미술관에서의 전시연계 공연프로그램 활성화 방안 연구

신성원 경희대학교 경영대학원 2016 국내석사

현대시대의 미술관은 과거의 엄숙하고 딱딱했던 이미지를 벗고자 전시형태인 수집과 보관에 중점을 두던 미술관 기능이 점차 변모하면서 이제는 시민참여를 통한 전시와 연계한 다양한 공연 프로그램들을 선보이며 관람객들과 소통하는 놀이터 개념의 복합문화공간으로서 확장을 시도하고 있다. 이 후, 이 새로운 전시 연계 공연 프로그램의 형태를 전시 공간 내에 유입하기 시작하면서 관객들이 작품의 진행과정에 직접 참여할 수 있는 기회를 제공하고 새로운 관람경험을 확장시키며 이를 통해 관람객들로부터 큰 호응을 얻고 있다. 이에 따라 관람객의 참여와 만족을 이끌어내기 위해 미술관의 다양한 공연프로그램 제공들이 어떠한 기획활동을 통해 다양화되어야 하는지, 미술관 내 전시연계 공연프로그램의 활성화를 위해 어떠한 운영방식을 통해 이루어져야 하는지에 대한 방안의 제시가 구체적으로 필요하다. 본 연구는 대중과의 거리를 좁히기 위한 소통의 매개공간으로 변화되어가고 있는 동시대의 국·공립미술관 내 퍼포먼스 등장과 미술관 내 공연프로그램이 왜 적용되어야 하는지 그 필요성에 대해 논하며 국내·외 미술관에서의 공연 프로그램 현황과 한계를 분석하였다. 이를 토대로 전시연계 공연 프로그램이 앞으로도 지속적으로 발전해 나아갈 수 있도록 활성화방안을 제시하는 데에 그 목적을 두고자 한다. 이를 계기로 향후 미술관에서의 다양한 전시연계 공연프로그램들이 계획되어 있는 경우 미술관이라는 공간의 특수성을 잘 활용한 공연예술과의 적절한 조화로, 지금보다 생동감 넘치고 즐거운 장소가 될 수 있을 것이다. A modern art museum has changed to improve its past image, something sober and rigid derived by its function concentrated on collection under the shape of exhibition and custody by its expanding to a complex cultural place, where presents various performances in which the public can participate and to which exhibitions are linked. Since then, this new paradigm of exhibition linked to some performances have started to introduce into the inside of display space and it has become popular among spectators as this new paradigm gives some opportunities to them to participate in the process of a work directly and experience a new way of view. Therefore, to draw spectators’ participation and satisfaction, it is needed to propose a detailed measure of that which management planning is needed to diversify various performance programs and that which operation method is required for revitalizing exhibition-linked performance in an art museum. The study here analyzes present conditions of performance programs held in internal and external art museums and their limitations by discussing the appearance of performance program at contemporary national and public art museums that have changed to an intermediate space of communication for closing the distance with the audience and why performance programs should be applied in the art museums. Based on this, the study aims to propose an activation plan able to help a continuous development of exhibition-linked performance. With this, under the condition of domestic art museums which plan to hold various performances linked to exhibitions, they will become more lively and enjoyable place than today’s through proper harmony between the unique characteristic an art museum has -space- and performing arts that utilize this unique characteristic.

중국 장시성 난창(南昌)시립미술관 아이덴티티 개발 작품연구

육요 동서대학교 디자인전문대학원 2017 국내석사

문화와 예술은 인류문명의 중요한 정신적 재산으로, 우리들은 이러한 정신적 재산을 향유하는 동시에 물질적 가치도 공유하고 있다. 최근 박물관을 비롯한 문화·예술관련 공공기관이 나날이 증가 하고 있고, 한 도시의 문화역량은 문화·예술관련 공공기관의 유무와도 밀접한 관계가 있다. 중국은 정부와 지방자치단체에서 관리하는 미술관과 박물관 등이 많이 있지만 최근에는 사립미술관도 끊임없이 증가하고 있다. 정부와 지방자치단체에서 관리하는 국립 및 시립미술관은 사립미술관과 비교할 때 디자인과 창조성 측면에서 보면 일정부분의 제약이 있다고 생각한다. 그러나 사용자들의 욕구가 다양화되면서 유기적인 변화가 일기 시작했고 사용자는 더욱 다양하고 새로운 것을 원하고, 지방자치단체는 사용자의 다양한 욕구를 만족시키려고 노력하고 있다. 이러한 사용자와 지방자치단체의 관계는 상호보완적으로 이루어지며, 아이덴티티 시스템 변화의 계기를 형성하고 있다. 이제는 지역의 미술관도 기존의 예술작품을 수집하여 전시만하는 기능에서 탈피하여, 프로모션과 브랜드개발과 더불어, 이미지를 전시, 홍보하는 방향으로 변화고 있기 때문에 그에 따른 독창적인 심벌·로고 개발이 필요하다. 본 연구는 가변형 아이덴티티(Flexible Identity)의 유형을 참고하여 중·한·일 3개국의 시립미술관 사례를 분석, 각 나라의 미술관 아이덴티티의 장·단점을 조사하고 미술관 심벌·로고의 4가지 유형에 대해 분류를 하였다. 한국과 일본의 미술관 심벌·로고는 추상적인 콘셉이 많았으며, 중국의 미술관은 워드마크형과 추상적인 형태가 많았다. 사례조사를 통한 결과에 근거하여, 문화특징과 대표적인 키워드인 난창의 건축물과 환경, 지역특징을 모티브로 아이덴티티를 개발하였다. 난창시의 문화특색과 공감이 가는 10가지 심벌·로고를 제작한 후, 전문가 집단의 설문조사를 거쳐 최종적으로 선호도가 높고 상징성, 역사성, 조형성에서 뛰어난 3가지 모티브를 결합한 것으로 결정하였다. 기본형(Basic System)의 심벌마크는 첫째 난창시의 대표적인 건축물인 등왕각의 처마형태와 난창화원의 건축물 외곽선을 규칙성 을 가지고 대칭으로 표현하였다. 둘째 내부의 원형은 난창시의 많은 호수와 만물의 근원인 물 그리고 원의 형태로 포용성을 나타내었다. 셋째 상하의 방향형태의 도형은 물결(Wave) 그리고 변화와 확장을 표현하였다. 완성된 기본형은 건축물 외관을 모티브로 한 국·내외 사례조사를 통하여 난창시의 랜드마크인 등왕각과 기존 난창화원의 건축물의 외관을 모티브로 하여 제작하였다. 또한, 인터넷과 문헌을 통하여 기본형과의 유사한 심벌, 로고도 검색하여 인터넷 컨텐츠를 확장해가면서 아이덴티티의 완성도를 높혔다. 심벌마크의 색상은 K:100%의 1도로 표현하여 가변형 아이덴티티(Flexible Identity) 개념인 형태적인 변화에 따른 색상이 가진 가변성을 적용하여 전시의 형태와 성격에 맞추어서 색상이 적용 되도록 하였다. 로고타입은 난정고딕체(蘭亭黑體)를 참고로 하여 심벌마크와 조화롭게 리디자인 하였다. 응용편(Application System)에서는 주제와 어울리는 다양한 컨텐츠를 확장해가면서 명함, 편지, 포스터, 카드, 문화상품 등을 제작하였다. 이러한 풍부한 내용이 도입되면서 작품의 완성도를 높여 난창시립미술관 아이덴티티의 현존문제에 대한 해결과 새로운 이해를 할 수 있었다. 본 작품논문에서 개발한 난창시립미술관의 아이덴티티를 통해, 문화·예술에 대한 이해와 소통이 활발해지고 다양한 문화를 수용하고 커뮤니케이션이 활발해져서 미술관에 대한 새로운 인식과 공감을 가지기를 기대한다.

국내시립미술관 미술교육프로그램에 관한 연구

박수현 동아대학교 대학원 2013 국내석사

국내시립미술관 미술교육프로그램에 관한 연구 A Study of Art Educational Program in Domestic Metropolitan Art Museum 문화예술매니지먼트학과 박 수 현 지도교수 김 현 호 21세기 세계화 정보화의 현대사회에서는 급격히 변화하고 있는 상황에 적응하여 익숙하여지거나 체계, 명령을 따르는 기능화, 효율화, 전문화 추세가 심화됨과 동시에 문화‧예술의 역할에 대한 인식과 문화여가 활동의 수요가 꾸준히 증가 하고 있다. 이러한 사회의 변화에 맞춰 미술관에서도 단지 전시뿐만의 미술관 기능과 역할이 아닌, 교육을 활용한 교육적 역할의 다양함과 중요성을 검토하고 있다. 우리나라에서는 21세기를 주도할 자율적이고 창의적인 인재육성이라는 목표의식 아래 교육과정 체계를 제시한 바 있다. 이것은 즉, 자율성과 창의성을 중요시하는 교육방침의 변화는 특히, 문화예술 분야에서 확대되고 있다고 본다. 그 가운데서도 미술 교육적 효과에 대한 관심이 높아지고 있다. 이 같은 관심과 중요성의 증대를 감안하여 현재 국내 여러 미술관에서는 어린이와 청소년, 소외계층, 전문인, 장애인, 외국인, 일반시민 등 대상과 목적별로 다양한 교육프로그램을 진행하고 있다. 본 연구의 목적은 미술관 교육의 중요성을 인식하고, 현재 실행되고 있는 미술관 교육프로그램 사례를 통해 프로그램을 분석하여 문제점을 도출하고 개선방안을 제시하고자 하는 것이다. 본 논문의 연구 대상은 국내 미술관 교육프로그램의 중추적인 역할을 담당하고 있는 시립미술관의 서울, 부산, 대전, 광주의 네 개의 시립미술관의 교육프로그램의 활동으로 국한하였다. 각각의 시립미술관의 교육프로그램의 사례를 통한 문제점을 제시하고 이에 대해 보완의 여러 방향을 모색하였다. 서론에 이어 본론에서는 미술관 교육의 이론적 배경을 통해 미술관 교육의 개념과 역사 및 기능과 중요성을 배경으로 함께 검토하였으며, 제 3장에서는 시립미술관 교육프로그램의 현황을 조사하였으며, 현황조사를 토대로 비교분석하여 미술관 교육프로그램의 개선방안을 여러 측면에서 제시하였다. 본 연구는 미술관 교육의 중요성을 인식함을 기본으로 두고 국내 시립미술관의 교육프로그램이 활성화되고, 문화예술의 현장교육의 대안으로써 미술관 교육을 통해 삶의 시너지 효과를 극대화 시킬 수 있도록 기회를 제공할 수 있기를 기대해 본다. 주요어 : 미술관교육, 어린이교육, 미술관교육 중요성, 시립미술관교육, 시립미술관교육프로그램, 미술관교육 개념, 미술관 교육 역사

해방 이후 한국의 미술관 형성 배경 연구 : 1969년 국립현대미술관의 설립과 전개를 중심으로

구지원 성균관대학교 일반대학원 2021 국내석사

이 논문은 해방 후 한국에서 미술관에 대한 당대적 이해와 요구가 무엇이었으며, 그것이 1969년 발족한 국립현대미술관 형성에 어떻게 반영, 절충, 혹은 일축되었는지 검토한다. 1950년대 중반부터 미술계 내부에서 제기되기 시작한 미술관 설립요구는 당시 급격히 변모하던 한국미술의 쟁점들을 반영하여 새롭게 재편된 미술관 개념이었다. 그리고 이와 같은 미술관에 대한 이해는 1960년대 말 비로소 국립현대미술관 발족이 구체화 되면서 국립현대미술관에 각각의 관점을 투영하는 양상으로 전개되었다. 또한, 이 과정에는 당대 정권의 문화정책의 종합박물관 추진 계획과 같은 미술계 외부의 요구 또한 영향을 미쳤다. 따라서 국립현대미술관의 형성 배경엔 다양한 주체들의 목소리와 한국미술, 사회의 상황이 얽혀있다고 할 수 있다. 이에 따라본 본 논문은 얽힌 양상 속에 쟁점이 되는 몇 가지 장면을 포착하여, 미술계 내외부의 역학 관계를 분석하기 위해 미술현장과 미술가, 미술사 그리고 ‘한국 근대미술’이라는 세 가지 요소로 국립현대미술관의 형성 배경을 분석하는 것을 목표로 한다. 본 논문에서는 우선 해방 후 한국 미술계에서 활동하던 미술가들을 중심으로 대두된 미술관 설립요구를 당대 유일한 미술정책이자, 최대의 미술활동장이었던 대한민국미술전람회와 관련지어 살펴본다. 이때 미술가들이 필요로 한 미술관의 형태는 미술작품을 소장하고 상설전시하는 공간이었으나, 1960년대 중반 문화정책에 의해 추진된 국립현대미술관은 대한민국미술전람회 운영주관기구로서 출발했다. 이 과정에서 미술가들과 문화공보부는 각각의 미술관에 대한 이해와 우선순위를 경합하고 절충하며 국립현대미술관의 발족에 투영했다. 이어서 작품소장, 연구, 전시 기능을 중시한 미술관 담론을 살펴보며, 이러한 미술관의 학예 기능을 위해 미술사가 기본 토대로 요청된 상황을 주목했다. 이때, 미술사는 미술관이 수행할 기능을 위해서뿐만 아니라, 미술관의 명칭과 정체성을 설정하는 데에도 중요했다. 특히 미술사 연구자였던 관장인 이경성과 오광수가 미술사 관점을 바탕으로 미술관에 대한 개념을 설정하고, 이를 역으로 국립현대미술관의 성립에 반영한 것은 미술사와 미술관이 연동한 하나의 사례라고 할 수 있다. 1969년 개관 후, 전문 학예 직제나 소장품 컬렉션 없이 대관 전시개최를 주 업무로 삼아온 국립현대미술관은 1970년에 이르자, 비로소 근대미술작품 구입을 통한 컬렉션 구축, 근대미술 기획전시 개최, 한국 현대미술사 사서 편찬을 연달아 수행한다. 또한, 이 배경에는 박정희 정권이 이론적 근거로 삼은 근대화이론과 함께 촉발된 ‘근대’에의 재조명이 있었다는 사실을 본 연구에서 확인하였다. 그런데 국립현대미술관의 담론적 토대와 기능 수행에 작용한 미술사란 연혁 만들기 수준의 미술사였으며, 특정한 관점이 반영되었다기보단 한국미술의 제도를 정리한 것과 다름없었다. 따라서 본 논문에서 국립현대미술관이 미술사를 토대로 컬렉션을 구축하고, 기획전을 개최한 성과를 주목한 것은, 국립현대미술관의 무게중심이 국전에서 미술사로 진화했다는 의미부여는 아니다. 오히려 1980년대 중반부터 국립현대미술관은 또 다른 사회적 요구를 받아들여, 보다 현대적이고 세계 무대를 향해 있는 미술관으로 정체성을 재정립했고, 근대미술과 거리를 두었다는 비판이 제기되기도 했다. 다만, 본 논문은 기존에 협소하게 이해되어 온 국립현대미술관 초창기 상황 속 여러 층위의 담론들을 규명하고, 시각을 다변화함으로써, 한국미술의 제도사뿐만 아니라, 1969년 전후를 새롭게 읽을 가능성을 보다 확장하고자 한다. This thesis examines how art museum as an institution and a discourse was understood and discussed among the art world in post-liberation Korea. It addresses this question by looking at the process of the formation and development of the Museum of Modern and Contemporary Art, Korea (MMCA), established in 1969. The request for the establishment of art museum has been proposed from within the Korean art world since mid-1950s. There was also a demand from outside for making art museum, such as government’s cultural policy to promote a comprehensive museum as national institution. The formation process of MMCA, the first art museum in Korea shows how different ideas about museum coexisted and were interwoven in a complex way. The period of shaping the MMCA thus reveals critical issues that arose from such a complex situation. This thesis particularly focuses on three crucial factors that played a crucial role in the formation of MMCA: artists, art history and the concept of ‘modern Korean art.’ First of all, the demand for the establishment of an art museum emerged mainly from artists who were active in the Korean art world after liberation, in relation to the National Art Exhibition(Guk-jeon), the most prestigious and the most important national exhibition of the time. Because of that, artists requested a solid museum space that could purchase their art works and make them into a permanent collection. In contrast to the artists’ expectation, MMCA, which was promoted by cultural policy in the mid-1960s, came into being as a hosting operator of the National Art Exhibition. In this process, artists and the Ministry of Culture and Public Affairs competed for and negotiated over the proper role and function of art museum. Their different ideas and positions were reflected into the initial stage of the establishment of MMCA. Second, this thesis pays attention to the situation in which art history was adopted as a discursive basis for the collection, research, and exhibition of MMCA. Art history played an important role in forming and reforming the identity of the national art museum itself. Art history and art museum were linked together especially in the view point of both Lee Kyung-sung and Oh Kwang-su. As art historians, both Lee and Oh took a position as the directors of MMCA. Their ideas of museum were built on their own art historical perspectives, reflected onto the form of new collections and exhibitions during their incumbency. Third, MMCA had rented off of an exhibition space without having their own professional curatorship or collections since its opening in 1969. Eventually the first collection was made possible by purchasing artwork of the modern period. This first collection was exhibited in exhibition, entitled 《60 years of modern Korean art》 in 1972. One of the important reasons for purchasing ‘modern’ art was ‘modernization theory,’ a then popular discourse that legitimated the political, economic, and cultural policy under the Park Chung-hee regime. However, the fact that MMCA has built a collection based on art history and held exhibitions does not mean that its main idea has evolved from a venue for the National Art Exhibition to the art historical institution. From the mid-1980s, MMCA took another demand of society, reestablishing its identity as a more contemporary and international art museum. Because of that, some artists and critics criticized it for distancing itself from the modern art. In conclusion, this thesis seeks to expand the possibility of reading not just the institutional history of Korean art, but also the era before and after 1969 by looking from diverse perspectives in various levels of discourse in the initial stage of MMCA, which has been narrowly defined as a mere space for the National Art Exhibition.

블로그(blog)에 형성된 과천국립현대미술관의 장소감 연구 : 현상학적 접근을 통한 담론 분석

최효경 경희대학교 경영대학원 2014 국내석사

본 연구의 목적은 블로그를 통해 수집된 실질적인 체험 자료를 기초로, 과천 국립현대미술관에 대한 방문객들의 구체적인 느낌이나 인식 및 만족도를 ‘장소감’이라는 개념을 통해 파악·분석하는 것이다. 시대가 변함에 따라 오늘날의 미술관도 그 맥락에 맞게 일반 대중들에게 친근하게 다가설 수 있는 ‘장소’가 되도록 노력하고 있다. 그렇다면 실제 미술관을 대하는 대중들의 관점 얼마나 이에 부합하는지 의문이 들었다. 본 연구는 이러한 사소한 물음을 시작으로 ‘에드워드 렐프(Relph, E., 1976)’가 설명하는 ‘장소감(sense of place)' 개념을 이론적 기준으로 마련하고 현상학적 접근방법을 통해 미술관을 이용하는 방문객들이 어떠한 의미와 가치를 가지는지 고찰한다. 연구목적을 수행하기 위해 분석 대상이 되는 블로그의 특성과 블로그에 형성되는 담론 등의 이해를 바탕으로 한다. ‘과천국립현대미술관’을 키워드로 한 블로그 표본 240개를 분석 자료로 활용했으며 각각 블로그에서 형성되는 미술관과 관련된 공통적인 이야기를 담론으로 상정했다. 담론의 주요 내용과 그것이 형성된 배경을 시기별로 분석하는 것을 기본으로 한다. 분석을 위해서는 렐프(Relph, 1976) 장소감 형성 요인인 물리적 환경, 인간의 활동, 장소의 의미 세 가지 관점에서 현상학적 체험연구 방법의 지향성 개념이 차용된다. 즉 한 개의 현상을 경험할 때 여러 분석대상이 무엇을 공통으로 갖게 되는지 기술하는 데 초점을 맞추는데 분석의 결과는 다음과 같다. 첫째 요인인 ‘인간의 활동’은 행위적 요인을 통해 드러난다. 방문객들은 동기와 목적에 따라 경험되는데 본문, 제목, 사진, 태그를 통해 수치화하여 분석했다. 기본적인 관람활동 이외에 산책, 나들이, 교육, 휴식 등이 드러났다. 특히 관람을 기본으로 산책과 나들이 이용객이 많았는데 이를 통해 과천 국립현대미술관은 산책과 나들이를 할 수 있는 장소로 상징성이 드러난다. 둘째 요인인 ‘물리적 환경’은 물리적 요인을 통해 사진으로 나타난다. 블로그에서 사진을 찍은 사람의 관점이 반영된 체험 대상이다. 미술관이기에 대부분 주요 체험 대상은 ‘노래하는 사람’, ‘다다익선’ 등과 같은 작품을 통해 드러났다. 미술관의 주요 활동 유형인 관람을 제외하고도 산책, 나들이, 부대시설 이용과 같은 활동 유형을 통해 드러난 체험 대상도 많다. 체험 대상을 통해 드러난 장소감의 내용을 분석해보면 ‘자연경관’과 ‘작품’을 중심으로 포착되며 이러한 대상들은 과천 국립현대미술관을 연상시킨다. 마지막 세 번째 요인은 ‘의미’로 심리적 요인을 통해 드러난다. 장소감에 가장 가까운 요소로 정서적 감정을 설명하는 용어를 통해 나타났다. 이를 통해 긍정적인 측면, 부정적인 측면이 드러나 장소에 대한 의견과 평가로 이어진다. 이 요인을 통해 드러난 장소감은 ‘인간의 활동’, ‘물리적 환경’과 함께 ‘자연경관’, ‘작품’을 중심으로 의미화 되었다. 나아가 장소감은 미술관에 대해 ‘낯섦’과 ‘친근함’에 따라 의미화 된다. ‘추억’과 ‘위치'와 관련된 이야기로 장소감을 드러냈다. 이렇게 확인된 블로그의 공통된 담론은 과천 국립현대미술관에 대한 일반인들의 구체적인 느낌이나 인식 및 만족도에 대한 것이다. 방문객들이 미술관에서 어떤 감정을 갖고 어떤 활동을 하는지 확인이 가능함을 드러냈다. 이렇게 공통적으로 도출된 장소감은 과천 국립현대미술관의 정체성을 드러내는 요인이 된다. 이러한 담론들은 미술관에 다시 반영될 수 있다. 본 연구의 한계점은 장소감을 도출하기 위한 표본 선정의 과정에서 한계가 있다. 연구의 대상을 블로그에 한정짓다 보니 블로그를 이용하는 계층에만 초점이 맞춰져 미술관을 이용하는 모든 계층의 방문객을 대상으로 하지 못했다. 또한 블로그의 표본을 선별하는 과정에서 연구자의 주관적 개입으로 정확한 실증결과에 대한 한계가 있다. 그럼에도 이 연구가 가질 수 있는 의의는 방문객들이 미술관에 바라는 점이 무엇인지 구체적으로 파악할 수 있다는 점이며 이러한 사실을 바탕으로 더 나은 미술관이라는 문화공간으로 거듭날 수 있는 개선책이 마련될 수 있다는 점이다. 이를 통해 미술관을 관리 운영하는데 방문객들을 위한 운영이 가능할 것이며 이런 의미에서 미술관은 대중들에게 가까운 존재가 될 수 있다. 나아가 미술관 고유의 장소 정체성 확보도 가능하며 이러한 방향의 제공은 결국 미술관 마케팅과 미술관 계획, 미술관 정책에도 도움이 될 거라 기대한다. This study aims to identify and analyze visitors’ specific feeling or awareness and satisfaction with National Museum of Contemporary Art in Gwacheon through the concept of a ‘sense of place’ based on substantive experience materials collected from blogs. As times change, today's art museums make efforts to be ‘places’ that can approach the general public familiarly to the context. Then, a question might arise how much would the perspective of the public that think about an actual art museum correspond to this? Starting from this trivial question, this study prepares for the concept of a ‘sense of place’ described by ‘Edward Relph’ (1976) as a theoretical basis and discusses the meaning and value of it to the visitors using art museums through a phenomenology approach. In order to fulfill the goal of study, this study is based on the understanding of the characteristics of blogs, the subjects of analysis and formative discourse of them. 240 blog samples with the keyword, ‘National Museum of Contemporary Art in Gwacheon,’ were used as the subject matter of the analysis, and the art museum-related common stories formed in each blog were presumed as discourses. It is based on an analysis of the major contents of the discourses and the background of their formation by time period. For the analysis, from three perspectives of the components of the formation of a sense of place by Edward Relph (1976), that is, physical setting, human activity and meaning of a place, the concept of orientation is borrowed from the method of phenomenological experience research. In other words, it focuses on the description of what commonalities the various subjects of the analysis would have when one phenomenon is experienced, and the results of the analysis are as follows: The first factor, ‘human activity’ reveals through behavioral factors. Visitors have an experience depending on their motivations and objectives, which were quantified and analyzed using their body, title, photo and tag. In addition to the basic viewing activity, walking, outing, education and relaxation are revealed. Especially, based on viewing, there were a lot of walking and outing guests, through which the National Museum of Contemporary Art in Gwacheon showed its symbolism as a place for walking and outing. The second factor, ‘physical setting’ appears in pictures through physical factors. It is the object of experience reflecting the point of view of the person who took the picture on a blog. It is an art museum, so most of the major experience objects were revealed through the works of art, such as ‘A Singing Person’ and ‘The More, The Better(多多益善)’. Except for viewing the major activity type of the art museum, there are a lot of objects of experience revealed through such as walking, outing and using additional facilities. To analyze the contents of the sense of place revealed through the objects of experience, they are captured around ‘natural landscape’ and ‘work of art,’ and these objects remind the readers of the National Museum of Contemporary Art in Gwacheon. Lastly, the third factor is the ‘meaning of a place’ revealed through psychological factors. This appeared through the term describing emotional feelings with elements closest to the sense of place. Through this, the positive side and the negative side are revealed, which lead to comments and ratings of the place. The sense of place revealed through this factor was signified around ‘natural landscape’ and ‘work of art’ along with ‘human activity’ and ‘physical setting’. Moreover, the sense of place is signified according to ‘unfamiliarity’ and ‘familiarity’ of the art museum. The sense of place was revealed through ‘memory’- and ‘position’-related stories. The common discourses of the blogs, found like this, are about the general public’s specific feeling, awareness and satisfaction with National Museum of Contemporary Art in Gwacheon. It showed that it would be possible to find what emotions visitors have with the art museum and what activities they do. The sense of place drawn commonly becomes a factor that reveals the identity of the National Museum of Contemporary Art in Gwacheon. These discourses may be reflected in the art museum again. The critical point of this study is in the process of selecting samples to draw a sense of place. Since the subjects of inquiry were limited to blogs, the focus was put on the class using blogs, this study did not deal with all classes of visitors using the art museum as subjects. Also, in the process of selecting samples of blogs, due to the researcher's subjective intervention, there is a limitation of accurate empirical results. Nevertheless, the significance this study might have is that it can understand what visitors want from the art museum specifically and based on this fact, there would be an improvement that it can be reborn as a cultural space of better art museum. Through this, it would be possible to manage and operate the art museum for the visitors, and in this sense, the art museum can be close to the public. Furthermore, the place identity of the art museum’s own could be secured, and the direction provided like this would consequently be helpful for art museum marketing, art museum planning and art museum policy.

미술관 관람객의 정체성을 돕는 문화전략

정혜정 단국대학교 2008 국내석사

The question of 'what the visitors to galleries would want and what kind of their desires would be satisfied when they visit galleries' is the most fundamental question, but the answer to that question is neither simple nor temporary. This paper examines what influence the experiences in galleries would have on their visitors and how galleries would be able to help their visitors to find their identity mentally. Galleries have been revitalized mostly when the marketing strategies, focusing on the quality and the extensity of art work and on exhibition planning, were introduced, because there have been continuous studies on visitors. Now, it's not that difficult to find some data on the studies on the visitors to galleries around us, including the studies on how to improve the service in galleries, the studies on how to teach to appreciate art works, and the studies on the diversity of cultural and artistic programs. However, while galleries have sincerely taken the position of valuing much of their visitors' learning and experiencing so far, now it's time to jump to a new level in order to sensitively react to and cope with the fashion of the day. In other words, today's galleries should lay stress on the visitors' thinking power and encourage their rich imagination, future dreams and life stories to open through galleries, rather than implant selected thoughts in visitors' mind from the galleries' point of view, and also should study on the identity of visitors with open mind toward and continuous interest in them. This paper examines how to extend the knowledge and understanding of the rapidly changing society and the diversity of visitors, and how to fulfill the expectation of the visitors to galleries. Galleries are one of the places where you can feel the phase of the times of 'the twenty-first century as an age of culture.' Galleries should be ready to enter upon the future, realizing that the time are moving from the age of images, movies, and information to the age of expressing imagination with stress on stories, dreams, and sensitivities. The present age requires galleries that help visitors recover their identity so that they can appreciate art works from their own point of view, not from the viewpoint of galleries. Therefore, galleries have the task to reexamine and research their relationship with their visitors and improve their communication with their visitors. In particular, they need to take interest in the fact that their visitors become interested in art not only by the messages offered from the galleries, but also by the interior and exterior environmental factors, and the fact that the meanings of the messages can be given from the visitors' internal motivations. Although the communication between galleries and their visitors have been studied on in many ways so far, more detailed studies need to be done on the relationship between the visitors who are experiencing galleries and the art works on exhibition and the artists. Through the study results, galleries will be able to broaden the extent of their understanding on their visitors' identity, and take more active interest in and cope with the visitors' appreciation of exhibitions by their own internal motivation. In addition, galleries need to play a role of a multi-cultural space which has clear establishment purposes and aims, sensitively reacts to the needs of the times, and produces culture and art for the masses. The galleries which can keep time with the masses and reflect their voice to the society are the very leaders making today's culture and art. This study focuses on suggesting the ways how galleries can offer visitor-centered and users-centered cultural environments or exhibitions, not suppliers-centered ones. Gang-sik Choi, the curator of National Museum of Korea, once said, "Galleries are the place for festival," which also expresses the museums' current position since today's museums and galleries are popularized and required to play a role of a multi-cultural space. The will to make museums open places where tradition and modernity can communicate presents the direction toward which museums and galleries should advance. Next year is the 100th year since the first museum was built in Korea. In order to become future-oriented galleries in the rank of culturally advanced country, galleries should develop various programs through which visitors can feel sympathy and help people in general become more interested in and have deeper understanding in culture and art. Successful galleries make future plans so that they can cope with the urgently-changing times. Modern galleries have the task to help their visitors find their identity so that they can go to galleries by their own internal motivations. Galleries also should play a role of enhancing their visitors to improve their cultural attainments, express their personal imagination and dreams freely through art and culture, and to use them as a place to express themselves experimentally and actively. Likewise, galleries are continuously required to have wisdom and readiness to react to and cope with the needs of the urgently-changing present times. ‘미술관을 찾은 관람객의 입장에서 요구되어지고, 충족되어지는 부분이 무엇일까?’ 라는 질문은 가장 기본적이지만, 그에 대한 답은 간단하지도 않고, 일시적이지도 않다. 본 연구는 미술관 관람객이 느끼고 경험하는 미술관 체험의 영향력과 동시에 관람객이 심리적으로 미술관에서 자신의 정체성을 찾을 수 있는 데 도움을 줄 수 있는 미술관의 방향성을 연구한 것이다. 미술관이 작품의 질과 공간성 그리고 전시기획을 중심으로 한 마케팅의 도입에 집중해서 활성화된 것에는 관람객에 대한 지속적인 연구가 함께 있었기 때문이다. 미술관 서비스 개선방안에 대한 연구나 미술작품 감상지도를 위한 연구, 문화예술 프로그램의 다양성의 연구 등 미술관 관람객 연구에 대한 자료를 이제는 우리 주변에서 어렵지 않게 찾아 볼 수 있다. 그러나 지금까지 미술관이 관람객을 위한 학습과 체험을 중요시 여기는 입장을 성실히 지켜 왔다면, 이제는 시대적 흐름에 민감하게 반응하고 대처할 수 있는 새로운 위치로 도약할 단계이다. 즉, 현 시대의 미술관은 미술관 입장에서 관람객을 위해 선별된 사고를 심어주는 입장이 아니라, 관람객의 사고력을 중요시 여기고 그들의 풍부한 상상력과 미래의 꿈과 삶의 이야기가 미술관을 통하여 펼쳐질 수 있도록, 그 방향성을 정하고 열린 사고와 지속적인 관심을 가지고 관람객의 정체성에 대한 연구를 해야 할 것이다. 본 연구에서는 급변하는 사회와 관람객의 다양성에 대한 인식을 넓히고, 미술관을 찾은 관람객의 기대를 충족시킬 수 있는 방향성을 연구한 것이다. ‘21세기는 문화의 세기이다.’라는 시대성을 가장 민감하게 느끼게 해 줄 수 있는 것 중 하나가 미술관이다. 미술관은 이제 이미지와 영상, 정보의 시대에서 이야기와 꿈을 다루며, 감성을 중요시 여기는 상상력의 표현화시대로 가고 있음을 감지하고 미래를 맞을 준비를 해야 한다. 현 시대는 미술관의 입장에서 관람객을 관람하게 하는 것이 아닌, 관람객의 입장에서 미술관을 관람하게 할 수 있도록 관람객의 정체성을 회복시키는 미술관이 필요하다. 미술관은 관람객과의 관계성을 재검토하고 연구해서 관람객과의 소통관계를 원활하게 해야 할 과제가 있다. 특별히 관람객의 관심과 흥미가 미술관이 제공하는 메시지로부터만 공급받을 수 있는 것이 아니라, 미술관의 내 · 외부 환경적 요인과 관람자의 내적동기로부터 메시지의 의미가 부여될 수 있다는 점에 관심을 가져야 한다. 지금까지 미술관과 관람객의 커뮤니케이션에 대한 연구가 여러 가지 방법으로 이루어지고 있지만, 미술관 체험을 하는 관람자와 전시된 작품이나 작가에 대한 구체적인 만남과 관계성에 대해서는 연구과정의 미흡함을 보인다. 관람객에 대한 구체적인 연구를 위해서는 관람객과 관람객이 접하는 작품, 그 작품의 작가에 대한 관계성에 대한 연구가 구체적으로 필요하며, 그 연구 결과를 통하여 미술관은 관람객의 정체성에 대한 이해의 폭을 넓히고 관람객의 내적동기에 의한 전시 관람에 대해서 적극적으로 관심을 가지고 대처할 수 있는 계기가 될 것이다. 아울러 미술관은 명확한 미술관의 설립취지와 목적을 가지고, 시대의 요구에 민감하게 반응하며, 대중을 위하여 예술문화를 연출하는 복합문화공간으로서의 그 위상을 나타내야 한다. 대중과 함께 호흡할 수 있는 미술관, 대중의 목소리를 사회에 반영시킬 수 있는 미술관이야말로 이 시대의 문화사회를 만들어 나가는 주역이라고 말할 수 있다. 본 연구에서는 미술관의 문화적 환경이나 전시의 방향이 공급자 중심이 아닌 수요자 중심의 전시로 관람객 위주의 방향성을 제시해 나가는 데 중점을 두었다. “박물관은 축제의 장이다”라고 표현한 국립중앙박물관 최강식 박물관장의 발언에서도 현 시대의 박물관 · 미술관의 위치가 대중화와 더불어 복합문화공간으로서의 시대적 입장을 나타내고 있음을 알 수 있다. 박물관을 오픈 된 공간으로 만들어 전통과 현대가 소통하는 공간으로 만들고 싶다는 의지는 박물관 · 미술관의 나아갈 방향성을 제시하고 있다. 우리나라에 최초로 박물관이 세워진지 내년이면 100년이 된다. 문화선진국의 반열에 서서 미래지향적인 미술관의 위상을 세우는 미술관이 되려면, 관람객이 공감할 수 있는 다양한 프로그램의 개발과 더불어 사회 전반적인 예술문화에 대한 관심과 이해를 넓혀 나가야 한다. 급변하는 시대의 요구에 대응해 나갈 수 있도록 미래 계획을 세워 나가는 것이 성공적인 미술관의 자세이다. 현대의 미술관의 과제는 관람객이 미술관을 찾는 동기가 스스로의 내적동기에 의한 것이 되도록 관람객의 정체성을 세워주는 것이다. 미술관은 관람객이 미술관을 통하여 문화적 소양을 함양시킬 뿐만 아니라, 개개인의 상상력과 꿈을 예술문화를 통하여 자유롭게 표출되어 질 수 있도록, 그리고 실험적이고 적극적인 자아표현의 장소로 사용되어 질 수 있도록 그 입장을 세워 나가야 한다. 이와 같이 급변하는 시대의 요구에 반응 · 대처할 수 있는 미술관의 지혜와 준비되어져 있는 태도가 지속적으로 필요하다.

미술관 공간의 통제 방식에 관한 연구 : 푸코의 규율사회와 한병철의 성과사회를 중심으로

이민주 한양대학교 대학원 2026 국내석사

본 연구는 미술관 공간을 미셸 푸코의 규율사회 관점으로만 해석하던 기존 연구의 한계를 보완하고, 한병철의 성과사회 개념을 도입하여 미술관에 대한 새로운 해석의 틀을 제시하여, 미술관 공간에 작동하는 통제 방식을 보다 입체적으로 해석하는 것을 본 연구의 목적으로 한다. 이를 위해 규율사회와 성과사회의 개념을 관람자의 경험 차원에서 각각 ‘강제를 경험하는 공간’과 ‘자유를 경험하는 공간’으로 재정의하였다. 그리고 강제를 선택권이 적은 공간, 자유를 선택권이 많은 공간으로 해석하여 프로그램, 큐레이션, 동선을 중심으로 통제 방식을 분석하기 위한 틀을 구축하고, 공간구문론을 활용하여 연결도, 통합도, 깊이, 명료도 지표를 통해 통제 방식의 구조적 차이를 정량적으로 검증하고자 하였다. 6개의 미술관 사례 분석 결과, MMCA 덕수궁관과 마리오 보타의 SFMOMA는 전시 기능을 중심으로 한 프로그램 구성과 강제 동선을 통해 규율사회적 통제 방식을 구현하는 반면, MMCA 서울관과 가나자와 21세기 미술관은 교류와 다양한 체험을 강조함으로써 성과사회적 통제 방식을 보여주었다. 또한 일부 사례에서는 두 방식이 공존하는 복합적 구조가 확인되었다. 종합적으로, 미술관은 외부적 통제가 작동하는 공간과 내면화된 자기 통제가 작동하는 공간이 존재하는 복합적 공간이며, 단일 이론이나 물리적 요소만으로 설명하기 어려운 다층적 특성을 지닌다는 점이 드러났다. 본 연구는 규율사회 중심의 기존 해석 틀을 확장하고, 철학적 이론을 공간 분석에 적용했으며, 공간구문론을 통해 미술관 통제 양상의 실증적 검토 가능성을 제시했다는 점에서 의의를 갖는다. 마지막으로 사례 수, 실제 관람자 경험 반영, 인과 분석의 한계 등을 지적하며 후속 연구 방향을 제안한다.

국내외 미술관 및 박물관 미술교육 프로그램에 대한 연구

변자정 단국대학교 2007 국내석사

21세기는 정보화 시대, 문화의 시대로 높아진 교육 수준과 생활수준을 바탕으로 삶의 질 향상이라는 명분아래 보다 많은 문화적 경험에 대한 요구가 절실해 지고 있다. 문화적 경험의 요구와 함께 평생학습사회가 오늘날 변화하는 사회의 하나의 큰 특성으로 자리 매김하고 있다. 평생교육과 열린 교육사회의 문화 교육의 중요한 장인 미술관에서의 교육에 대한 논문 및 연구가 다른 분야와 비교하여 그 역사가 그리 길지는 않다. 따라서 현재는 외국의 사례들을 받아들여 적용한 것이 대부분이며 이제 막 자체적으로 미술관마다 특징을 가지는 교육 프로그램이 개발되고 있다. 본 연구에서는 먼저 미술관과 박물관 교육에 정의와 유형, 프로그램에 대한 이론적 배경들을 살펴보고 이를 근간으로 국내외 미술관과 박물관에서 이루어지고 있는 미술교육 프로그램들의 현황 조사하고 조사에서 얻어진 자료들을 통해 국내외 미술관 교육 프로그램들이 가지고 있는 각각의 특징과 외국 미술관의 사례를 통해서 우리 미술관 교육 프로그램들이 가지는 문제점을 확인하고 시사점을 정리하여 다음과 같은 방향을 가지고 바람직한 미술관 교육 프로그램을 개발하고 실행해 나가야 함을 확인할 수 있었다. 첫째, 통합적인 프로그램 즉 여러 계층을 대상으로 강좌나 단순한 감상에 대한 이해를 돕는 설명적인 방식이 주를 이루고 있는 프로그램에서 벗어나 감상과 실기, 이해가 함께 하는 다양한 접근과 방식이 시도되어야 할 것이다. 둘째 지역사회, 학교와의 연계를 통한 관객과의 소통을 구체적으로 실현시키는 프로그램이 필요하다. 미술관과 지역사회, 학교는 서로 상호 보완적인 협력 관계를 유지해야 한다. 미술관 교육과 학교 미술 교육 프로그램 개발을 통해 학교 미술 교육의 한계를 극복할 수 있는데, 이를 통해 수동적인 미술 교육이 아닌 능동적이고 다양한 미술 교육이 가능하기 때문이다. 미술관과 학교 미술교육 서로간의 긴밀한 교육 협력은 미술 교육을 한 단계 발전시킬 수 있는 하나의 대안이며, 이러한 협력이 원활하게 이루어 나갈 수 있도록 서로 협력하고 지원하는 체계가 이루어져야 한다. 셋째 미술관 외부의 교육담당자인 교사와 미술관 내부의 교육자인 에듀케이터의 중요성을 다시 한 번 더 인식하여 그들의 역할과 협력을 바탕으로 하여 보다 나은 교육 프로그램 개발에 힘써야 한다. 미술관 전문 인력의 부족이 국내 미술관 현장의 문제점으로 항상 지적되고 있으나 과연 미술관이 필요로 하는 전문 인력의 조건과 이들을 위한 교육은 어떠한 방식으로 이루어져야 하는지에 대한 구체적 방안이 나와 있지 않은 것이 문제점이다. 마지막으로 넷째 21세기 정보화 시대의 문화해득력의 필수적인 교육 수단인 온라인을 통한 교육 프로그램 다양화 또한 필요한 부분이다. 인터넷 사회에서 다문화 해득력은 역시 중요하며, 시각적 해득력은 이미지를 소통 언어로 하는 현대 사회에서 시각적으로 표현된 것을 이해하는 것이다. 최근 들어 우리와 익숙해진 모든 영상을 만들어 내는 인터넷과 텔레비전, 영화 등 시각적 이미지 사이에서 소통과 감식력 있는 사고와 시각적 표현력이 포함된다. 현재 온라인 프로그램을 실시하고 있는 미술관은 미술관의 소장품에 대한 몇몇 설명뿐 아직 미비하다. 어린이에서 어른까지 쉽게 인터넷을 통해 미술작품에 대해 다가갈 수 있고 미술에 대한 이해의 폭을 넓힐 수 있도록 지속적인 프로그램 연구와 개발이 활발히 이루어져야 할 것이다. 이러한 교육 프로그램에 대한 방향이나 이론적 정립은 학계의 몫이나, 교육 활동의 주체는 미술관과 박물관이라는 사실도 잊어서는 안 될 것이다. 미술관의 미술 교육을 통해서 문화와 정보의 시대인 21세기에 미적체험기회를 보다 여러 계층의 사람들에게 참여하고 직접적 참여로 창조적 활동으로 이어지고, 자신에 대한 진정한 이해와 우리가 살고 있는 사회에서 미술 문화의 중요성을 이해하게 하는 부분을 담당하는 진정한 교육의 장이 되어야 하겠다. The 21^(st)century is a period of information, as well as of culture. The need and desire for various cultural experiences has increased as society has elevated its standards of education and living. Related to the need for cultural experience, the concept of lifelong study is taking position as one of the significant characteristics within the radically changing society of today. Although the educational opportunities provided by art institutions, such as art galleries and museums, have long been important in the society that cultivates and values cultural and continuing education, the intensive studies of this subject have a comparatively short history. Most educational programs at art institutions in Korea adopted and applied foreign models to their own system. However, many art galleries and museums have begun to develop characteristic educational programs of their own. This study begins by establishing the definition and types of educational programs at art galleries and museums and explores the theoretical background for the programs. Based upon the theoretical study, the present status of educational programs provided by various art institutions in Korea and abroad is then examined. With the data derived from the research, the study not only identifies the characteristics of educational programs currently executed by art institutions both in Korea and abroad, but also finds problems within the Korean educational programs by comparing them to the examples of foreign art galleries. In order for Korean art institutions to develop and execute desirable educational programs, four principles should be considered and carried out. First, the art galleries and museums must not only discard old programs that merely help audiences to understand appreciation of art works or provide lectures for various groups, but also focus on developing various approaches and methods that combine appreciation, practice, and understanding in order to create integrated educational programs. Second, it is necessary that educational programs realize communication among audiences via the contact between local communities and schools. Art institutions should form and maintain a complementary collaboration both with local communities and schools. It is possible to overcome the limits of any school’s art education with the development of education programs that are a collaborative effort between art institutions and schools. Consequently, art education will become active and varied, leaving behind the current passiveness. Close collaboration between art institutions and schools for art education is one of the alternative plans that will upgrade the level of education. Both sides should establish a mutual cooperative and supportive system for an amicable collaboration. Third, it is necessary to thoroughly understand the roles of the teacher who is in charge of art education outside the art institution and in-house educator who is in charge of education within the gallery or museum. They should devote their energy to developing better educational programs based upon their roles and cooperation. Although the lack of professionals is consistently recognized as an issue for Korean art galleries and museums, the more serious problem is the lack of a definite solution for how to build the criteria for art gallery staff and educate future professionals. The final principle is that educational programs must be diversified by means of the internet. The internet became an essential educational vehicle for cultural literacy in the information-oriented era of the 21^(st)century. Visual literacy especially is a means of understanding what is expressed by a modern society that communicates with images. Within the images created by mass media such as the internet, TV, and movies are implied communication and discernable thoughts, as well as visual expressions. However, the online programs currently provided by various art galleries merely offer descriptions of their collections and are not yet adequately arranged. Art galleries and museums should incessantly study and develop educational programs for audiences from children to adults, not only to provide access art works easily via the internet, but also to expand the understanding of art for various audiences. It is academia’s work to determine the direction as well as to establish a theoretical foundation for art education, but it should not be forgotten that the subjects of educational activities are art galleries and museums. The education provided by art galleries of the 21^(st)century must offer various opportunities for aesthetic experience to audiences of every class and lead them to participate in creative activities. It is a duty of art education to make people understand themselves as well as the importance of art culture in the modern society.

국립현대미술관의 온라인 프로그램을 활용한 초등 4학년 미술 수업 실행 연구

김지선 서울대학교 대학원 2022 국내석사

본 연구는 미술관 온라인 교육프로그램이 미술교육에서 어떠한 의미를 줄 수 있으며, 학습 목표에 도달할 수 있는지에 대해 탐구하는 것을 목적으로 한다. 연구 개발은 국립현대미술관에서 제공하고 있는 어린이 대상의 온라인 교육프로그램 중 <어린이를 위한 집에서 만나는 미술관 3부 마르셀 뒤샹>을 선택하여 4차시의 프로그램으로 개발하였다. 연구 대상은 초등학교 4학년에 해당하는 13명에게 총 4차시에 걸쳐 수업을 진행하였다. 수업은 레디메이드와 마르셀 뒤샹에 대한 이해를 기반으로 한 탐구 학습과 작품 제작을 통한 실기 학습, 그리고 완성된 작품들을 감상하고 발표하는 학습으로 나누어져서 진행되었다. 연구의 분석은 연구 대상 학급이 미국 국가 핵심 미술 표준을 적용하고 있었기에 프로그램 실행 후 미국 국가 핵심 미술 표준의 세부 성취 기준과 함께 미술관 온라인 프로그램인 <어린이를 위한 집에서 만나는 미술관 3부 마르셀 뒤샹>을 분석하여 학습 목표 도달 여부를 살펴보았다. 또한 학생들이 완성한 작품과 수업에서 사용한 활동지, 그리고 작성된 설문지를 토대로 분석하였다. 본 연구가 시사하는 내용은 크게 온라인 교육 프로그램을 활용하여 학생들의 창의성 향상과 미술에 대한 관심 향상으로 나뉜다. 이는 미술관에서 제공하는 온라인 교육 프로그램의 발달이 미술관에 직접적으로 가지 못하는 학생들에게도 창의적으로도, 문화접근의 측면에서도 도움이 될 수 있다는 것을 보여준다. 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 미술관에서 제공하고 있는 온라인 교육프로그램은 미술과의 학습 목표와 성취 기준에 도달할 수 있는 잠재적 가능성을 가지고 있다. 둘째, 학습자는 미술관에서 제공하고 있는 온라인 교육프로그램을 통하여 학습공간이 넓어져, 학생들의 창의적 사고와 문화교류에 있어 도움이 될 수 있다. 다시 말해, 미술과 수업 시간에 미술관에서 제공하는 온라인 교육 프로그램을 사용해도 학습 목표에 도달할 수 있었으며, 미술관에서의 온라인 교육프로그램의 발달이 미술관 접근성이 낮은 지역에 사는 학생들의 미술과 수업에서도 활용할 수 있으며, 온라인 교육프로그램을 통하여 학생들은 타인의 작품을 보고 배우는 학습공간이 넓어지고, 더불어 창의적 사고와 문화교류에서도 도움이 될 수 있다는 것을 말한다. 다만, 아직 미술관에서 제공하고 있는 온라인 자료들과 프로그램들이 많지 않은 관계로 프로그램의 개발이 좀 더 필요해 보이며 이를 적용하면 지역간의 문화 접근성으로 인한 학생들의 교육 불평등을 줄일 수 있는지에 관한 연구가 필요하다. This study explores the meaning of the online art museum education programs contributing to art education and whether the learning goals can be achieved through it. For the purpose of research and development, "Marcel Duchamp, part 3 of Art Museum at Home for Children" from the online education programs for children provided by the National Museum of Modern and Contemporary Art was selected and developed as a program consisting of four sessions. A total of four sessions were conducted for 13 students who were fourth graders in an elementary school. The classes were divided into inquiry learning based on understanding of the readymades and Marcel Duchamp, practical learning through actual work production, and learning to appreciate and present the completed works. Since the research targets were being applied with the National Core Art Standards, we examined "Marcel Duchamp, part 3 of Art Museum at Home for Children," along with the detailed achievement criteria of the arts standards after the program was implemented to determine whether the learning goal has been reached. In addition, the analysis was conducted based on the works completed by the students, the activity sheets used in class, and the completed questionnaire. The implications of this study are largely divided into the improvement in the students' creativity and interest in art using online education programs. This indicates that the development of such programs provided by art museums can be helpful in terms of creative and cultural accessibility even for students who are unable to visit art museums in person. The results of the study are as follows. First, the online education program provided by the art museum has the potential to help the students reach the learning goals and achievement standards of the school art class. Second, the learning space is expanded through the online education program provided by the museum, which can be helpful for encouraging the students' creative thinking and cultural exchange. In other words, the students were able to reach the learning goal even through the online education program provided by the art museum during their art classes, and the development of online educational programs in art museums allows students living in areas with low access to art museums to use them for art classes. In addition, it indicates that the learning space for students to view and learn about other people's works is expanded through the online education programs, which can also be helpful for improving their creative thinking abilities and motivating cultural exchange. However, since there are currently not many online materials and programs provided by art museums, more need to be developed. Lastly, it is necessary to investigate whether the application of online programs can reduce the educational inequality of students resulted from differences in cultural accessibility across regions.

국내 미술관 블록버스터 전시의 사업형식별 사업평가 및 개선방안에 관한 연구

백혜열 상명대학교 문화예술대학원 2009 국내석사