the public in the networks. Its address is http://my.netian.com/∼pubid

전통음악 교육의 활성화 방안 연구 : 고등학교 음악교육을 중심으로

윤경자 제주대학교 교육대학원 2004 국내석사

본 연구의 목적은 제7차 음악과 교육과정과 관련하여 10학년용 음악교과서 8종에서 전통음악 분야 분석과 함께 교육 현장의 실태를 살펴 그 문제점을 도출하고 해결방안을 제시함으로써 전통음악 교육의 활성화 방안을 마련하는 데 있다. 음악과 교육활동 영역에서 가창, 감상, 기악, 창작영역 중 가창영역이 차지하는 비율이 가장 높으나, 전통음악 분야에서는 8종 중 5종이 감상영역의 비율이 높게, 3종은 가창영역이 높은 비율로 편성되어 있다. 가창영역에서 가창곡은 특정지역의 민요에 편중되어 있다. 기악영역에서도 장구 악기 한 분야에 너무 편중된 점도 시정되어야겠다. 다양한 국악 학습의 기회를 제공하여야 하며, 가창곡의 종류도 다양해져야 한다. 또한 여러 시대에 걸쳐 문화권의 악곡형식을 이해하며 감상하도록 구성되어 있기는 하지만 출판사마다 다루고 있는 분야가 미흡하고 감상영역도 듣는 내용으로만 국한되기보다는 보는 것이 병행된 감상 지도 내용이 소개가 되어야겠다. 음악과 교육과정에서 창작영역은 가장 중요시 다루어야 하는 영역임에도 불구하고 모든 교과서가 소홀히 다루어지거나 소개조차 되고 있지 않아 시정되어야 할 것이다. 7차 교육과정과 관련하여 단위 시수는 줄었는데 내용은 전과 동일하게 가창, 기악, 감상, 창작과 이해 영역을 골고루 지도하도록 되어 있어, 학습 내용을 결정하는 데 있어 현장의 음악교사들을 매우 당황하게 만들고 있다. 전통음악 교육의 성패는 음악과 교육 내용 중에서 전통음악을 얼마나 짜임새 있게 구성하느냐는 점과 음악교사들이 확실한 전문이론과 실기를 겸비하여 학생들을 잘 교육하는 데 달려 있을 것이다. 그리하여 21세기의 정보화·세계화·다양화 시대에 주체성 있는 우리의 전통음악 문화는 재창조되어야 한다. 이를 위해서 몇 가지 제언하면 다음과 같다. 첫째, 다양하고 폭넓은 제재곡 으로 음악교과서를 편찬해야 한다. 음악 교과서 저자들은 전통음악 분야를 보다 쉽고 효과적으로 지도할 수 있는 다양한 제재 개발에 관심을 기울여야 할 것이다. 둘째, 음악교사의 전문성 확보 및 교육적 재정 지원을 확대해야 한다. 국악을 전공한 교사가 별로 없어 전통음악 교육을 위하여 전문적 지식 내지 기능 습득을 위한 별도의 연수가 실시되어야겠고, 이를 위한 교육청에서의 적극적인 재정 지원이 필요하다. 셋째, 방송매체를 통한 전통음악 프로그램을 확대 실시해야 한다. 대부분의 매스컴은 대중음악 중심으로 프로그램이 편성되어 상업주의적으로 흐르고 있으며, 국악프로그램은 새벽 시간 아니면 심야 시간에 편성되어 있어 청소년들에게 국악을 접할 수 있는 기회가 별로 없다. 전통음악 프로그램을 확대 편성하고, 방송시간대도 조정되어야 한다. 전통음악 교육은 우리의 멋과 아름다움을 알게 하며, 정체성과 긍지를 높이는 의미 있는 교육 활동임을 잊지 말아야겠다. This paper aims to overview the traditional Korean music sections in the 8 textbooks published under the 7th national curriculum and find out the problems and the solutions for them, which are expected to contribute to promoting traditional Korean music education in schools. In the general music education, singing is considered to be such an important part that it takes the largest portion of music textbooks among the sub-fields such as appreciating, playing musical instruments and composing, but while in the section of traditional Korean music education, singing takes the largest portion in only the 3 textbooks, appreciation of traditional music takes the largest in the 5 textbooks among the current 8 textbooks. In addition, the songs for singing part mostly come from the particular regions in Korea and only Janggu appears to be a target instrument among various instruments. This partial emphasis on ceratin fields should be taken out to provide students with diverse songs and musical instruments, which leads to students' various musical experience of traditional Korean music. While the diverse musical forms for appreciation come from the overall ages, they are not fully introduced for students' understanding in most of 8 textbooks and visual image for them should be also introduced for better understanding. Moreover, even though the most important part of music education is the composition area, it is neglected or omitted in the textbooks. This thesis submitted to the Committee of the Graduate School of Education, Cheju University in partial fulfillment of the requirements for the degree of Master of Education in August, 2004. The same amount of the contents of textbook with less classes per week in the 7th national curriculum than the ones in the 6th national curriculum brings teachers difficulties in handling all of them during classes. Systemic organization and qualified music teachers who are experts in music theories and playing musical instruments are the key factors in making traditional Korean music education effectively. This makes it possible to recreate traditional Korean music in the 21st century, the age of information, globalism and diversity. The following three suggestions will be very helpful to implement this task. Firstly, the contents of music textbooks should be diverse. Textbook writers should put the stress on developing various teaching materials for efficient and effective traditional music education. Secondly, music teachers should be supported to improve their teaching abilities by the local educational office or central government. Teacher training programme for traditional Korean music education is needed because there are few music teachers who have sufficient knowledge about traditional Korean music currently. Thirdly, more traditional Korean music shows should be introduced on mass media. Most of the music shows on current TV or Radio programme mainly consist of popular music whereas the ones for traditional music is on the air in the early morning or midnight. In current situation, adolescents hardly have an opportunity to listen to traditional Korean music. In conclusion, the education of traditional Korean music in secondary schools will raise students' awareness of the beauty of Korean tradition and strengthen their pride as Koreans.

텍스트 마이닝을 활용한 음악과 교육과정의 키워드 및 토픽 분석 연구

이지영 상명대학교 일반대학원 2023 국내박사

이 연구의 목적은 빅데이터 분석기법인 텍스트 마이닝을 활용하여 음악과 교육과정에 대한 정부, 언론, 학계의 주요 쟁점과 담론들을 종합적이고 체계적으로 알아보고, 이를 바탕으로 음악과 교육과정에 대한 매체별 특징을 비교 분석하는 것이다. 텍스트 마이닝 기법은 빅데이터의 데이터 분석 기술 중 하나로 텍스트를 대상으로 다양한 분석기법을 활용하여 키워드 간의 유기적인 관계를 파악하고 숨어 있는 패턴을 탐구하여 의미있는 정보를 수집하는 연구방법이다. 연구를 위하여 한국교육과정평가원에서 발간하는 <연구보고서>, 언론의 <뉴스기사 본문>, 학술지의 <국문초록>에서 음악과 교육과정에 관련된 데이터를 대상으로 다양한 정제과정을 거친 뒤 키워드 빈도분석, 키워드 네트워크 분석, 토픽모델링을 실시하였다. 또한 교육과정의 변화 양상을 파악하기 위하여 제7차 음악과 교육과정부터 2022 개정 음악과 교육과정까지 5시기로 구분하여 연구를 진행하였고, 다음과 같은 결과를 도출하였다. 첫째, 키워드 빈도 분석결과, ‘교육’, ‘평가’, ‘교과’, ‘학교’, ‘학생’, ‘음악교사’, ‘활동’, ‘수업’, ‘학습’은 모든 매체에서 높은 빈도로 제시되고 있었다. 반면 언론자료의 경우 음악 교과가 아닌 다른 교과를 나타내는 키워드가 상위에 제시되었고, 학술지자료에서는 전 시기에 걸쳐 음악 교과 이외의 타교과를 나타내는 키워드는 나타나지 않았다. 이를 통해 학술지자료는 보다 전문적인 자료로 음악 교과의 고유한 요소들을 중심으로 연구되고 있다는 것을 알 수 있다. 둘째, 키워드 네트워크 분석결과, 모든 매체에서 핵심 키워드를 구상하고 있는 네트워크 구축 망은 다르게 도출되었다. 특히 정부자료와 학술지자료에서는 음악과 교육과정에 관련된 키워드가 주를 이루었다면 언론자료에서는 ‘국악’을 제외한 나머지 키워드가 교육 분야에서 일반적으로 사용되는 주요 키워드로 구성되었다. 이를 통해 정부자료에서는 해당하는 시기의 교육과정의 내용과 교육과정의 개발적인 측면을, 언론자료는 음악과 교육과정에 관련된 직접적이고 전문적인 내용보다는 일반적이고 사회적으로 집중되고 있는 이슈를, 학술지자료는 음악과 교육과정에 관련된 직접적인 내용뿐만 아니라 교육과정을 바탕으로 보다 고차원적인 접근을 통해 다양한 관점으로 인식하고 있는 것을 파악하였다. 셋째, 토픽모델링 결과, 매체별 동일한 토픽은 존재하지 않았다. 이는 각 매체의 토픽들을 구성하는 하위키워드 간에 유사성이 발견되었으나, 그들의 확률 분포에 따라 각기 다른 토픽이 추론되었다는 것을 알 수 있다. 이와 같은 결과를 바탕으로 다음과 같은 결론을 도출하였다. 첫째, 정부는 음악과 교육과정을 중심으로 학교 교육 현장에서 활용할 수 있는 다양한 연구자료 및 평가자료 등을 중심으로 연구하고 있음을 파악하였다. 특히 시기별로 구분하였을 때 정부에서는 해당 시기에 정확히 부합되는 시의 적절한 연구물들을 발표하였는데, 이러한 연구물들은 사회의 요구 및 변화에 따라 총론을 중심으로 제시되고 있는 것으로 나타났다. 또한 정부의 연구보고서는 평가 기준 연구, 교육과정 국제비교 연구, 타 교과와 연계 방향 연구, 실태 분석 연구 등으로 편중되어 있었다. 둘째, 언론에서는 음악과 교육과정에 관련되어 사회적 요구 및 대중들의 인식을 즉각적으로 반영하고 있었다. 언론자료의 경우에는 정부자료, 학술지자료와는 다른 관점을 보여주고 있는데, 특히 최근 고시된 2022 개정 음악과 교육과정의 경우에는 관련된 기사 대부분이 특정 인물과 그에 관련된 이슈를 폭발적으로 보도하는 사례가 있었다. 따라서 언론에서는 음악 교육 자체에 관심이 있기 보다는 사회적인 이슈와 요구에 집중되어 보도하고 있다는 것을 알 수 있었다. 셋째, 음악교육에 관련된 학계에서는 음악과 교육과정에 관련되어 정부나 언론과 달리 다문화, 통합교육 등 다양한 관점으로 음악교육 자체에 관심을 나타내는 특징이 있었다. 또한 음악교육 학계에서는 음악과 교육과정의 문서 자체와 교육과정이 현장에서 잘 적용될 수 있도록 다양한 학습방법과 구체적이고 실현가능한 지도방안을 연구하고 있는 것으로 나타났다. 이 연구는 텍스트 마이닝 기법을 활용하여 음악과 교육과정에 관련된 주요 쟁점들을 다양한 매체를 통해 다각도로 탐색하고, 음악교육 분야에서 빅데이터 분석 기법을 활용한 새로운 인식조사의 가능성을 제시하였다는 점에 의의가 있다. The purpose of this dissertation is to utilize text mining, a big data analytical method, to comprehensively and systematically decipher the primary debates and discourses concerning music curriculum across governmental bodies, the media, and academic circles. Text mining, a sub-field of big data analysis, enables the identification of organic relationships between keywords and hidden patterns in the text to extract pertinent information through a multitude of analytical techniques. In this research, data related to music curriculum from "Research Reports" issued by the Korean Institute for Curriculum and Evaluation, the main body of "News Articles," and Korean "Abstracts" from academic journals were subjected to several refining processes. Subsequently, keyword frequency analysis, keyword network analysis, and topic modeling were carried out. To ascertain the pattern of curricular changes, the investigation was partitioned into five periods spanning from the 7th music curriculum period to the 2022 revised music curriculum. The results of this study are as follows: Firstly, the keyword frequency analysis indicated that terms like 'education', 'evaluation', 'subject', 'school', 'student', 'music teacher', 'activity', 'lesson', and 'learning' were all presented with a high frequency across all types of media. However, media materials predominantly highlighted keywords representing subjects other than music, while academic resources throughout all periods did not exhibit keywords representing subjects outside the sphere of music. This suggests that academic sources provide more specialized content, centering primarily on the distinct aspects of music as a subject. Secondly, the keyword network analysis showed differentiated network configurations constructed around central keywords across all media. Particularly, government and academic materials primarily consisted of keywords pertinent to music curriculum. Conversely, media materials comprised predominantly of standard keywords, with the exception of 'Korean traditional music', frequently employed in the educational domain. This implies that government materials encapsulate the substance and developmental facets of the curriculum for each respective period. Media materials, on the other hand, seem to gravitate towards general and socially prevalent issues, rather than specifically specialized content related to music curriculum. Lastly, academic materials tend to approach the music curriculum from a variety of perspectives via higher-order approaches, incorporating both specific and broader educational contexts. Thirdly, the findings from the topic modeling did not identify any identical topics across different media. While there were similarities found among the sub-keywords constituting the topics in each medium, the topics inferred varied according to their respective probability distributions. Based on these findings, the following conclusions can be drawn: First, the government's research is predominantly focused on music curriculum, centering on a broad range of research materials and evaluative data applicable within school education environments. Particularly when categorized by distinct periods, the government has produced relevant research materials that align precisely with each specific era. These materials seem to present overarching principles, molded by societal requirements and ongoing transformations. Further, government research reports tended to focus on evaluative criteria studies, international comparisons of curricula, research exploring directions for integration with other subjects, and status analysis studies. Second, the media effectively encapsulates societal demands and public perception relating to music curriculum. The media content displays a unique perspective, distinct from that of government documents and academic articles. Especially in the case of the recently implemented 2022 revised music curriculum, numerous articles reported extensively on specific individuals and associated issues. Therefore, it can be deduced that the media tends to focus its reporting on societal issues and demands, rather than an inherent interest in music education itself. Third, within the academic realm of music education, there is a characteristic interest in the subject itself from a diverse range of perspectives, such as multiculturalism and integrated education, unlike the government and media. In addition, it has been found that music education academia researches a variety of learning methods and practical, implementable instructional strategies to ensure effective application of music curriculum in the field. The significance of this research lies in its multifaceted exploration of major disputes related to music curriculum through different media, employing text mining techniques. Furthermore, it underscores the potential for novel perception surveys using big data analysis techniques in the realm of music education.

중국 초등학교 음악 교과서의 전통 요소에 대한 분석과 연구 : 인민교육출판사 초등학교 음악 교과서를 중심으로

이호양 계명대학교 대학원 2023 국내박사

The important carrier of music education content is music textbooks, and the development of music textbooks has been carried out in tandem with the development of music education. The transformation of China’s modern music education from ancient to modern times began in the mid-19th century, and these changes were also influenced by the Western modern music education system. First, the development of modern music education in China. It began to be influenced by Western music education ideas in the mid-19th century, marking the embryonic stage of modern music education in China. Some Western missionaries established new-style schools in China, and in the early 20th century, the Chinese government officially announced the comprehensive construction of modern schools, which led to the full-scale development of modern music education in China. After experiencing turbulent times during the ‘Xuetangyuege’ movement and the Anti-Japanese War period, it gradually entered a formal stage after the establishment of the People’s Republic of China. Increased interaction with the world since the 1980s has also contributed to the improvement of music education in China. Second, the development of music textbooks in China. In ancient times, music education in China was primarily accessible to the literati class, and the educational materials were mostly created by scholars. However, with the advent of modern music education in China, the target audience shifted to the entire population. The role of music textbooks has undergone different interpretations in various historical periods, but one consistent aspect is the importance given to incorporating Chinese traditional elements as an educational tool. Third, the music textbooks currently used are based on the ‘Compulsory Education Music Curriculum Standards’ issued by the Ministry of Education in 2011. Chinese music textbooks now exist in both staff notation (five-line notation) and simplified notation (jianpu). Simplified notation has been widely adopted since its introduction to China, benefiting from its operational rules that share many similarities with the traditional Chinese notation system known as ‘gongche notation.’ Fourth, in the current elementary school music textbooks used in China, the proportion of Chinese works is around 50%, while the proportion of works containing Chinese traditional elements is around 30%. These music works with traditional elements are mainly presented in the form of vocal music, instrumental music, and integrated artistic works. They include traditional music (folk music), ethnic music (ethnic minority music), and expressions related to traditional culture. Fifth, analyzing Chinese traditional elements based on the 20 editions of curriculum standards officially released since 1904. The role of Chinese music education has varied in different historical periods. However, regardless of any stage, these music works always contain Chinese traditional elements. 음악교육의 중요한 매체는 음악교재이며, 음악교재의 발전은 음악교육의 발전과 함께 이루어져 왔다. 중국의 현대 음악교육은 고대에서 현대로의 변화가 19세기 중반부터 시작되었으며, 이러한 변화는 서양의 현대 음악교육 체계의 영향을 받았다. 첫째, 중국의 현대 음악교육 발전. 19세기 중반부터 서양 음악교육 사상의 영향을 받아 현대 음악교육의 뿌리를 내린 시기이다. 중국에는 서양 선교사가 개설한 현대 학교가 등장했으며, 20세기 초에 중국 정부가 공식적으로 현대 학교 건설을 선언함으로써 중국의 현대 음악교육이 본격적으로 전개되었다. ‘학당악가’와 항일전쟁 시기의 난리 시기를 거친 후, 중국의 현대 음악교육은 신중국이 성립한 이후로 점차 정규화되었다. 1980년대 이후 세계와 더 자주 접촉함으로써 중국 음악교육은 더욱 발전되었다. 둘째, 중국의 음악교재 발전. 중국 고대의 음악교육은 일반 대중이 음악교육에 접하기 어렵다는 점을 결정했으며, 고대 음악교육 교재는 주로 선비 계급에 의해 편찬되었다. 그러나 중국이 현대 음악교육을 시작한 이후에는 음악교육의 대상이 국민 전체로 변화되었다. 음악교재의 역할은 다른 역사적 단계에서도 다른 의미를 부여받았지만, 어떤 단계에서도 중국의 전통 요소를 중요한 교육 수단으로 여겼다. 셋째, 현재 사용되는 음악교재는 중국 교육부가 2011년에 발표한 ‘의무 교육 표준음악과정’에 따라 제작되었다. 중국의 현재 음악교재는 오선보와 숫자보 두 가지 버전이 동시에 존재한다. 숫자보는 중국에 도입된 이후로 널리 사용되었는데, 이는 숫자보의 운용 규칙과 중국 전통 악보 방식인 ‘공척보’ 사이에 많은 유사점이 있기 때문이다. 넷째, 중국 현재 사용되는 초등학교 음악교재 중 중국 작품의 비율은 약 50%로, 중국 전통 요소를 가진 작품의 비율은 약 30%이다. 이러한 전통 요소를 가진 음악 작품들은 주로 성악, 악기, 종합 예술 작품의 형태로 나타난다. 이들 작품에는 전통 음악 작품(전통 민속 음악), 민족 음악 작품(소수민족 음악), 전통문화 관련 작품 등이 포함된다. 다섯째, 중국 전통 요소를 분석하기 위해 1904년부터 발표된 20판 교육과정 기준을 살펴보면, 중국 음악교육의 역할은 다양한 역사 시기마다 다르다. 그러나 어떤 단계에서든 이러한 음악 작품들은 중국 전통 요소를 포함하고 있다.

심미적 음악감상을 위한 수업모형 개발 - 리머의 음악교육철학을 중심으로 -

박민규 연세대학교 교육대학원 2024 국내석사

본 연구의 목적은 리머(Bennett Reimer, 1932-2013)가 제시한 음악교육철학을 중심으로 심미적 음악감상을 위한 수업모형을 개발하는 것에 있다. 이를 위하여 리머의 심미적 음악교육철학을 중심으로 스톨니츠의 예술비평 유형, 보드만의 생성적 음악학습 이론, 블룸의 교육목표 분류학, 구성주의 학습이론을 수업모형의 원리로서 적용하였고, 코플랜드, 윈겔, 브라이언, 웨이스, 밀러와 같은 다양한 음악학자가 제시한 음악감상 유형 및 단계를 분석하여 통합적인 구조의 음악감상 수업모형을 개발하였다. 리머는 『음악교육철학』(A Philosophy of Music Education)을 통해 이전까지 도구주의적 관점에서 인식되던 음악교육을 최초로 심미적 관점에서 고찰하고 분석하였고, 음악교육의 당위성과 가치를 확립하였다. 그는 예술의 본질적인 성격이 심미적인 가치에 있으며, 음악교육의 역점 또한 심미적 경험에 있어야 한다는 점을 강조하였다. 이러한 심미적 음악교육은 우리나라 교육과정에도 영향을 미쳐 제6차 교육과정부터 현재까지 중요한 개념으로서 다루어지고 있다. 따라서 학교 음악교육에서 추구되어야 하는 방향은 단순히 음악적 지식을 학습하는 표면적인 수준이 아닌 심미적 경험을 통한 음악의 미적 가치와 의미의 향유라고 볼 수 있다. 본고에서도 이러한 점에 주목하여 리머가 강조한 심미적 경험을 연구의 주안점으로 설정하였고, 심미적 경험을 제공하기 위한 방안으로서 음악감상을 채택하였다. 이는 음악감상이 모든 음악활동의 기초로서 근저를 이루는 가장 보편적인 활동이며, 리머 역시 음악활동 중에서도 감상의 중요성을 특히 강조하였기 때문이다. 우리나라에서도 감상은 현행 교육과정과 2022 개정 교육과정에서 유일하게 독립적으로 다루어지는 공통적인 영역이다. 그만큼 음악에 있어서 감상은 다른 활동으로 대체될 수 없는 필수적이고 중요한 활동이라는 점을 확인할 수 있다. 하지만 실제 학교에서 이루어지는 음악감상 수업은 이러한 심미적 경험을 제공하기에 다양한 한계점을 지니는 것이 실정이다. 일반적인 감상수업은 수동적인 듣기 활동에 치중되어 있고, 이론과 평가에 편향되는 수준에서 이루어지기 때문이다. 따라서 본 연구에서는 리머의 심미적 음악교육철학을 중심으로 ‘통합적 APME 음악감상 수업모형’을 개발하고, 이를 적용한 교수・학습 지도안을 제시하였다. 제재곡으로는 시벨리우스(Jean Sibelius, 1865-1957)의 《핀란디아》(Finlandia, Op.26)를 선정하였으며, 고등학교 1학년을 대상으로 한 총 2차시 분량의 수업을 설계하였다. 본 연구에 대한 현장적합도는 현직 음악교사 3인의 검증을 통해 이루어졌다. 수업모형 및 교수・학습 지도안에 대한 현장적합도 검증을 진행하였고, 그 결과 본 연구에서 제시한 수업모형과 교수・학습 지도안이 심미적 음악감상 수업에 적합하고 심미적 경험을 제공하는 것에 기여할 수 있다는 긍정적인 평가를 받았다. 본 연구에서는 ‘통합적 APME 음악감상 수업모형’의 개발을 통해 심미적 음악교육철학을 주안점으로 설정하고, 이를 위한 다양한 이론을 적용하여 학습자의 심미적 경험을 도모하였다. 연구의 결과는 ‘통합적 APME 음악감상 수업모형’이 높은 교육적 활용성과 효과를 지니며, 실제 교육현장에서의 적용을 위한 검증이 적합하게 이루어졌음을 규명하고 있다. 본 연구는 음악감상 수업모형의 개발을 통한 본질적이고 의미 있는 차원의 음악감상을 추구한다는 점에서 학문적 가치와 의의를 지닌다. The purpose of this study is to develop an instructional model for aesthetic music appreciation, focusing on the philosophy of music education proposed by Bennett Reimer (1932-2013). To achieve this purpose, the kind of criticism by Jerome Stolnitz, the generative theory of musical learning by Eunice Boardman, the taxonomy of educational objectives by Benjamin Bloom, and constructivism were applied as principles of the instructional model, centered around Reimer's philosophy of aesthetic music education. An integrated instructional model for music appreciation was developed by analyzing the types and levels of music appreciation suggested by various musicologists such as Aaron Copland, Richard Wingell, James O’Brien, Robert Weiss, and Hugh Miller. According to “A Philosophy of Music Education”, Reimer initially examined and analyzed music education, which had traditionally been approached from an instrumental perspective, through an aesthetic perspective, thereby establishing the justification and value of music education. He emphasized that the essence of arts is found in aesthetic value and that the focus of music education should also center around aesthetic experiences. This music education as aesthetic education has also influenced the national curriculum in the Republic of Korea and has been regarded as an important concept since the 6th curriculum onward. Therefore, the goal of school music education should be to appreciate the aesthetic value and meaning of music through experiential understanding, rather than merely learning the superficial level of musical knowledge. In this study, recognizing these aspects, music appreciation is adopted as a means to emphasize the aesthetic experience, a central theme highlighted by Reimer. As the fundamental basis for all musical activities, Reimer particularly underscores the importance of appreciation within this domain. In the Republic of Korea as well, music appreciation is the only common domain addressed independently in both the current curriculum and the revised curriculum for 2022. The fact that appreciation cannot be replaced by other musical activities underscores its essential and crucial role in music. However, the actual music appreciation classes in schools face various limitations in providing such aesthetic experiences. Typical appreciation classes focus on passive listening activities and tend to operate at a level biased toward theory and assessment. Therefore, this study developed an ‘Instructional Model for Integrated APME Music Appreciation’ focusing on Reimer’s philosophy of aesthetic music education and presented a teaching and learning guide applying this instructional model. The selected repertoire for this study is “Finlandia, Op.26” by Jean Sibelius (1865-1957), and a total of two class sessions were designed for freshmen in high school. The practical applicability of this study for actual classes was confirmed through validation by three music teachers in schools. The validation of the applicability of the instructional model and teaching and learning guide produced positive reviews, indicating that the developed instructional model and guide in this study are suitable for aesthetic music appreciation classes and can contribute to providing aesthetic experiences. The ‘Instructional Model for Integrated APME Music Appreciation’ developed in this study centers around the philosophy of aesthetic music education, applying various theories to promote learners’ aesthetic experiences. This plays a significant role in the pursuit of a more essential and meaningful dimension of music appreciation. Based on the results of the study, the ‘Instructional Model for Integrated APME Music Appreciation’ is meaningful and valid in its form as an instructional model, rather than just a teaching and learning guide. This is supported by its high utility, educational effectiveness, and confirmed applicability through validation.