『고도를 기다리며』형상화를 위한 라이트모티브(Leitmotiv) 활용 연구

나현민 세종대학교 일반대학원 2012 국내석사

논문요약 『고도를 기다리며』형상화를 위한 라이트모티브(Leitmotiv) 활용 연구 본고의 연구는 바그너의 라이트모티브(Leitmotiv)를 학문적으로 탐구하고 형상화하여 라이트모티브(Leitmotiv)메소드가 실제 연기에 쓰임가능성을 확인하는 연구이다. 그래서 필자는 연기행위가 연기예술로 승화되어가는 과정에 조금이나마 보탬이 되고자 연기학적 연구를 시도해 보았다. 요즈음 현시대에 사용되어지고 있는 연기방법들은 스타니슬라브스키(Konstaintin Stanislavski)의 사실주의 연기메소드를 시작으로 여러 연기메소드들이 기하급수적으로 나오기 시작하였다. 이는 분명 스타니슬라브스키가 정립한 연기메소드 이론에서 파생 된 것이다. 이처럼 과학적인 연기접근방법연구가 얼마나 중요한가를 알 수 있다. 그래서 필자는 지금까지 이뤄지고 있는 연기행위에 도움이 될 수 있는 메소드의 연구중요성과 필요성의 가치를 깨닫고 배우들의 폭넓은 연기적 활용을 위하여 먼저 위 와 같은 연구를 위해 라이트모티브(Leitmotiv)의 정의와 오늘날 활용에 관하여 알아보고, 바그너가 라이트모티브(Leitmotiv)를 창시한 역사적 배경에 대하여 조사하는 것에서부터 시작하여 라이트모티브(Leitmotiv)의 반복적 특성 형식을 담고 있는 사뮈엘 베케트의 <고도를 기다리며>('고도'라는 무엇 혹은 누군가를 기다린다는 화두로 하여 1막과 2막은 순환, 반복적인 형태를 지니고 있고 작중 인물들 또한 반복적인 대사와 형태로 '고도'가 무엇인지, 누구인지도 확인을 못한 체 작품은 막을 내린다.)를 실제 적용함으로서 성과분석을 통해 활용가능성을 알아보겠다. 이를 통해 라이트모티브(Leitmotiv)기법을 구체적으로 연기에 도입하여 ’라이트모티브메소드’를 연기학적으로 정립하고자 한다. 마지막으로 필자가 연구한 ‘『고도를 기다리며』형상화를 위한 라이트 모티브(Leitmotiv)활용 연구’로 앞으로 배우들이 역할창조를 하는데 있어서 보다 쉽게 인물을 감각화 할 수 있는 연기메소드가 되기를 소망한다. ABSTRACT A study on the adoption of "Leitmotiv" for S. Beckett's "Waiting for Godot" Na Hyun min Department of Film Art Sejong University This research has explored Wagner's Leitmotiv and confirmed the use possibility in actual performance of the Leitmotiv method. The writer has attempted a performance studies research for acting to sublimate to performance art. The performance method used in modern times has started from Konstaintin Stanislavski's realism performance method and has came out exponentially. This was derived from the performance method theory established by Konstaintin Stanislavski. We can know how important is the scientific approach method research. So the writer has realized the method's research importance and need's value and looked over the Leitmotiv's definition and today's use for the study as above and performer's wide performance use. Starting from investigation about the background Wagner established Leitmotiv, we will examine the use possibility through result analysis by applying Samuel Beckett's 'waiting for Godot' that includes Leitmotiv's repetitive character form - 'Godot' has the subject of waiting for someone or something and has a circulation and repetitive form in first and second act and people has the repetitive speech and form and the work drops the curtain by not confirming who and what is altitude. Through this, we have introduced the Leitmotiv technique in performance and established the 'Leitmotiv Method' in performance studies. In conclusion, through the 'Performer's Expression Method Development Research through Leitmotiv', we wish it will become a performance method that can sense the people easily for performer's role creation.

한국적모티브를 활용한 에스닉 직물 디자인 연구 : 수직기법에 의한 가방 직물 디자인을 중심으로

김기령 상명대학교 예술디자인대학원 2008 국내석사

현대 패션의 한 축을 이루는 에스닉 양식은 각 나라의 전통문화를 표방 하고 있다. 다른 민족성에 의한 문화는 오늘날 현대적으로 재구성 되어 다양한 예술 분야에서 그 가치를 인정받고 있다. 이와 같이 비서구화된 문화에도 관심을 가지는 문화 확산의 결과로 표출된 에스닉 양식은 20세기 후반의 경제발달에 따라 기계화된 획일적 제품이 아닌 독특하고 감각적인 미를 찾는 가치관의 변화와 더불어 새로운 문화 양식으로 발전되어 왔다. 따라서 세계화 시대에 에스닉의 양식은 더 중요한 패턴 양식으로 지속될 것으로 예측 되어 진다. 이에 한국적인 문화의 디자인 연구와 현대적 활용이 더욱 적극적으로 이루어져야 할 것이다. 한국 고유의 모티브는 새로운 소재와 기법들과 더불어 옛것의 답습이 아닌 현대적으로 재창조 되어야 하며, 이러한 ‘한국 전통 문화 담아내기’라는 디자인 연구는 문화예술계에 중요한 과제라 할 수 있다. 이에 본 연구의 목적은 한국적 모티브를 활용해 에스닉 양식에 부합되는 직물디자인 개발 및 제작에 있으며, 또한 한국적 에스닉 조형요소들을 현대적으로 재해석하여 독창적이고 미적가치를 지닌 패션 백을 제작 하고자 하였다. 이에 의한 결과는 다음과 같다. 첫째, 에스닉에 관한 이론적 고찰을 통하여 현대 패션사의 한국적 전통 양식이 지닌 사회적, 미학적 의미와 그 가치를 발견할 수 있었다. 이러한 한국적 모티브를 활용해 현대 트렌드에 부합됨을 보여줌으로써 에스닉적 직물 디자인 모티브에도 적합함을 알 수 있었다. 둘째, 한국적 모티브를 이용한 에스닉적 직물 디자인의 재구성과 활용영역의 확대라는 작품 제작의도를 현대적 형태의 핸드백에 적용시킴으로서, 한국적 요소와 현대적 트렌드의 조화 가능성을 제시하였다. 따라서 한국적 에스닉 직물디자인이 다양한 현대적 형태의 핸드백과 접목되어 디자인 상품으로써의 가능성을 극대화 할 수 있었다. 셋째, 다양한 디자인 표현요소 방법에 관하여 살펴봄으로써, 문양, 색상, 장식에 따른 구성으로 세 가지 주제를 설정하여, 색상, 소재, 패턴들을 다르게 조합함으로써 연출의 다양한 가능성을 제시 할 수 있었다. 작품제작에 있어서는 한국적 문양과 색상 및 수공예적 기법을 바탕으로 우리 문화의 아름다움을 표현하였고 보다 실생활에 접목 할 수 있는 가방 디자인개발에 목적을 두었다. 특히 색적 요소에 있어서 전통색인 오방색과 간색 그리고 서양 회화의 대표적인 파스텔 색상을 함께 사용함으로써 동서양의 다양한 컬러의 하모니를 강조하였고, 문양적 요소에 있어서는 한국전통 기하학 문양의 대표적인 식물문과 자연문등을 현대적으로 재해석하여 직물디자인에 부합되도록 패턴화 시켰다. 장식적 요소에 있어서는 금박, 자개 그리고 테이핑 기법의 수공예 작업을 통하여 전통적 모양과 현대적 디자인의 조화를 이루면서 장식적 효과를 높이도록 하였다. 기법은 컴퓨터 소프트웨어인 WeavePoint 프로그램을 사용하여 디자인하였고, 한국적 기하학적 문양의 자연스러움을 표현하기 위해서 8종광의 수직기로 제작하였다. 본 연구는 이와 같이 한국적 모티브를 다양하게 응용하여 에스닉적 표현을 시도하므로 다양한 직물 디자인 연구와 이의 현대적 활용 및 상품화에 그 의의를 두었다. The ethnic style, one of the major trends of modern fashion, represents each country's traditional culture. The cultures of exotic races are reconceptualized in modern ways and recognized for their values in various fields of art. The economic development of the late 20th Century has developed into uniquely aesthetic cultural forms that are not mechanical or uniform. The ethnic design is expected to become a more important pattern in globalization. Therefore, it is important to study Korean designs and develop their modern applications. The original motifs of Korea can be combined with new materials and techniques to be developed into contemporary and recreated forms of art. Although handbags were mere accessories in the past, they have become a part of the total fashion that has to harmonize with wardrobes. As paterns and materials are required to be diversified and unique, handbags have become a tool for women to express themselves. The purpose of this study was to use Korean motifs to create a fashion bag that is unique and aesthetically valuable. As not many textures, patterns, and colors are being used in fashion bag design, I believed that it is urgent to examine the possibilities of Korean motifs. The goal was to use Korean patterns, colors, and crafts to express the beauty of Korean culture and design bags that can be useful in real life.

오정희 소설 연구 : 모티브들을 중심으로

홍여운 고려대학교 교육대학원 2003 국내석사

본 연구는 오정희 소설에 나타난 공통적인 모티브를 찾고, 그 모티브들 뒤에 숨겨져 있는 내용을 밝히고자 한다. 오정희 소설에 관한 여러 가지 모티브들에 대해서는 이미 많은 연구가 진행되고 있었다. 주제 측면에서의 접근, 문체분석, 형식과 기법에 대한 논의 그리고 여성학적 견해로 본 해석들이 가장 대표적인 접근방법이었다. 이 외에 개별 작품으로는 '죽음이나 시간, 성(性)' 등의 모티브에 대한 연구가 계속되었다. 오정희의 소설에 대한 평가가 분분한 가운데 오정희의 소설에 대한 이해를 시도한 글 속에서 가장 많이 보이는 단어들은 '삶, 죽음, 성(性)'을 들 수 있다. 그리고 오정희의 초기 소설 중에는 아이의 살해라고까지 부를 수 있는 죽음과 관련되는 단어들도 많이 보인다. 이 4가지 요소를 기본으로 하여 오정희 소설에 들어 있는 모티브들을 고찰하고, 이 모티브들을 통해서 오정희가 소설을 통해 전달하고자 했던 내용은 무엇이었는지를 살펴보고자 한다. 또 이 모티브들은 어떤 연관을 가지고 오정희의 소설들을 통해서 제시되고 있는지 파악하고자 한다. 그래서 오정희 소설의 한 부분적 요소가 아니라, 오정희 소설의 전체를 조명하여 오정희 소설에 대해 이해의 폭을 넓히고자 한다. 첫째, 오정희의 소설에서 '죽음'이 등장하였던 것은 삶에의 강렬한 열망을 표현하기 위해서였다. 삶을 강조하기 위해 죽음을 동반시켜 삶을 더 강조하였고, 죽음이 관찰되지 않을 때에는 비정상적인 성(性)을 통해 자신의 삶에의 강렬한 반추를 시도했다. 이렇게 독자적으로 홀로 서기 위해, 남성과 대비되는 여성도 아닌, 아이가 있는 어머니로서도 아닌, 독자적 여성으로서의 삶을 이야기해왔다. 둘째, 오정희 소설의 중요한 모티브인 '물'의 이미지가 변하고 '영아살해'가 오정희 소설에서 사라진 듯해도 여전히 오정희 소설을 일관성 있게 유지해 주고 오정희의 소설임을 알려주는 지표가 되고 있다. 「완구점 여인」의 '오뚝이'로 시작했던 오정희는 「옛 우물」에서 다시 오뚝이로 마무리한다. 이 때 한 늙은 여자 속에 들어 있는 수많은 여성들을 떠올리며, 독자들은 다시 오정희의 지금까지의 소설 속 인물들에 대입시켜 볼 수 있다. 보다 덜 늙은 여자는 「바람의 넋」이나 「별사」에서, 늙어 가는 여자는 「옛 우물」에서, 파괴기의 소녀는 「유년의 뜰」이나 「완구점 여인」에서, 무엇인가에 눈이 틔워지기를 기다리는 씨앗의 여자는 「중국인 거리」에서 그리고 열매의 비밀로 조그맣게 존재하는 어린 여자아이는 오정희 인물들의 죽은 아이들이나 동생을 의미한다고 볼 수 있다. 셋째, 이렇게 오정희는 소설 하나 하나에서도 자신의 의지에 따라서 소설을 이끌어 나가지만, 전 생애에 걸친 그녀의 작품 전체에서도 그녀의 의지에 따라 소설을 집필했다. 「옛 우물」은 그 동안의 그녀의 소설을 정리하는 의미에서 나왔다고도 볼 수 있겠다. 그 동안 오정희가 결핍된 모성성을 보여주고 아이를 없애는 일련의 행동들이 「옛 우물」에서는 그래도 극복의 가능성을 보여주었다. 비록 생명의 상징인 '물고기'를 자신의 손으로 죽이고는 있으나, 45세가 되는 생일날 아침 자신의 인생을 뒤돌아보며 느낀 자신의 어린 날의 어머니와 할머니에 대한 감상은 충분히 유년 시절과의 화해를 보여준다. 또 바보에게 스카프로 상처를 매어주고 나무에 매달려 충만함을 느끼면서 오정희의 인물은 그 동안 거의 존재하지 않았던 듯 보이는 모성성과의 합일도 추구하고 있다. 「중국인 거리」나 「완구점 여인」에서 보여주던 다산(多産)의 징그러움을 오히려 자연스럽고 신화적인 것으로 승화시켜, 아이를 생산하는 것에 대한 거부감도 극복하고 있다. 즉 「옛 우물」에서 어린 시절 그녀가 지켜본 어머니의 해산과 옛 우물에 얽힌 전설 같은 이야기를 떠올리면서, 자신의 어머니가 자기를 낳았을 때를 상상한다. 그리고 아이 낳는 것을 '밤송이가 벌어 저절로 알밤이 툭, 떨어지는 것, 봉숭아 여문 씨들이 바람에 화르륵 흐트러지는 것처럼 자연스럽고 범상한 일'이었다고 추측하면서 출산에 대한 부정적인 이미지를 벗어버린다. 이제까지 밝혀진 모티브들에 대한 연구나, 오정희 소설 기법에 대한 모든 것들은 모두 「옛 우물」을 탄생시키기 위함이었다. 오정희는 30년 소설 인생에 있어서 계획된 듯이 흐트러짐 없이 저술해왔으며, 「옛 우물」에는 오정희의 세계와의 화해와 자신의 현실에 대한 극복이 담겨 있다

재즈베이스 솔로연주에서 활용되는 모티브 전개기법에 관한 연구 : Larry Grenadier 솔로를 중심으로

이필원 명지대학교 문화예술대학원 2015 국내석사

모티브는 멜로디를 구성하는 가장 작은 단위로 선율의 기본이 되며, 무엇인가 창작을 하는 시발점이다. 솔로를 연주함에 있어 멜로디(Melody)를 구성하는 방법 중 모티브(Motive)를 만들고 그것을 변형 또는 발전 시켜 솔로를 전개하는 방식이 중요한 요소로서 작용을 하는데, 즉흥적으로 이루어지는 재즈 솔로에서 모티브를 어떻게 변형, 발전시켜 전개하였는지 분석하여 이를 활용하는 것은 좀 더 멜로딕(Melodic)한 솔로에 접근 하는 하나의 방식 또는 아이디어가 될 수 있다. 본 논문은 현재 컨템포러리 재즈(Contemporary Jazz)에서 독창적인 아이디어로 여러 장르에서 왕성하게 활동 중인 연주자 래리 그레니디어(Larry Grenadier)의 솔로 중 모티브를 중심으로 솔로를 전개한 4곡을 선곡하여 어떠한 전개기법으로 모티브를 변형, 발전 시켰는지에 대해 분석하고 분석된 전개기법을 적용하여 자작곡1곡과 재즈곡3곡에서 연주하고 이를 녹음하였다. 래리 그레니디어의 솔로를 중심으로 분석한 재즈베이스 솔로 연주에서 활용되는 모티브 전개기법에 관한 연구의 결론은 다음과 같이 요약할 수 있다 첫째, 솔로 최초 도입부 또는 다음 코러스의 도입부부터 모티브 전개기법을 적용하여 전개하였다. 둘째, 분석한 곡에서 주로 사용된 모티브 전개기법으로는 반복, 리듬유지 피치변형, 동형진행, 연장, 절단, 리듬재배치기법이며, 전위, 솎음, 치환기법은 일부분에 사용되어 솔로 전개에 큰 영향을 끼치지는 못하였다. 셋째, 모티브를 변형하는 1차적인 전개기법으로 반복, 리듬유지피치변형, 동형진행, 치환 기법을 사용하였으며, 2차적으로 이것을 절단 또는 연장, 솎음, 리듬재배치 하며 모티브의 리듬에 변형을 주었다. 위의 결론을 통하여 솔로 시 프레이즈의 반복에서 오는 단조로움과 변형에서 오는 산만함을 없애 유기적인 솔로로 발전시킬 수 있는 하나의 방법이 될 수 있으며 솔로를 전개함에 있어 본 논문에서 분석된 모티브 전개기법의 적용은 좀 더 멜로딕(Melodic)한 솔로에 접근 하는 하나의 방식 또는 아이디어가 될 수 있다. 모티브의 판단기준은 서론에서 언급한 모티브 전개기법에 의거하였기 때문에 모티브로 보이지만 모티브 전개기법으로 분석이 불가능한 경우 이를 분석 대상에서 제외한 것은 본 논문의 연구에 있어 한계점으로 남으며 향후 보완하여 연구가 필요한 부분이다. As the smallest unit in the composition of any melody, motive forms the basis for melodic tunes and establishes a starting point for any creation. Among other melody composition methods, how to form a motive, change it, and refine it to develop a solo is important in playing solos, and in an impromptu jazz solo, analyzing how motive is changed and developed and using it can be a method or idea to approach a more melodic solo. This thesis consists of a thorough analysis of the kinds of developmental methods that were used to change and advance motives in four solos by Larry Grenadier, a musician who is active with creative ideas in many genres of contemporary jazz music. After such analysis, these motive development methods were applied to a rendition and recording of one original song and three jazz songs. A study on the motive development of jazz bass solo by Larry Grenadier has led to the following conclusions: First, motive development methods were used from the very start of the introduction in solos or in the introduction before the next chorus. Second, in the songs that were analyzed, motive development methods such as repetition, rhythmic retention/pitch Change, sequence, extension, truncation, and rhythmic displacement were commonly used during solos, whereas inversion, thinning, and permutation were only used in some of them and had no big effect on solo development. Third, the primary development methods that were used to change motive were repetition, rhythmic retention/pitch change, sequence and permutation, with variations made to the motive's rhythm by means of truncation or extension, thinning, and rhythm replacement. As the third conclusion above suggests, removing monotony that is caused by repeated phrases and taking away the looseness that is due to variations in solos can be a way of developing an organic solo. Regarding solo development, applying the motive development methods found in this study can be a way or idea to approach more melodic solos. Since judgment was used in the motive development methods mentioned in the introduction, elements in the methods that appeared to be motives but were impossible to analyze were excluded from the analysis, therefore making it one limitation of this study. There will be a need for future studies to overcome this limitation.

디자인모티브에 의한 自動車 車體造形 發想 變化에 대한 考察 : 形態發想으로부터 車體造形까지를 中心으로

천영철 국민대학교 디자인대학원 2009 국내석사

일반적으로 ｢아이디어｣란 기성요소의 새로운 조합에서 형성되는 것으로 누구나 생각할 수 있는 공유적인 것이며, 또 두뇌의 외적인 탐색을 통해서나 전문 분야의 자료, 일반 상식 등 두뇌의 내부탐색과 자료 활용을 통해 누구나가 얻어 낼 수 있는 것으로서 ‘두뇌의 유연성’을 필요로 하는 것이다. 본 연구는 차종 별 자동차 디자인에서 나타나는 조형적 발상과 그것이 자동차 차체 디자인으로 구체화된 사례를 살펴보는 방법으로 진행한다. 그리고 그것을 위해 최근에 나타나는 다양한 차체 디자인의 사례의 유형들을 대표적인 사례들을 통해 살펴보게 된다. 주된 고찰 영역은 자동차 디자인이 가지고 있는 다양한 조건들 중에서, 주로 모티브에 의한 차체의 조형과 디자인 특징, 그리고 그것을 중심으로 하는 외부 형태에 의해 나타나는 차량의 스타일의 특징을 중심으로 한다. 본 논문의 주제는 아이디에션을 다루지만 논문을 통해서 아이디에이션을 하는 것 이 목적이 아니라, 아이디에이션 프로세스 상에서 어떠한 근거와 원리들에 의해서 아이디에이션이 전개되는가를 규명하는 것이 목적이므로, 먼저 그 프로세스상의 주요한 요소들을 분석하는 것이 논문의 본론에서의 근간이 된다. 자동차의 디자인모티브의 개념은 그 용어만으로 본다면 그것은 디자인, 또는 스타일만의 문제로 보일 수 있기도 하다. 종합적으로 본다면 자동차의 디자인 모티브는 오늘날에 와서는 디자인, 혹은 스타일만의 문제로 국한시킬 수는 없으며, 보다 거시적으로는 차량 전체의 이미지나 브랜드, 그리고 메이커의 특성으로까지 확장될 수 있다. 그리고 그러한 특성을 구성하는 요소들에는 메이커나 브랜드의 역사, 기술성향, 제품의 기능, 제품의 제작방법, 제품 개발과정의 전개방법, 시장정책 등 본 연구에서 고찰되었던 요인들이 모두 포함된다. 디자인 모티브의 특성은 제품의 디자인을 구성하는 요인을 각각 내적 특성과 외적 특성으로 구분할 경우, 이들 내외적 특성들에 의해 형성되는 각각의 속성들을 통해서 살펴볼 수 있다. 이것을 구성하는 요소는 메이커나 브랜드가 지향하는 기술적 특성, 그리고 그것을 통해 나타나는 제품의 형태, 그리고 그 형태 속에 포함된 감성적 성향 등 구체적인 요소에서 추상적인 요소의 층에 이르기까지 구분할 수 있다. 그리고 이 속성들은 자동차를 포함한 모든 공업제품들, 또는 그것을 생산하는 메이커나 브랜드가 지향하는 다양한 성격을 통합하는 개념으로써 활용될 수 있을 것이다. 그 속성은 과거와 같이 제품의 성격을 결정해 주는 선형적(線形的)이고 일방적(一方的) 성격에서, 근본적으로 시장과 소비자의 변화 수용을 통해 그것을 바탕으로 메이커나 브랜드 역시 발전되어나가는 쌍방향적(雙方向的) 성격이며 상호적(相互的) 성격으로 변화된 모티브이다. 따라서 브랜드나 메이커, 혹은 개별 차량모델의 디자인모티브는 거시적인 관점에서 본다면 물리적인 형태나 구조만의 문제가 아니라 그것을 형성하는 내적인 요인과 외적인 요인 전반에 관련한 문제이다. 전통적인 메이커나 브랜드들이 보여주고 있는 디자인 모티브의 모습에서 외적 모티브는 자신들이 지향하는 기술적 목표와 철학만을 바탕으로 한 자신들의 모습, 즉 메이커나 브랜드 자신들에 의해 만들어진 것이었다. 그러나 오늘날의 외적 모티브는 메이커나 브랜드의 특성을 소비자의 감성과 상상력의 관점에서 해석하고 구체화시킨 모습이다. 다시 말해 소비자와 시장을 위해 만든 모티브, 메이커나 브랜드가 가진 본래의 특성을 바탕으로 변화하는 모티브의 모습인 것이다. 그리고 이러한 변화의 폭은 미래에는 더욱 확대될 것으로 보인다. 한편으로 그에 대한 추가적인 연구는 마케팅과 엔지니어링 등의 분야의 전문가의 조언을 통해 더욱 더 정밀하게 규명된다면, 본 연구의 결과가 실제 차량의 디자인 개발에도 활용될 수 있을 것으로 전망된다.

현대 중국 패션 컬렉션에 나타난 환상적 모티브

류위민 건국대학교 대학원 2017 국내석사

인간은 시간과 공간에서 각종 제약 속에 존재하며, 이에 현실생활의 시공을 넘어가는 소망을 가진다. 이런 소망을 촉진하는 심리적 활동은 바로 환상이다. 본 연구는 환상문학과 환상미술에 나타난 환상성의 개념, 주제, 유형을 고찰하여, 패션에서 환상적 모티브가 어떻게 표현되고 있는지 분석하고자 하였다. 특히 최근 2010년부터 2017년까지 현대 중국 패션 컬렉션에서 나타난 환상적 모티브를 분석하였다. 이를 위해서 문헌연구와 사례연구를 병행하였다. 문예 학자 벨졸트(Penzoldt), 루이 박스(Louis Vax), 로제 카이유(Roger Caillois), 츠베탕 토도로프(Tzvetan Todorov), 로즈메리 잭슨(Rosemary Jackson)등의 환상에 대한 이론을 바탕으로, 환상의 주제에 따라 환상적 모티브 유형은 크게 4가지로 신화/종교, 사후세계, SF, 우의/동화 모티브로 분류되었다. 이를 토대로 최근 2010년부터 2017년까지 현대 중국 패션 컬렉션의 표현 특성을 분석한 결과는 다음과 같다. 첫째, 패션 디자인에 나타난 신화/종교 모티브는 이종교배와 신화적인 비실재적인 상상적 도상 들이 많다. 신화 속에 용 같은 이미지를 신체에 표현한 실루엣 뿐 아니라 용의 이미지를 활용한 용 문양 프린트, 용 문양 자수 등을 화려하고 과장되게 표현하고 있었다. 또한 중국 신화의 선녀 이미지와 신화적 태양여신 이미지도 많이 나타났다. 둘째, 사후세계 모티브는 죽은 자의 생활이나 귀신과 유령 등과 같이 공포감을 함께 수반하는 모티브이다. 사후세계 모티브가 나타난 패션은 주로 죽음, 귀신 망령, 유령, 좀비, 빙의 등 부정적인 요소 등으로 죽음을 나타내는 무서움을 표현하거나 언캐니한 느낌이 나타났다. 셋째, SF 모티브는 미래세계와 우주공간 배경으로 한 모티브로서 사이보그, ET, 외계인과 외부 세계, 합성 인간, 앤드로이드 등으로 표현되었다. 테크놀로지의 결합과 함께 우주공간의 빛을 라이트를 통해 표현하거나, 다양한 소재와 특이한 신체 실루엣을 표현하였다. 넷째, 우의/동화 모티브에서는 초자연적이고 비현실적인 동식물들이 등장하고, 시공을 초월한 세계가 구현되었다. 또한 애니메이션이나 영화에서 나타난 캐릭터를 활용하여 표현하기도 하였다. 현대 중국 패션 컬렉션에서 디자이너는 비현실적인 환상성을 현실화함으로써 자신과 그리고 더 나아가 현대인의 욕망 내면의 환상세계를 패션디자인을 통해 표현하였다. 미래에는 다양한 기술의 발전에 따라 환상 모티브를 패션에 더 다양하게 표현할 것으로 보인다. 본 연구는 중국의 대륙적 특색을 반영하기 쉬운 환상성이 표현된 현대 중국 패션 컬렉션을 체계적으로 분석한 것에 의의가 있다고 사료된다. Men exist under various constraints of space and time and have a hope to transcend time and space of life in reality. Psychological activity that motivates hope is fantasy. This study examined the concept, theme and types of fantastic quality in fantasy literature and fantasy art in order to analyze how fantasy motif is expressed in fashion. In particular, this fantasy focused on fantasy motif in modern Chinese fashion collection from 2010 to 2017. Both literature study and case studies were performed in this study. Based on he theories of fantasy by literary scholars Penzoldt, Louis Vax, Roger Cailklois, Tzvetan Todorov and Rosemary Jackson, the types of fantasy motif are largely divided into four categories of myth/religion, after life, SF and fairy tlaes. Based on this, the characteristics of modern Chinese collection from 2010 to 2017 were analyzed. The conclusion is as follows. First, many of the myth/religious motifs in fashion design pertained to crossbreeding and mythical/non-realistic imaginary icons. They included silhouettes of the dragon image on human body as well as fantastic and exaggerated images of the dragon in prints and embroideries. Also, the image of angels and sun goddesses in Chinese myths appeared. Second, the after-life motif is accompanied by the objects of fear such as the life of the dead, ghosts and evil spirits. The way after life motif is manifested is mostly through negative elements such as death, ghost, evil spirits, zombie or the possessed, expressing the fear of death and or having uncanny feeling. Third, SF motif is based on future world and outer space and expressed through cyborg, ET, the world of alien, android, etc. Combined with technology, light in the space is expressed using spotlight and diverse materials were used to describe unique body silhouette. Fourth, supernatural and surreal animals and plants appear in fairy tale motifs as the world that transcends space and time was constructed. In addition, the characters in animation or films were used. In modern Chinese fashion collection, unrealistic fantasy was realized to express oneself as well as the desire of modern men and the fantastic world of their inner world through fashion. In the future, more fantastic motif will be used in fashion motifs in more diverse manner as technology progresses. The significance of this research is in analyzing modern Chinese fashion collection with fantasy elements that can easily use the characteristics of China.

스타일의 유형

이홍구 서울대학교 대학원 2015 국내박사

본 연구의 목적은 스타일의 개념과 구성 및 요소 그리고 유형과 위계를 제시하는 데 있다. 이를 위해 연구는 스타일과 정체성에 관한 문헌을 중심으로 그 본질적 속성을 이해하고 스타일의 근원이 사회적 요구와 개인의 자아실현 욕구임을 전제하였다. 이어 전제를 바탕으로 스타일의 구성 요소를 모티브, 캐릭터, 디자인, 스타일의 유기적 체계로 제시하였다. 또한, 스타일의 체계를 사례 분석의 기준으로 하여 고딕 스타일부터 모던 스타일까지의 시대적 스타일과 의자, 자동차, 전화기의 스타일 발전 과정을 고찰하고 그 공통적인 특징을 스타일의 유형과 위계로 한 연구의 결과를 도출하였다. 스타일이란 사회 집단의 공통성과 개인의 정체성이 일치된 공유적 특성이다. 따라서 개인은 정체성의 형성을 통해 자아를 구축하고 이를 스타일로 나타냄으로써 자아실현을 이루게 된다. 연구는 먼저 정체성과 자아실현 그리고 자아표현과 스타일의 관계를 이해하였으며, 이를 통해 인간이 자신의 정체성을 형성하려는 욕구가 있으며 이를 ‘정체성의 욕구’라고 정의하였다. 연구는 이어 정체성의 욕구와 스타일의 특성을 비교하여, ‘스타일’을 ‘모티브’, ‘캐릭터’, ‘디자인’의 유기적 체계로 제시하였다. 연구는 이어 스타일의 구성 요소를 바탕으로 시대적 스타일과 스타일의 대표적인 사물인 의자, 자동차, 전화기 그리고 공간을 대상으로 하여 사례를 고찰하였고, 그 스타일의 특징에 따라 ‘도구적 스타일’, ‘경제적 스타일’, ‘범주적 스타일’, ‘자아적 스타일’, ‘개념적 스타일’의 5가지 유형을 도출하였다.  도구적 스타일 : 안전과 효율의 욕구를 실현하기 위한 것으로 기능적 사용 가치가 강조된 유형으로 작동을 위한 구조적, 작동적, 발명적 그리고 직관적, 물질적, 객관적, 체계적인 특징을 나타낸다.  경제적 스타일 : 안전과 효율의 요구를 실현하기 위한 것으로 기능적 사용 가치뿐 아니라 경제성과 보편성을 바탕으로 한 재화가치가 중심인 유형이며 구조적이고 실용적이며 합리적이고 관습적, 보편적, 효율적, 합리적이고 전형적인 특징을 나타낸다.  범주적 스타일 : 귀속적 욕구와 존경의 욕구를 실현하기 위한 것으로 사용가치뿐만 아니라 경제적인 재화가치와 소속감의 공유가치를 기반으로 한다. 따라서 자신이 속한 집단의 정체성인 종교, 전통, 자연, 산업, 정치, 계층 등의 특징이 표현되는 것으로 귀속적이고 집단적이고, 유형적, 비유적이며, 상징적, 유형적인 특징을 나타낸다.  자아적 스타일 : 집단적인 정체성보다는 개인의 자아를 위한 정체성을 확립하고 유희적 욕구를 실현하기 위한 것이다. 따라서 자아가치를 높일 수 있는 태도, 신분, 가치관, 취향 등을 스타일의 모티브로 하며, 궁극적으로 자아실현을 위한 자아표현에 집착한다. 따라서 자아적 스타일은 주관적이고 독자적, 이질적, 이기적이며 그리고 자발적인 특징을 나타낸다.  개념적 스타일 : 도구적 스타일, 경제적 스타일, 범주적 스타일, 자아적 스타일의 근원이자 동시에 궁극의 이상으로서 사용가치와 재화가치 그리고 자아가치와 공유가치 모두를 포괄하고 함축한다. 따라서 개념적 스타일은 표현적이기보다는 이상적이고 모호하지만, 불변적이며, 근원적, 원형적 그리고 비구상적 특징을 나타낸다. 본 연구는 이상과 같이 스타일에 관한 개념적 이해와 구성 요소, 스타일과 디자인의 관계, 그리고 스타일의 유형과 위계를 연구의 결과로 제시하며 이후 스타일 연구의 토대가 되기를 희망한다. 주요어 : 스타일, 캐릭터, 모티브, 디자인, 자아실현, 자아표현 학 번 : 2004-31074

2010년대 한중 퓨전 사극 드라마의 신데렐라 모티브 변용연구 : 여성 캐릭터 중심으로

WANG JINGXUAN 경희대학교 대학원 2022 국내석사

여성의 경제력과 소비력이 향상되며 문화 소비 욕구도 더불어 상승하였다. 여성들의 수요가 늘어나며 그들의 요구에 부응하는 콘텐츠가 최근 다수 제작되는 추세를 보인다. 대부분의 콘텐츠는 여성 인물을 주인공으로 놓는데, 이때 활용되는 여성의 이미지는 다층적으로 구성된다. 이중 신데렐라 모티브를 차용한 서사, 평범한 여성과 권력과 경제력을 가진 남성의 결합과 그를 통한 신분 상승은 만연하게 차용되는 서사였다. 그러나 최근 페미니즘 담론이 대두되기 시작하며, 이러한 서사에 대해 문제가 제기되었고, 신데렐라 모티브에서 탈피하려는 시도가 이루어지고 있다.한국과 중국은 유교 문화권을 공유하는 국가로, 여성은 수직적인 구도를 아래 오랜 세월 동안 억압되었다. 따라서 최근 한국과 중국에서는 남성의 권력구조에서 탈피하려는 여성들의 서사를 중심으로 한 콘텐츠들이 다수 제작되었다. 본고는 따라서 반(反) 신데렐라 모티브와 탈(脫) 신데렐라 모티브를 토대로 중국 드라마 <꽃 피던 그해 달빛>과 한국 드라마 <철인왕후>를 분석하였다. 중국의 경우, ‘대여주’ 서사를 통해 여성을 약자 이미지에서 탈피하려는 시도를 보인다. 이때 여성은 진취적인 인물로 그려진다. 한국의 경우에도 여성 주인공은 자신의 문제를 스스로 해결하고, 남성 주인공을 구제하며 주체의식을 형성한다. 본고는 실제적인 드라마 분석을 통해 콘텐츠에서의 젠더 담론을 재고한다. 주디스 버틀러는 페미니즘을 통해 다원적인 젠더 의식을 구축하고자 했다. 페미니즘과 퀴어의 지평을 확장한 그녀는 진정한 양성 평등 즉, 남성과 여성의 전복적인 수직 관계가 아닌 수평적인 관계를 주장한다. 이에 따라 여성 서사 역시 남성에 기대거나 지배자적인 여성과 같은 편향된 캐릭터에서 벗어날 필요가 있으며, 진정한 양성 평등적인 캐릭터에 대한, 보다 심도 깊은 고찰을 더한 콘텐츠를 제작할 필요가 있을 것이다. Women's economic power and consumption power improved, and cultural consumption needs also increased. As women's demand increases, a number of contents that meet their needs have recently been produced. Most of the contents have female characters as the main characters, and the images of women used at this time are composed of multiple layers. Among them, the narrative of borrowing Cinderella Motif, the combination of an ordinary woman and a man with power and economic power, and the rise in status through him were widely borrowed narratives. However, with the recent emergence of feminist discourses, problems have been raised about these narratives, and attempts have been made to break away from Cinderella Motif. Korea and China are countries that share Confucian culture, and women have been suppressed for many years under the vertical composition. Therefore, in Korea and China, a number of contents centered on the narratives of women trying to break away from the power structure of men have been produced. Therefore, this paper analyzed the Chinese drama Moonlight in the Year of Blooming and the Korean drama Queen Cheolin based on the anti-Cinderella motif and mask Cinderella motif. In the case of China, attempts are made to break away from the image of the weak through the narrative of "rental state." At this time, the woman is depicted as an enterprising person. In the case of Korea, female protagonists solve their own problems, rescue male protagonists, and form a sense of subject. This paper reconsider gender discourse in content through practical drama analysis. Judith Butler tried to build a pluralistic gender consciousness through feminism. Expanding the horizon of feminism and queer, she argues for a horizontal relationship, not a true gender equality, that is, a subversive vertical relationship between men and women. Accordingly, female narratives also need to be free from biased characters such as men or dominant women, and content that adds in-depth consideration of true gender equality characters will need to be produced.

낭만주의적 모티브에 대한 슈만의 음악적 적용 : -《시인의 사랑, Op.48》을 중심으로-

오승미 성신여자대학교 일반대학원 2023 국내석사

본 논문의 목적은 《시인의 사랑 Op.48》(Dichterliebe, Op.48)을 중심으로 낭만주의적 모티브에 대한 슈만(Robert Schumann, 1810-1856)의 음악적 적용을 밝힘으로써 슈만의 음악이 가지고 있는 낭만주의 정신의 본질에 한 걸음 더 다가가는 것이다. 19세기 낭만주의 음악을 주도했던 슈만은 음악을 통해 낭만주의가 추구했던 이상을 ‘시적원리’로 구현하고자 했다. ‘시적인 것’은 낭만주의자들이 추구한 이상향으로 문학적인 의미가 아닌 예술의 본질을 의미하는 것이었다. 낭만주의 음악을 대표하는 장르 중 하나인 예술가곡(Kunstlied)은 슈만에 의해 ‘시적’ 예술의 경지에 오르게 된다. 슈만은 《시인의 사랑》을 통해 낭만주의 시인 하이네(Heinrich Heine, 1797-1856)의 『서정적 간주곡』(Lyrisches Intermezzo)에 드러나는 다양한 낭만주의적 모티브를 음악적으로 제시한다. 음악을 통해 낭만주의의 이상을 구현하고자 한 슈만의 ‘시적’ 음악관이 《시인의 사랑》에 드러나 있는 것이다. 본 논문에서 주목한 것은 낭만주의적 모티브의 철학적 본질이 현실세계와 무한세계의 이원성에 있으며, 두 세계의 경계에서 갈등하는 작품 속 자아의 모습이 일련의 서사성을 갖는다는 점이다. 이러한 서사에 따라 낭만주의적 모티브를 의미 단위가 비슷한 동경, 고통, 초월, 현실귀속의 키워드로 범주화 할 수 있다. 이것을 중심으로 《시인의 사랑》을 분석하면 ‘선율모티브 기법’과 ‘조성관계’를 통한 슈만의 음악적 적용을 발견할 수 있다. 슈만이 낭만주의적 모티브를 음형으로 형상화하여 유사한 심상에 반복 적용하였으며, 명확한 서사구조 내에서 의도적으로 조성을 배치한 것이다. 동경은 현실을 고통으로 인식하는 것으로부터 출발한다. 19세기 무렵 활동한 지식인들은 인간과 자연이 서로 분리되지 않은 채 원초적 합일상태로 존재했다고 여겨지는 태고의 ‘황금기’(Goldenes Zeitalter)를 동경했다. 어떠한 경계도 존재하지 않았던 보편적이고 조화로운 단일체는 인간의 원죄적 타락으로 인해 분리를 경험하게 되었고, 분리된 자아는 소외된 상태에 놓여 존재론적으로 고립감을 느끼게 되었다. 이러한 분리는 주체와 대상의 분리를 통해 자아를 완전하게 확립하는 계몽주의 시대의 주관과 객관의 이원론으로 인해 야기된 것으로, 외부의 대상과 주체의 인식 사이에 존재하는 괴리감으로 인한 것이기도 했다. 이러한 외면과 내면의 괴리는 소통의 단절을 의미하였고, 이러한 단절로 인해 자아가 느끼는 고립감이 곧 현실의 고통이었던 것이다. 슈만은 이러한 내용을 선율모티브 기법을 통해 음악적으로 제시한다. 자아의 고립감을 묘사하는 선율모티브는 3도 순차 상·하행 형태로 나타나며, 이를 확장한 4도 순차 상·하행 형태와 3도, 4도 아치형의 형태가 동일한 의미로 연가곡 전체에 맥락적으로 사용된다. 동경을 드러내는 시어에서 나타난 3도 상행, 2도 하행 모티브는 전체 연가곡에 동일한 의미로 사용되고 이를 확장한 형태는 이미지를 강화한다. 그리움을 의미하는 6도 도약 진행은 6도 순차 진행으로 확장되어 동경의 정서를 강조하기도 한다. 고통을 표현하는 모티브는 3도 하행, 2도 상행 형태로 연가곡 전체에 사용된다. 또한 레치타티보적인 동음 반복 음형은 내적 고통을 암시하는 의미로 활용된다. 시적 화자는 현실의 고통에서 벗어나기 위해 초월을 통해 합일을 갈망하는데, 이는 황금기보다 한 차원 높은 유토피아로 상징화된다. 헤겔(Georg Wilhelm Friedrich Hegel, 1770-1831)의 설명에 따르면 잃어버린 낙원으로 다시 돌아가려는 무의식적 동경은 타자와의 상상적 동일시가 유지되는 환상 속에서 이루어진다. 슈만은 화자의 충족되지 못한 갈망과 환상을 5도 순차 진행 형태인 클라라 모티브를 통해 드러내고 있다. 이는 5도 도약 진행으로 축약되기도 하며 가사의 허구성을 암시하는 의미로도 중첩 사용된다. 또한 슬픔과 죽음의 모티브인 반음계적 4도 하행 진행이 초월의 의미로 지속적으로 나타난다. Ger.6화음과 감7화음으로 유토피아적 이미지를 강화하기도 한다. 낭만주의 시대 많은 작품들은 작가 자신이 창조한 환상을 스스로 파괴하는 아이러니를 통해 현실로 귀속된다. 《시인의 사랑》역시 시적 화자의 초월에의 갈망이 결국 현실로 귀속된다. 슈만은 이러한 현실귀속을 의미하는 선율모티브로 2도 상행, 3도 하행 진행을 제시한다. 슈만은 전체 서사의 내용적 구분을 음악에 구현하기 위해 의도된 조성관계를 사용한다. 시가 내용적으로 연결될 때는 5도권 내의 가까운 조성을 배치하고, 내용상 단절이 필요한 곳에는 5도권에서 먼 조성을 배치하여 음악적으로도 내용의 단절을 환기시킨다. 또한 단조로 시작하여 장조로 끝나는 진행도 나타나는데, 이러한 단조-장조의 진행은 유토피아적 관념을 나타내는 슈만의 음악적 장치이다. 모호한 화성과 반음계, 차용화음 등은 부정적인 결말을 암시하거나 시적 화자의 불안과 혼돈을 나타낸다. 성악의 열린 종지는 시의 내용에 의문을 제기하는 듯한 효과를 준다. 후주에서는 음향이 지속되며 사라지는 듯한 종지가 나타나기도 하는데, 이는 외면과 내면의 괴리감을 지닌 낭만주의적 아이러니를 표현하는 것이다. 이와 같이《시인의 사랑》에 나타난 슈만의 ‘선율모티브 기법’과 ‘조성관계’는 전형적인 낭만주의 정신의 음악적 제시로써, 본질적으로 그의 ‘시적’ 미학관을 조망할 수 있는 하나의 유용한 통로라고 할 수 있다. The objective of this thesis is to shed light on the core essence of the Romantic spirit inherent in Robert Schumann’s music by elucidating his musical implementation of Romantic motifs, with a specific focus on his composition 《A Poet’s Love, Op.48》(Dichterliebe, Op.48). As a prominent composer in the 19th-century Romantic music, Schumann sought to embody the ideals pursued by Romanticism through his music, employing ‘poetic’ principles. The term ‘poetic’ in this context does not refer to its literary meaning, but rather to the fundamental nature of art itself, which Romanticists idealized. Schumann elevated the genre of ‘Kunstlied’, one of the representative forms of Romantic music, to the realm of ‘poetic’ art. Through 《A Poet’s Love》, Schumann musically presents various Romantic motifs found in 『Lyrisches Intermezzo』, a collection of poems by Romantic poet Heinrich Heine. Thus, the ‘poetic’ approach to music applied by Schumann, in pursuit of Romantic ideals, becomes apparent in 《A Poet’s Love》. The focus of this thesis centers on the philosophical nature of Romantic motifs, which exist in the duality of the real world and the infinite world. It explores the depiction of the self in conflict at the intersecting and colliding boundaries of these two worlds, resulting in a series of narrativities. Within these narratives, Romantic motifs may be categorized thematically under keywords such as yearning, anguish, transcendence, and attribution to reality. Analyzing 《A Poet’s Love》 through this lens illuminates Schumann’s musical application of ‘melodic motif techniques’ and ‘tonal relationships’. Schumann embodied Romantic motifs within musical structures, frequently applying them to evoke similar imagery and deliberately arranging the composition within coherent narrative structures. The experience of yearning arises from perceiving reality as anguish. Intellectuals of the 19th century yearned for a primeval golden age, when humanity and nature were believed to coexist in a state of primitive unity. However, this universal and harmonious unity, devoid of boundaries, became severed due to the original sin of human corruption, leading to the alienation of the self and a sense of ontological isolation. This separation arose not only from the dualism of subjectivity and objectivity in the Age of Enlightenment, which established the self through the separation of subject and object, but also from the dissonance between the subject’s perception and the object, creating a sense of estrangement. This rift between the internal and external realms signified a rupture in communication, with the resulting sense of isolation experienced by the self essentially becoming the pain of reality. Schumann musically portrays these phenomena through ‘melodic motif techniques’. The melodic motifs, representing isolation of the self, appear in a sequence of ascending and descending thirds and are contextually used throughout the entire song cycle in expanded forms of sequential ascending and descending fourths and arch-shaped thirds and fourths, all conveying the same interpretation. Motifs representing yearning in poetic diction manifest as ascending thirds and descending seconds, repeatedly employed throughout the song cycle with consistent meaning. The expanded forms of these motifs further enhance their imagery. The leaping progression of sixths and sequential progression of sixths also emphasize the sentiment of longing. Motifs representing anguish, in the form of descending thirds and ascending seconds, persist throughout the song cycle. Moreover, recitative homophonic repetitions are utilized to allude to internal suffering. In order to escape the pain of reality, the poetic narrator yearns for unity through transcendence, which is symbolically represented as a utopia surpassing the golden age dimension. According to Georg Wilhelm Friedrich Hegel, the unconscious longing to return to the lost paradise is fulfilled within the realm of fantasy, where an imaginative identification with the other is maintained. Schumann portrays the narrator’s unfulfilled desires and fantasies through the Clara motif, a sequential progression of fifths. This motif is sometimes condensed into a leaping progression of fifths and also used in a layered manner to underscore the fictitious nature of the lyrics. Furthermore, the progression of the chromatic descending fourth motif, representing sorrow and mortality, repeatedly emerges as a symbol of transcendence. The use of the German sixth chord and the diminished seventh chord serves to reinforce the imagery of utopia. Numerous works of the Romantic era depict the author’s self-destructive irony, whereby the fantasies they create are ultimately bound to reality. Similarly, in 《A Poet’s Love》, the poetic narrator’s longing for transcendence is eventually constrained to reality. Schumann conveys this attribution to reality through the incorporation of melodic motifs, including progressions of ascending seconds and descending thirds. Schumann intentionally employs ‘tonal relationships’ to musically encapsulate the thematic divisions within the overall narrative of 《A Poet’s Love》. When there is a thematic connection between the poems, he arranges closely related tonalities within the circle of fifths. Conversely, in instances where thematic detachment is necessary, tonalities are placed further away from the circle of fifths, thereby musically accentuating the disjunction within the composition. Furthermore, Schumann uses a progression that commences with a minor key and culminates in a major key, a musical device deliberately applied to express the Romantic idea of reaching a utopia of solace and repose. Various musical techniques, such as harmonic ambiguity, chromatic scales, and modal interchange serve to imply negative outcomes or reflect the poetic narrator’s anxiety and confusion. Additionally, the open cadences of vocal passages contribute to a sense of questioning the poem’s content. Finally, in the postludes, the continuation of sound coupled with a fading cadence represents the Romantic irony that is mirrored by internal and external separation. In conclusion, the ‘melodic motif techniques’ and ‘tonal relationships’ employed by Schumann in 《A Poet’s Love》 serve as quintessential musical manifestations of the Romantic spirit, and they provide valuable insight through which one can essentially glimpse into Schumann’s ‘poetic’ aesthetic worldview.

꽃을 모티브로 한 업스타일 연구 : 알폰스무하 작품을 중심으로

이정연 서경대학교 대학원 2018 국내석사

본 연구는 18세기 아르누보의 대표화가 알폰스무하 작품속의 몽환적이고 유기적인 아르누보 스타일의 아름다운 여인들과 꽃들의 이미지를 모티프로 하여 시대적 회화에 담긴 풍속을 현대인들에게 새로운 업스타일의 형태로 제시하고자 하였다. 알폰스 무하 작품 ‘사계’의 봄, 여름, 가을, 겨울 과 작품 ‘네 가지 꽃’의 카네이션, 백합, 장미, 아이리스를 모티브로 8개를 디자인 기법을 응용한 총 8개의 창의적인 업스타일 작품을 통해 예술의 창조활동 방향을 제시하고자 하였으며, 궁극적으로 미용 산업과 교육에 있어 새로운 창작물을 지속적으로 연구하는데 기여하고자 하였다. 연구방법으로는 문헌연구와 실증적 연구를 병행하였다. 문헌연구에서는 꽃의 정의와 꽃을 이용한 다양한 디자인 사례와, 알폰스 무하의 생애와 작품 세계, 업스타일에 대한 고찰을 위해 각종 문헌을 조사하였다. 실증적 연구에서는 알폰스 무하의 작품을 중심으로 꽃의 이상화된 여성성과 이미지를 분석하여 총 8개의 작품을 업스타일로 제작하였다. 업스타일 제작시 알폰스 무하 작품에서 보이는 꽃의 특징과 형태적인 조화를 강조하였으며 우아하고 유기적인 선의 흐름을 C자 와 S자의 곡선의 방향으로 표현하였다. 업스타일의 기법중 위빙기법과 펼치기 기법을 병행하여 세밀한 작업을 하는데 추가하였다. 작품 Ⅰ 사계 ‘봄’ 에서는 봄을 예찬하는 듯한 여러 가지 꽃들이 피어나는 모습을 연구하였다. 작품 Ⅱ 사계 ‘여름’ 에서는 뜨거운 태양아래 어깨를 들어내고 화관을 쓴 여인이 풀어헤친 머리를 양귀비꽃에 비유하여 요염하고 몽환적인 이미지를 연구하였다. 작품 Ⅲ 사계 ‘가을’에서 굴곡진 포도 덩굴을 닮은 풀어헤친 여인의 머리와 가을을 상징하는 국화꽃을 연구하였다. 작품 Ⅳ 사계 ‘겨울’에서는 매서운 추위에서도 두 손에 새를 안고 따뜻한 입김을 부는 여인의 아름다운 모습을 겨울 나무와함께 업스타일로 연구하였다. 작품 Ⅴ 네 가지의 꽃 ‘카네이션’ 에서는 자부심을 나타내는 당당한 모습을 카네이션 꽃에 어우러진 줄기와 잎 을 창의적인 디자인 기법으로 업스타일 연구 하였다. 작품 Ⅵ 네 가지의 꽃 ‘백합’은 아르누보의 사랑을 가장 많이 받은 꽃들 중 하나로 백합의 여섯 개의 꽃잎과 줄기와 잎을 업스타일로 연구하였다. 작품 Ⅶ 네 가지의 꽃 ‘장미’ 에서는 별의 오각형을 연상시켜 하늘을 뒤덮을 것만 같은 장미꽃을 머리에 꽂은 여인이 신비로운 비밀의 이상화된 여성성을 표현하는 업스타일을 연구 하였다. 작품 Ⅷ 네 가지의 꽃 ‘아이리스’ 는 기품 있는 남성성을 나타내는 여인의 이미지이다. 아이리스 꽃들로 둘러싸여있는 여인은 남성적인 상징을 나타내 보이는 업스타일로 연구를 하였다. 결과적으로 꽃과 여성의 이미지를 모티브로 헤어 업스타일을 완성하는 과정에서 사조의 소재로 선택되고 있는 꽃의 무궁한 예술적 가치와 창의적인 가능성을 엿볼 수 있었다. 꽃과 여성의 이미지를 유기적인 곡선의 식물과 여성스러운 모티브로 한 업스타일이 창의적인 자료가 되고 디자인 기법을 응용하여 새로운 창작물이 지속해서 연구되기를 기대한다. ABSTRACT A Study on Up Style with a Flower as a Motif - Focusing on Alphonse Maria Mucha's Works - Lee, Jeong Yeon Dept. of Beauty Arts The Graduate School of SeoKyeong University The purpose of this study was to suggest custom of being contained in historical paintings through having motifs as the images of beautiful women and flowers with dreamy and organic art nouveau style in the works by Alphonse Maria Mucha who is a representative painter of art nouveau in the 18th century. The direction of creative activity in art was aimed to be proposed through totally 8 creative up-style works with the application of design technique to 8 pieces through having motifs as spring, summer, autumn and winter of 'four seasons' in Alphonse Mucha's works and as carnation, lily, rose and iris in 'four flowers' of the works. The aim was ultimately to contribute to inquiring continuously into a new creative work in beauty industry and education. A research method was carried out a documentary research and an empirical research side by side. The documentary research was surveyed many texts in order to consider the definition of a flower, diverse design cases of using a flower, Alphonse Maria Mucha's lifetime and oeuvres, and up style. The empirical research was made totally 8 works with up style by analyzing the idealized femininity and image in a flower focusing on Alphonse Mucha's works. Making up style led to emphasizing a characteristic and morphological harmony in a flower of appearing in Alphonse Mucha's works, and to expressing a flower of elegant and organic line with the direction of the C-lettered and S-lettered curves. Carrying out a weaving technique and a spreading technique out of the up-style techniques led to being added to the detailed work. In Work Ⅰ, ‘spring’ out of four seasons was researched into the image that many flowers bloom as if praising spring. In Work Ⅱ, ‘summer’ out of four seasons was inquired into the voluptuous and dreamlike image in comparison with poppies as for loosening her hair in a woman who wore garland with revealing shoulders under the hot sun. In Work Ⅲ, ‘autumn’ out of four seasons was looked into a woman's loosened hair, which resembled the curved grape vine, and into chrysanthemum, which symbolizes autumn. In Work Ⅳ, ‘winter’ out of four seasons was researched into the beautiful image of a woman who blows warm breath with holding a bird in two hands even in the bitter cold, through up style together with a winter tree. In Work Ⅴ, 'carnation' out of four flowers was inquired into up style in the stems and leaves of harmonizing with a carnation flower with creative design technique in terms of the dignified appearance of showing pride. In Work Ⅵ, 'lily' out of four flowers was looked into six petals, the stems and leaves in lily with up style as one of flowers, which were loved the most by art nouveau. In Work Ⅶ, 'rose' out of four flowers was researched into up style that a woman who did put a rose flower in her hair as if over-spreading sky through being suggestive of pentagon in a star, expresses the idealized femininity in a mysterious secret. In Work Ⅷ, 'iris' out of four flowers was inquired into the image of a woman who shows elegant masculinity. A woman who is surrounded by iris flowers was investigated with up style of expressing a masculine symbol. In conclusion, it could be observed the eternally artistic value and creative possibility in a flower of being chosen as a material of trend in the process of completing hair up style with having motifs as the images of flower and woman. As for the images in a flower and a woman, the up style with motifs as the plant in organic curve and as the femininity is expected to become creative data and to be inquired continuously into a new creative work through applying design technique.