인간과 인공지능의 협업을 통한 새로운 그래픽 표현 연구

김희연 홍익대학교 일반대학원 2022 국내석사

인공지능, 즉 A.I.(Artificial Intelligence)란 학습능력과 이해능력 등을 통해 인간의 행동과 지능을 모방하며 문장이해, 영상인식, 음성인식, 학습 등을 컴퓨터가 대신 실행하는 기술을 의미한다. 4차 산업혁명을 선도하는 여러 기술들 가운데 오늘 날 인공지능은 가장 혁신적인 기술 중 하나로 꼽히며, 다양한 분야에서 적극적으로 활용되고 있다. 그래픽 시각 커뮤니케이션 분야에서도 인간과 인공지능이 협업하여 만들어내는 창작물이 보다 활발해질 것으로 예상된다. 인간은 신체를 통해 시각, 청각, 촉각 등 다양한 감각 신호를 수용하는 감각 능력과 창의적 사고를 동반한 지각 능력을 가지고 있는 반면, 인공지능은 신체를 통해 지각하는 능력은 없으나 딥러닝을 통해 자발적으로 감각적 인식체계을 구성하고 창작물을 만들어낸다. 본 논문에서는 인공지능 기술과 인간의 상호작용을 통한 새로운 그래픽 창작 기법을 탐구한다. 본 작품은 신체를 통해 감각을 인식하고 창의적으로 사고하는 인간과 방대한 양의 데이터와 입력된 알고리즘을 통해 이미지를 생성하는 인공지능 간의 협업을 통해 감정적 의미가 담긴 사물을 새롭게 표현하는 실험적 디자인을 선보인다. 대상이 된 사물은 지각의 주체와 무관하게 존재할 수 없고 주체와의 관계를 통해 의미가 부여된다. 나아가 일상 속의 사물에 투영된 나의 감정을 인공지능 기반의 이미지 생성 프로그래밍을 통해 표현해냈다. 특히 이미지 생성 프로그램 중 텍스트를 이미지화 하는 방식을 선택하여, 인간이 정의한 사물의 의미와 인공지능이 데이터를 통해 생성해내는 이미지를 조합하는 새로운 차원의 그래픽 표현을 시도했다. A.I, Artificial Intelligence, is a technology that mimics human behavior and intelligence through learning ability and understanding ability. It executes sentence understanding, image recognition, voice recognition, and learning instead, etc. Humans can accept various sensory signals such as visual, auditory, and tactile senses through the body and perception ability with creative thinking. In contrast, artificial intelligence cannot perceive through the body, but it voluntarily forms a sensory perception system through deep learning and generates images. Among the many technologies leading the fourth industrial revolution, artificial intelligence is considered one of the most innovative technologies and is actively used in various fields. In graphic visual communication, the artworks created by collaboration through human and artificial intelligence will become more active. The thesis explores new graphical expressions through AI and human interaction. The significance of this study is that the scope of creative activities is broadened if viewed as a means of interacting with the capabilities of human and artificial intelligence rather than forming a confrontation structure between human and artificial intelligence. The combination of human creative thinking and Big Data-based image generation capabilities can potentially explosively expand the graphic representation domain. Designers can visualize various topics they want to express using multiple creative techniques and functions of artificial intelligence.

자전적 서사에 기반한 색채상징 체계와 심리적 거리의 시각화 연구 : 융의 개성화 이론을 중심으로

박윤서 홍익대학교 대학원 2025 국내석사

Contemporary Korean society, driven by a competition-centered educational paradigm, has internalized fascist tendencies within its social structure and cultural foundations. This dynamic ultimately obstructs individuals from reaching their authentic “Self”, leaving them confined within multiple "Persona" and trapped in unstable “Ego” states, resulting in psychogenic phenomena of self-loss. As a member of this society, the researcher also experienced unstable self-loss and identified resultant mental health issues induced by an environment that enforces a binary demand for continuous success or failure. As a resolution, the necessity of true “Self-realization” was recognized. Consequently, practical methods wereexplored for inward investigation and integration to cultivate a resilient self. This study focuses on Carl G. Jung’s analytical psychology, especially the core concept of self-realization known as Individuation. Based on this theoretical foundation, the researcher constructed the structure of “autobiographical individuation” through an autobiographical narrative and investigated design methodologies utilizing various visual elements. All layers of this plural-mode work converge in the production of artworks, culminating in an attempt to concretize self-realization. Firstly, a “psychological distance stage” was composed based on the researcher’s diverse relational experiences. This was linked with the “color symbolic system” and associations, deriving initially twelve colors corresponding to the psychological distance stages. In this way, an “autobiographical color system was established, simultaneously representing stages of psychological distance and color system progression. Within the designed structure, symbols corresponding to each of the twelve colors were arranged, and “autobiographical essays” were written to explain the symbolic rationale. Secondly, each color was expanded into three tones to form a total of thirsty-six color system stages. In accordance with psychological distance, the researcher conceptualized and systematized everyday objects, experiences, or ideas into a table. As in the earlier phase, narratives continued with an essay for each list item detailing concept and symbolism. Lastly, integrating this structured work, two major outputs were produced: 1) thirty-six Symbol Cards, and 2) a Record Book documenting the entire process, including essays. Additional derivative graphic works and additional card types were also designed. Moreover, narrative framing–a dimension reinforcing diverse design touchpoints–was given considerable weight as a mediating factor unifying the study’s aims and direction. The researcher’s daily life was envisioned as a cosmos in which the practical actor, Nephila pilipes(Giant Golden Orb-Weaving Spider), measured surrounding entities–analogous to "planets"–by psychological distance. This storytelling served as an emotional-persuasion mechanism for the audience, particularly within the Symbol Cards’ illustrations. “Autobiographical individuation” thus represents an attempt to stably reach the true Self within this cosmos, and the entire set of individuative acts–color system, psychological distance concept system, essays–was named KʌmKʌm Distance: Diastar. This title encapsulated the totality of the symbolic manifestation rooted in autobiographical elements. Meanwhile, within the autobiographical color system, black symbolizes the stage of measurement–completion and the Self–while white symbolizes the unmeasured stage–imperfection and chaos. The randomly existing surrounding “planets” in and out of the cosmos become stably established within the cosmos by measuring their intra-relational psychological distance, forming a component of reaching a healthy Self. This study’s significance lies not only in creating a visualized work of personal autobiographical individuation but also in generating in the field of visual design a set of Symbol Cards and Record Book that incorporate narrative, color symbol system, and diverse design elements. Furthermore, based on this endeavor, it proposed a multilayered design methodology for the growth of a vulnerable ego, as experienced by modern individuals who have undergone self-loss. It is hoped that this will serve as a catalyst for personal healing and recovery, potentially extending to societal restoration as well. 한국의 현대 사회는 경쟁 중심의 교육으로 인하여 사회 구조와 문화 저변에 파시스트(fascist) 성향이 내재되어 가고 있다. 이는 결국 각 개인이 진정한 자기(Self)에 도달하지 못하도록 하며, 수많은 페르소나(Persona)에 갇힌 채 불안정한 자아(Ego) 상태에 머물게 하는 자기 상실의 심리적 문제를 초래한다. 연구자 역시 동일한 사회의 구성원으로서 불안정한 자기 상실의 문제를 경험하였다. 그리고 지속적인 성공과 실패의 이분법적인 요구를 강요하는 사회에서 그 환경으로 유발되는 정신적 문제를 발견하였다. 이에 대한 해결 방안으로 진정한 자기실현(Self-realization)의 필요성을 인식하게 되었으며 내면을 탐구하고 통합하여 유약한 자아를 발전시키기 위한 실천적인 방법을 고찰하게 되었다. 이를 바탕으로 본 연구에서는 융(C. G. Jung)의 분석심리학 이론 중에서 특히 자기실현의 핵심 개념인 개성화(Individuation) 이론에 주목하였다. 이 이론에 기반하여 연구자의 ‘자전적 서사’를 통해 ‘자전적 개성화’의 구조를 설계하였고 다양한 시각적인 요소를 활용하여 디자인의 방법론을 탐구하였다. 다층적인 작업의 모든 조합의 목적은 작품의 제작으로 이어지며 최종적으로 자기실현의 구체화를 시도하는 것이다. 이 연구에서는 첫 번째로, 연구자의 다양한 관계의 경험을 종합하여 구성된 ‘심리적 거리 단계’와 색채상징 및 연상(이하 색채상징 또는 자전적 색채상징)을 서로 연계했고, 심리적 거리의 단계 별로 대응하는 12가지 색상을 1차적으로 도출했다. 이를 통하여 ‘자전적 색체계’를 구축했는데 이는 곧 심리적 거리 단계이자 동시에 색상의 단계를 의미한다. 이와 같이 설계된 구조 안에서 12가지 색채에 해당하는 상징들을 각각 정리하였고 그 상징의 이유를 설명하기 위해 ‘자전적 에세이’를 작성했다. 두 번째는 각 색채를 세 가지 톤으로 구분하여 총 36개의 색상 단계로 확장했고 이러한 심리적 거리에 따라 연구자의 일상적인 대상, 경험 또는 관념 등을 개념화하고 체계화해서 표로 정리했다. 그리고 앞선 작업과 동일하게 목록 별로 개념과 상징에 이어지는 에세이를 기록하여 서사 작업을 하였다. 마지막으로, 이러한 구조화를 통합하여 두 개의 주요 작품인 36장의 〈상징카드〉 디자인과 에세이 등 전체 작업 과정을 서술한 『기록집』을 제작했으며, 이외에 파생적인 그래픽 작업들 및 카드 유형을 추가적으로 디자인했다. 또한 본 연구는 디자인의 다양한 접점을 형성해 주는 내러티브 설정에도 무게를 두었으며 이는 연구의 목적과 방향을 통합해 주는 매개체이다. 먼저 연구자의 일상을 하나의 우주로 상정하고, 그 안에 있는 실천적 행위자인 네필라(Nephila pilipes, 황금 둥근 그물거미)가 행성들로 비유된 주변의 다양한 대상을 심리적 거리로 측정한다. 이러한 스토리텔링은 〈상징카드〉에 적용된 일러스트레이션의 중요한 요소로서 관객에게 감성적인 설득력을 높여주는 역할을 한다. ‘자전적 개성화’는 우주 안에서 진정한 자기의 중심에 안정적으로 도달하려는 시도이며, 이를 〈KʌmKʌm Distance: Diastar(컴컴 디스턴스: 다이아스타)〉로 명명했다. 이 작품 제목은 ‘자전적인 요소’가 기반이 된 색체계, 심리적 거리에 따른 개념 체계, 에세이 작성 등을 아우른 모든 개성화 행위의 총칭이다. 한편, 앞서 설정한 연구자의 자전적 색체계에서 검정은 측정의 단계로서 완전함과 자기(Self)를, 하양은 미측정의 단계인 불완전함과 혼돈을 상징한다. 우주 안팎에서 무작위로 존재하는 주변의 행성들은 심리적 거리로 관계를 측정하는 행위를 통해 우주 안에 안정적으로 정립되며 건강한 자기에 도달하기 위한 하나의 일환이 된다. 이 연구는 개인의 자전적 개성화를 시각화한 작품을 넘어, 시각 디자인 분야에서 서사와 색채상징 및 다양한 디자인 요소를 구성한 〈상징카드〉와 『기록집』을 창작한 데에 의의를 둔다. 또한 이러한 시도를 바탕으로 연구자와 유사하게 자기 상실을 경험한 현대인에게 취약한 자아를 성장시키는 다층적인 디자인 방법론을 제안하고자 한다. 이것을 계기로 개인의 치유와 회복의 과정이 사회 전반의 회복 가능성을 모색할 수 있는 단초로 이어질 수 있기를 기대한다.

캐릭터 인형 키링의 재미요소가 애착에 매개하여 구매의도에 미치는 영향

김수인 홍익대학교 대학원 2025 국내석사

최근 굿즈 시장에서 ‘키링’의 인기가 다시 부상하고 있다. 이는 ‘키덜트 문화’와 ‘Y2K’ 트렌드의 영향으로, 2000년대 유행했던 키링이 현대적으로 재해석되며 젊은 층 사이에서 주목받고 있다. 특히 인기 연예인의 키링 활용과 브랜드 협업이 이를 더욱 가속화하고 있으며, 키링은 단순한 장식품을 넘어 패션 아이템이자 다양한 기능을 통해 소비자의 흥미를 끌고 있다. 구글 트렌드 기반 분석 결과, 최근 키링 검색량은 꾸준히 증가하고 있으며, 패션 및 라이프 스타일 아이템으로 주목받고 있는 것으로 나타났다. 이러한 결과는 키링이 단순한 액세서리 역할을 넘어, 소비자 개성과 문화적 트렌드의 상징적 요소로 자리 잡고 있음을 시사한다. 본 연구는 기존 굿즈에 대한 연구에서 더 나아가 캐릭터 키링이 가지고 있는 특정 재미요소를 도출하고, 현대 소비자들의 감성적 소비 형태를 세분화하여 주요 구매의도를 파악하기 위해 4개의 재미요소와 애착에 따라 발생하는 구매의도를 파악하는 연구를 진행하였다. 캐릭터 인형 키링의 재미요소는 애니메이션과 굿즈에 대한 선행연구를 바탕으로 재미요소를 분석하였다. 이를 통해 감각적, 인지적, 심리적, 기능적 측면으로 구분하여 도출하였다. 그리고 애착에 매개하여 구매의도에 어떻게 영향을 미치는가에 대하여 확인하고자 하였다. 실증 연구는 독립변수를 캐릭터 인형 키링의 재미요소로, 종석변수는 구매의도로, 매개변수는 애착으로 설정하여 구매의도에 어떠한 영향을 미치는지에 대하여 확인하였다. 실험을 진행하는 실험물은 한국콘텐츠진흥원에서 나온 캐릭터산업백서를 기반으로 2022년부터 2024년도까지의 캐릭터 선호도 설문조사 결과를 참고하여 최종적으로 선정된 10개의 캐릭터를 활용한 인형 키링을 실험자극물로 선정하였다. 실증연구의 대상은 20대 ~ 40대의 남녀 성인 300명을 대상으로 설문조사를 진행하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫 번째, 캐릭터 인형 키링의 재미요소가 애착에 모두 정(+)의 상관관계를 보여 긍정적인 영향을 미치는 것을 확인할 수 있었다. 두 번째, 캐릭터 인형 키링의 재미요소가 구매의도에 모두 정(+)의 상관관계를 보여 긍정적인 영향을 미치는 것을 확인할 수 있었다. 세 번째, 재미요소가 애착에 매개하여 구매의도에 긍정적인 영향을 미치는 것을 확인할 수 있었다. 결론적으로 캐릭터 인형 키링의 감각적, 인지적, 심리적, 기능적 재미요소가 모두 애착에 매개하여 구매의도에 긍정적인 영향을 미치는 것이 확인되었다. 캐릭터 인형 키링을 중심으로 한 연구는 현대 소비자 행동을 이해하고, 관련 시장의 발전 가능성을 탐색하는 데 중요한 의의를 지닌다. 또한 캐릭터 인형 키링의 기능적 측면까지 구매 의도에 긍정적인 영향을 미친다는 점을 확인하였다. 이러한 연구 결과는 소비자 트렌드 및 제품 인기도 분석에 있어 새로운 접근 방식을 제시한다는 점에서 연구적 의의가 있다. 더불어, 본 연구는 향후 캐릭터 인형 키링 시장의 발전 가능성을 모색하고 관련 연구의 방향성을 제안하는 데 기여할 것으로 판단된다. Recently, the popularity of keyrings has resurged in the merchandise market. This trend is driven by the rise of "kidult culture" and the "Y2K" movement, as keyrings that were popular in the 2000s are now being reinterpreted with a modern sensibility, drawing attention from younger generations. The use of keyrings by popular celebrities and brand collaborations has further accelerated this trend. Keyrings have evolved beyond simple decorative items to become fashion accessories with added functionalities, attracting consumer interest. According to an analysis based on Google Trends, the search volume for keyrings has steadily increased in recent years, indicating that keyrings are now recognized as symbolic elements of individual identity and cultural trends, rather than mere accessories. This study extends existing research on merchandise by identifying specific fun elements inherent in character keyrings. It analyzes modern consumers' emotional consumption patterns and explores purchase intention based on four fun elements and attachment. The fun elements of character plush keyrings were derived through prior studies on animation and merchandise, and categorized into sensory, cognitive, psychological, and functional dimensions. The study then examines how these elements influence purchase intention through the mediating role of attachment. In the empirical study, the independent variable was the fun elements of character plush keyrings, the dependent variable was purchase intention, and the mediating variable was attachment. Experimental stimuli were selected based on the 2022–2024 Character Industry White Paper published by the Korea Creative Content Agency, using character preference survey results. A total of ten character-based plush keyrings were selected, and the survey was conducted with 300 adults aged 20 to 40. The findings are as follows:First, all four fun elements of character plush keyrings showed a significant positive correlation with attachment.Second, the fun elements also showed a significant positive correlation with purchase intention.Third, attachment was found to mediate the relationship between the fun elements and purchase intention positively. In conclusion, the sensory, cognitive, psychological, and functional fun elements of character plush keyrings positively influence purchase intention through the mediating role of attachment. Research on character plush keyrings contributes to understanding contemporary consumer behavior and exploring the potential for market development. Furthermore, this study confirms that even the functional aspects of character keyrings positively influence purchase intention. These findings offer a new perspective for analyzing consumer trends and product popularity, highlighting the academic significance of the study. This research is expected to contribute to identifying future directions for the development of the character keyring market and related studies.

유대감 향상을 위한 참여형 대학 내부 브랜드 디자인 연구 : 홍익대학교 일반대학원 시각디자인 전공 중심으로

최승원 홍익대학교 대학원 2025 국내석사

Today, universities are increasingly expected to function not only as educational institutions but also as psychological and social communities in which members can form a sense of identity and emotional belonging. However, traditional university branding strategies have focused primarily on visual identity elements such as logos, official colors, and slogans, often failing to adequately reflect the emotions and lived experiences of members. In particular, the graduate school environment—centered on individualized work—tends to limit opportunities for shared community engagement and connection. This study, grounded in the belief that “a brand is not something given, but something created together,” explores the potential of emotion-based participatory communication design as a means to foster internal connectedness and collective identity within a university. To this end, a series of design experiments was conducted involving 50 graduate students in the Visual Communication Design program at Hongik University. These included a participatory logo workshop, a modular stamp-making experience, and interactive exhibition-based engagements. Participants created their own logos using handwritten typography, keywords, and shapes, which were then expanded into a customizable modular system. The project yielded three main outcomes. First, the participatory workbook archive served as a visual record of 50 unique logos and texts that reflected each student’s emotions and identity. Second, the modular logo stamp system was designed as a practical tool that encouraged repeated user engagement through free combination of visual elements. Third, the motion logo visualized the concept of a non-fixed brand identity by sequencing the dynamic transformation of diverse logo forms. The results demonstrate that participatory design, when grounded in users’ emotional experiences, can allow university branding to function not merely as a collection of visual elements but as a medium for emotional bonding and community building. This suggests that an internally driven, emotion-based branding strategy offers meaningful potential for redefining university communication design practices. 오늘날 대학은 단순한 교육 공간을 넘어 구성원이 정체성을 형성하고 정서적 귀속감을 느낄 수 있는 심리적, 사회적 공동체로서의 역할이 강조되고 있다. 그러나 기존 대학 브랜딩은 로고, 전용 색상, 슬로건 등 시각적 형식 요소에 주로 집중되어 있으며, 구성원의 감정이나 경험은 충분히 반영되지 못하고 있다. 특히 대학원은 개인 중심의 작업 환경으로 인해 공동체 감각 형성이 더욱 어려운 구조를 지니고 있다. 이러한 문제의식에서 출발한 본 연구는 ‘브랜드는 주어지는 것이 아니라 구성원이 함께 만들어가는 것’이라는 관점을 바탕으로, 감정 기반 참여형 커뮤니케이션 디자인을 통해 대학 내부의 유대감과 공동체 정체성 형성 가능성을 탐색하고자 하였다. 이를 위해 홍익대학교 일반대학원 시각디자인 전공 재학생 50명을 대상으로 한 참여형 로고 워크숍에서 시작해 모듈형 스탬프 체험, 전시 기반 상호작용 등 일련의 디자인 실험을 수행하였다. 참여자들은 손글씨, 키워드, 형태 요소를 활용해 자신만의 로고를 제작하였으며, 이 결과물은 커스터마이징 가능한 모듈형 시스템으로 확장되었다. 해당 디자인 실험의 주요 결과물은 세 가지로 구성된다. 첫째, 참여형 워크북 아카이브는 참여 학생들의 감정과 정체성이 반영된 50개의 로고와 텍스트를 수록한 시각 기록물이다. 둘째, 모듈형 로고 스탬프 시스템은 구성 요소의 자유로운 조합을 통해 사용자의 반복 참여를 유도하는 실천적 장치로 설계되었다. 셋째, 모션 로고 영상은 다양한 로고 형태가 유기적으로 변환되는 시퀀스를 통해 고정되지 않은 브랜드 정체성의 개념을 시각화하였다. 연구 결과, 구성원의 감정과 경험이 반영된 참여형 디자인은 대학 브랜드가 시각 요소의 집합을 넘어 정서적 유대와 공동체 소속감 형성의 매개로 기능할 수 있음을 실험적으로 제시하였다. 이는 참여 기반의 내부 브랜딩 전략이 향후 대학 커뮤니케이션 디자인의 새로운 방향성을 제시할 수 있는 실천적 가능성을 내포하고 있음을 시사한다.

시선 소비 구조의 시각화 연구 : 자크 라캉의 시선 이론을 중심으로

박성훈 홍익대학교 대학원 2026 국내석사

현대 사회에서는 죽음이 병원과 장례 시설 같은 제도적 공간 안으로 밀려나며 일상의 경험에서 점차 지워지고 있다. 죽음은 뉴스 이미지나 미디어 속 장면으로는 과잉 노출되지만 정작 개인의 삶 속에서는 직접 마주하기 어려운 것으로 남는다. 이 연구는 이러한 죽음 외면을 단순한 사회 문화적 현상이 아니라 ‘누가 누구를 보고 있는가’라는 시선 구조의 문제로 파악한다. 특히 라캉의 응시 개념을 바탕으로 죽음을 삶의 바깥에 있는 사건이 아니라, 죽음은 이미 주체를 배후에서 관통하고 있는 ‘보이지 않는 시선’으로 재규정하고자 한다. 이론적 층위에서 연구는 라캉의 상상계·상징계·실재계, 거울단계, 응시와 대상 a 개념을 중심으로 주체가 어떻게 ‘보는 자’의 자리에서 쉽게 ‘보이는 작은 대상’으로 전락하는지를 정리한다. 이를 바탕으로 응시를 결핍과 불안의 구조, 욕망의 원인과 연결해 해석하며, 죽음을 ‘내가 바라보는 대상’이 아니라 ‘언제나 나를 겨누고 있는 응시의 자리’로 읽어낸다. 선행 연구로 앤디 워홀, 크리스티앙 볼탕스키, 난 골딘, 프랜시스 베이컨의 작업을 통해 반복 인쇄, 얼굴 아카이브, 자전적 사진 연작, 왜곡된 신체가 어떻게 라캉적 의미의 응시 구조를 드러내는지 살펴본다. 실천적 층위에서 연구자는 자신의 정신적 위기와 삶의 연속성 붕괴 경험을 출발점으로 삼아 카메라를 통한 자전적 기록을 핵심 방법론으로 사용한다. 카메라의 기록 행위를 죽음의 시선 앞에서 흔들리는 주체가 자기 삶의 파편을 붙들고 배열하는 실천으로 이해하고, 이를 두 점의 설치 작업 <시선>과 <보이지 않는 시선>으로 구체화한다. <시선>에서는 일본–홍대–전시 공간–일본–을지로–고성으로 이어지는 이동 경로에서 촬영한 사진을 흑백 콜라주로 구성해 ‘내가 세계를 본다’는 시선을 전면에 배치하고, 상·하단에 어린아이 같은 화풍으로 다시 그린 1–28세 자화상을 더해 자아 이미지의 불안정성을 드러낸다. <보이지 않는 시선>에서는 1–28세 사진과 그림을 서로 다른 크기의 캔버스로 병치하여, ‘전면에 드러난 자아’와 ‘배후에 잠복한 자아’가 죽음의 응시 아래에서 어긋나는 구조를 형성한다. 연구 결과, 죽음의 시선은 특정 소재를 다루는 주제 차원을 넘어 시선의 방향과 주체의 자리를 재배열하는 구조로 이해될 수 있음이 드러났다. 라캉의 응시 이론을 바탕으로 한 본 연구는 죽음을 하나의 능동적 시선 주체로 위치시키고, 자전적 사진 아카이브와 설치 형식을 통해 <시선>과 <보이지 않는 시선>의 충돌을 시각화하는 방법을 제안한다. 이는 죽음의 시각화를 단순한 이미지 재현이 아니라 관람자의 지각과 자아 인식을 흔드는 장치로 이해하고, 시각디자인 및 시각예술에서 죽음을 다루는 새로운 이론적·형식적 틀을 제시한다는 데 의의가 있다. In modern society, death is gradually being erased from everyday experiences as it is pushed into institutional spaces such as hospitals and funeral facilities. Death is over-exposed as a scene in news images or media, but it remains difficult to face in person's life. This study grasps this death exterior not as a simple socio-cultural phenomenon but as a matter of the gaze structure of "who is looking at whom". In particular, based on Lacan's concept of gaze, death is not an event outside of life, but rather as an 'invisible gaze' that has already penetrated the subject from behind. At the theoretical level, the study summarizes how the subject is easily reduced from the position of the "viewer" to the "small visible object", focusing on Lacan's concept of imagination, punishment, reality, mirror stage, gaze and object a. Based on this, it interprets gaze by linking it with the structure of deficiency and anxiety, and the cause of desire, and reads death as "the place of gaze that is always aimed at me," not "the object that I look at." As a prior study, the work of Andy Warhol, Christian Boltzky, Nan Goldin, and Francis Bacon examines how repeated printing, facial archive, autobiographical photography series, and distorted bodies reveal laconic staring structures. At the practical level, the researcher uses the autobiographical recording through a camera as a key methodology, taking his own mental crisis and the experience of collapsing the continuity of life as a starting point. The recording behavior of the camera is understood as the practice of the subject shaking in front of the gaze of death to hold and arrange fragments of his life, and this is embodied as two installation works, 'gaze' and 'invisible gaze'. In 'gaze', photographs taken on the path leading to Japan-Hongdae-Exhibition Space-Japan-Ujiro-Hoseong are composed of black and white collages, and the gaze of "I see the world" is placed in front, and the self-portraits of the ages 1–28, redrawn in the child-like painting style, are added at the top and bottom to reveal the instability of self-image. In 'Invisible Gaze', photos and paintings aged 1–28, are juxtaposed with canvases of different sizes, forming a structure in which "the visible me" and "the invisible me" deviate from each other under the gaze of death. As a result of the study, it was revealed that the death gaze can be understood as a structure that rearranges the direction of the gaze and the position of the subject beyond the subject dimension dealing with a specific subject. Based on Lacan's gaze theory, this study proposes a method of positioning death as an active gaze subject and visualizing the collision between the 'view gaze' and the 'invisible gaze' through autobiographical photo archives and installation formats. This is meaningful in that it understands the visualization of death as a device that shakes the viewer's perception and self-awareness rather than just image representation, and presents a new theoretical and formal framework dealing with death in visual design and visual art.

생성형 AI 도입 이후 브랜드 디자인 활동 체계의 변화 연구 : Engeström 활동 이론에 기반한 분석을 중심으로

김지수 홍익대학교 대학원 2026 국내석사

This study attempts to explore from various angles how Generative AI technology affects the overall activity system of the brand design process. While the existing research focused on the efficiency, creativity, or results of Generative AI, this study attempted to analyze how Generative AI technology caused changes in brand designer perceptions and structural changes in the overall activity system with Engeström's activity theory as an analysis framework. The design of the study adopted an exploratory sequential mixed design that was combined with quantitative analysis based on qualitative research. In the qualitative study, through semi-structured in-depth interviews with 8 brand designers who are applying Generative AI in practice, the changes in the seven elements of the activity system (subject, tool, object, rule, community, division of labor, and result) were analyzed. Based on this, through questionnaire items of quantitative research, the changes in perception before and after AI introduction were numerically compared with 100 designers. The changes observed in qualitative analysis were not limited to changes in individual elements, but five integrated readjustments could be arranged through relationships between elements. First, the work of adjusting the AI-generated output to fit the brand context increased, and the efficiency of idea search increased, but the burden of adjusting and judging the result also increased. In addition, as the boundaries between learning data, copyrights, and sources blurred, the need to re-establish norms and ethical standards was required, and the form of collaboration and division of labor was readjusted differently depending on the size of the organization's shape project. Finally, designers transformed their roles from simple producers to directors who make strategic decisions. The analysis results of quantitative studies also confirmed a similar appearance. As a result of comparing before and after the introduction of AI, a statistically significant numerical increase in the level of awareness of designers was confirmed throughout the activity system, and in particular, large changes in the items of tools, division of labor, rules, and community elements supported the results of qualitative research presented above. Taken together, Generative AI is not just a productivity tool, but affects the entire activity system and creates tensions that reconstruct the existing work process, role classification, and collaboration methods. This study explains these changes as a process of coordinating and expanding the social and cultural practice structure throughout brand design, and aims to provide theoretical and empirical grounds for changes in designers' perceptions through qualitative and quantitative integrated analysis. 본 연구는 생성형 AI 기술이 브랜드 디자인 프로세스의 활동 체계 전반에 어떤 영향을 미치고 있는지에 대해 다각도로 탐색하고자 한다. 기존의 연구는 생성형 AI의 효율성이나 창의성, 또는 결과물에 초점이 맞춰져 있었다면, 본 연구는 Engeström의 활동 이론을 분석 틀로, 생성형 AI 기술이 브랜드 디자이너의 인식 변화와 활동 체계 전반에 어떠한 구조적 전환을 일으켰는지에 대한 분석을 시도했다. 연구의 설계는 질적 연구를 기반으로 정량적 분석과 결합하는 탐색적 순차적 혼합 설계를 채택했다. 질적 연구에서는, 생성형 AI를 실무에 적용 중인 브랜드 디자이너 8인을 대상으로 반구조화된 심층 인터뷰를 통해, 활동 체계 7요소(주체·도구·대상·규칙·공동체·분업·결과)의 변화 양상을 분석했다. 이를 바탕으로 구성된 양적 연구의 설문 문항을 통해, 디자이너 100인을 대상으로 AI 도입 전·후 인식의 변화를 수치상으로 비교했다. 질적 분석에서 관찰된 변화는 개별 요소의 변화에서 그치지 않고, 요소 사이의 관계를 통한 5개의 통합적인 핵심 키워드로 정리할 수 있었다. 먼저, AI가 생성한 산출물을 브랜드 맥락에 맞게 조정하는 작업이 증가했고, 아이디어 탐색의 효율성은 증가했으나 결과물에 대한 조정과 판단에 대한 부담도 함께 증가하는 이중적 양상이 나타났다. 또한, 학습 데이터와 저작권, 출처의 경계가 흐려지면서 규범과 윤리 기준을 다시 정립해야 한다는 필요성이 제기되었으며, 조직의 형태 프로젝트의 규모에 따라 협업과 분업의 형태가 각기 다르게 재조정되는 양상이 나타났다. 마지막으로, 디자이너는 단순한 제작자에서, 전략적 의사 결정을 내리는 디렉터로 역할 변환이 일어났다. 양적 분석에서도 AI 도입 전·후 비교에서 활동 체계 전반의 인식 수준이 통계적으로 유의하게 상승했다. AI 도입 전·후를 비교한 결과, 활동 체계 전반에서 디자이너의 인식 수준에 대한 통계적으로 유의미한 수치적 상승이 확인되었으며, 특히 도구, 분업, 규칙, 공동체 요소의 항목에서 보인 큰 폭의 변화는 앞서 제시한 질적 연구 결과를 뒷받침해 주었다. 종합하면, 생성형 AI는 단순한 생산성 도구가 아닌, 활동 체계 전반에 영향을 끼치며 기존의 업무 과정, 역할 구분, 협업 방식 등을 재구성하는 긴장을 만들어냈다. 본 연구는 이러한 변화를 브랜드 디자인 전반에 걸친 사회·문화적 실천 구조의 조정·확장 과정으로 설명하고, 질적·양적 통합 분석을 통해 디자이너의 인식 변화에 대한 근거를 이론적·실증적으로 제시하고자 한다.

Z세대의 SNS 캐릭터 애착 반응 연구 : 문구로 유발된 지각된 상호작용성이 자기표현 의도를 매개로 애착 반응에 미치는 영향

박주은 홍익대학교 대학원 2026 국내석사

With the recent proliferation of social media services and their integration into everyday life, social media characters have evolved beyond simple visual content into digital content that elicits user responses and participation while expanding the potential for forming emotional relationships. In particular, Generation Z—digital natives—actively express their identity and tastes through social media, and characters likewise function not merely as objects of consumption but as media for self-expression. Within this trend, social media characters elicit user participation and form emotional bonds through participation-inducing content optimized for mobile environments, such as question- and poll-type content, short-form videos, and memes. In particular, social media character content actively employs question-type and response-inducing messages—such as "What about you?"—to ask about users' opinions and experiences and to encourage participation. Accordingly, this study moves beyond the attribute-centered perspective that has predominantly addressed character traits such as attractiveness and familiarity, reconceptualizing the characteristics of social media characters and focusing on interactivity as a core characteristic. pecifically, among various means of inducing interaction, this study focuses on the message as a linguistic design element of content, and systematizes types of interaction-inducing message design through a review of prior research and case analyses of social media content. On this basis, viewing the message as a linguistic content design element distinct from visual elements, this study sought to verify how interaction-inducing messages affect perceived interactivity, and whether a psychological pathway exists in which this leads—via self-expression intention—to an attachment reaction toward the social media character. This study conducted a survey of 222 members of Generation Z born between 1995 and 2006. In addition, based on the types of interaction-inducing messages derived from case analysis, an experimental study was conducted using stimuli representing low and high interaction-inducing conditions. These experimental stimuli were constructed using a fictional social media character, "Gomgomi." To assess the appropriateness of the stimuli, a preliminary survey and manipulation check were used to verify whether the difference in message level was perceived in the intended manner. The findings are as follows. First, the higher the level of the interaction-inducing message in social media character content, the higher the perceived interactivity. Second, the perceived interactivity of the social media character had a positive effect on Generation Z's self-expression intention. In particular, interaction-inducing messages substantially enhanced the perceived personalization dimension, whereas the perceived control dimension had a relatively greater effect on self-expression intention. This suggests that the sub-dimensions of interactivity do not operate identically but perform distinct psychological roles. Third, Generation Z's self-expression intention was confirmed to have a positive effect on the attachment reaction toward the social media character. Fourth, self-expression intention was found to mediate the relationship between the perceived interactivity of social media character content and the attachment reaction. Moreover, this mediating effect was maintained even after controlling for first-impression attractiveness and the overall impression of the social media character. Furthermore, messages including question-type messages, response-inducing messages, and participation requests led users to perceive the possibility of personalized communication, demonstrating that personalized interactivity can be formed through linguistic expression alone. This study is significant in that it extends prior research on interactivity in brand-centered experiences into the context of social media character content, empirically verifying how the interaction-inducing experience of social media characters relates to Generation Z's self-expression intention and attachment reaction. In particular, it extends social media character research from an attribute-centered perspective to a user-relationship perspective, confirming that the attachment reaction may be associated not only with surface-level attributes or favorability but also with the psychological pathway of self-expression intention. In addition, because perceived interactivity differed based on the message alone while the character's visual identity was held constant, the study confirms that linguistic expression such as a message can function as a content design element that influences perceived interactivity distinctly from visual elements. Practically, the study suggests that, in planning social media character content, communication strategies that elicit user participation and response are more important than the mere delivery of information. In particular, it confirms that linguistic expression alone—such as question-type messages—can strengthen users' perceived interactivity, and is expected to contribute to setting future directions for planning and operating social media character content. 최근 소셜네트워크서비스(SNS)의 확산과 이용의 일상화로 인해 SNS 캐릭터는 단순한 시각적 콘텐츠를 넘어 이용자의 반응과 참여를 유도하며 정서적 관계 형성 가능성을 확장하는 디지털 콘텐츠로 발전하고 있다. 특히 디지털 네이티브 세대인 Z세대는 SNS를 통해 자신의 정체성과 취향을 적극적으로 표현하는 특성을 지니며, 캐릭터 역시 단순 소비대상이 아닌 자기표현의 매개체로 기능하고 있다. 이러한 흐름 속에서 SNS 캐릭터는 모바일 환경에 최적화된 질문형·투표형 콘텐츠, 짧은 형식 영상(Short-form), 밈 등 참여 유도형 콘텐츠를 통해 이용자의 참여를 유도하며 정서적 유대를 형성하고 있다. 또한 SNS 캐릭터 콘텐츠에서는 특히 “너는?”과 같은 질문형 및 반응 유도 문구를 통해 이용자의 의견과 경험을 묻고 참여를 유도하는 방식이 활발하게 활용되고 있다. 이에 본 연구는 기존 캐릭터에서 주로 다루어졌던 매력성, 친숙성 등과 같은 속성 중심 관점에서 나아가 SNS 캐릭터의 특성을 재구성하고, 그중 핵심 특성인 상호작용성에 주목하였다. 특히 다양한 상호작용 유도 방식 중 콘텐츠의 언어적 디자인 요소로서의 문구에 주목하였으며, 선행연구와 SNS 콘텐츠의 사례 분석을 통해 상호작용 유도 문구 디자인 유형을 체계화하였다. 이를 바탕으로 비주얼 요소와 구별되는 언어적 콘텐츠 디자인 요소로 보고, 이러한 과정 속 상호작용 유도 문구가 지각된 상호작용성에 어떠한 영향을 미치는지, 자기표현 의도를 거쳐 SNS 캐릭터에 대한 애착 반응으로 이어지는 심리적 경로가 존재하는지를 검증하고자 하였다. 본 연구는 1995년부터 2006년 사이에 출생한 Z세대 222명을 대상으로 설문조사를 실시하였다. 또한 사례 분석을 통해 도출한 상호작용 유도 문구 유형을 바탕으로, 상호작용 유도성이 낮은 조건과 높은 조건의 자극물을 통해 실험 연구로 진행하였다. 이러한 실험 자극물은 가상의 SNS 캐릭터 곰곰이를 활용하여 구성하였다. 또한 자극물의 적절성을 파악하기 위해 예비조사와 조작 체크를 통해 문구 수준의 차이가 의도한 방식으로 지각되었는지를 검증하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫 번째, SNS 캐릭터 콘텐츠의 상호작용 유도 문구 수준이 높을수록 지각된 상호작용성이 높게 나타났다. 두 번째, SNS 캐릭터의 지각된 상호작용성은 Z세대의 자기표현 의도에 긍정적인 영향을 미쳤다. 특히 상호작용 유도 문구는 지각된 개인화 차원을 크게 향상시킨 반면, 자기표현 의도에는 지각된 통제 차원이 상대적으로 더 큰 영향을 미치는 것으로 나타났다. 이는 상호작용의 하위 차원이 동일하게 작동하지 않으며, 각기 다른 심리적 역할을 수행함을 시사한다. 세 번째, Z세대의 자기표현 의도는 SNS 캐릭터에 대한 애착 반응에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 확인되었다. 네 번째, 자기표현 의도는 SNS 캐릭터 콘텐츠의 지각된 상호작용성과 애착 반응 간의 관계를 매개하는 것으로 나타났다. 또한 첫인상 매력도 및 SNS 캐릭터의 전반적인 인상 요인을 통제한 이후에도 이러한 매개효과가 유지되는 것으로 나타났다. 아울러 질문형 문구, 반응 유도 문구 및 참여 요청 등을 포함한 문구는 이용자가 개인화된 소통 가능성을 지각하도록 했으며, 언어적 표현만으로도 개인화된 상호작용성이 형성될 수 있음을 보여주었다. 본 연구는 기존 브랜드 경험 중심의 상호작용성 연구를 SNS 캐릭터 콘텐츠 맥락으로 확장하여, SNS 캐릭터의 상호작용 유도 경험이 Z세대의 자기표현 의도 및 애착 반응에 어떠한 관계를 갖는지 실증적으로 검증했다는 점에서 의의가 있다. 특히 SNS 캐릭터 연구를 속성 중심 관점에서 이용자의 관계 관점으로 확장하였으며, 애착 반응이 표면적 속성이나 호감뿐 아니라 자기표현 의도라는 심리적 경로와 관련될 수 있음을 확인하였다. 또한 캐릭터의 시각적 정체성을 통제한 상태에서 문구만으로 상호작용 지각이 달라졌으므로, 문구 같은 언어적 표현이 비주얼 요소와 구별되어 지각된 상호작용성에 영향을 미칠 수 있는 콘텐츠 디자인 요소로 기능할 수 있음을 확인하였다. 실무적으로는 SNS 캐릭터 콘텐츠 기획 시 단순한 정보 전달보다 이용자의 참여와 반응을 유도하는 커뮤니케이션 전략이 중요함을 제시하였다. 특히 질문형 문구 등 언어적 표현만으로도 이용자의 지각된 상호작용성을 강화할 수 있음을 확인하였으며, 향후 SNS 캐릭터 콘텐츠의 기획 및 운영 방향 설정에 기여할 것으로 판단된다.

친환경 포장 디자인이 화장품 구매의도에 미치는 영향 : 브랜드 진정성의 매개효과와 소비자 친환경 의식의 조절효과를 TOUN28 브랜드 사례를 중심으로

김한솔 홍익대학교 대학원 2026 국내석사

오늘날 전 세계적으로 지속가능성(sustainability)과 ESG(Environmental, Social, Governance) 경영이 기업의 핵심 과제로 부상함에 따라, 화장품 산업에서도 포장 디자인의 친환경화가 중요한 경쟁 요인으로 자리 잡고 있다. 본 연구는 화장품 소비자가 인식하는 친환경 포장 디자인이 브랜드 진정성을 매개로 구매의도에 미치는 영향을 실증적으로 규명하고, 아울러 소비자 친환경 의식 수준에 따른 조절효과를 분석함으로써, ESG 기반의 차별화된 마케팅 전략 수립을 위한 기초 자료를 제공하는 것을 목적으로 하였다. 이를 위해 본 연구는 실제로 친환경 포장재를 적용하여 판매 중인 화장품 브랜드의 제품을 활용하였다. 연구 대상은 서울특별시 강동구 지역의 20세 이상 50세 미만의 여성 소비자 354명이었으며, 이들을 대상으로 대면 설문조사(face-to-face survey)를 실시하였다. 자료 분석에는 SPSS 28.0과 PROCESS Macro(모델 1, 4)를 활용하여 가설 검증을 수행하였다. 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 친환경 포장 디자인의 세부 구성요소인 그래픽, 재료, 구조 인식은 모두 브랜드 진정성에 유의한 정(+)의 영향을 미치는 것으로 나타났다. 즉, 포장의 시각적 메시지, 재질의 환경친화성, 구조적 편의성과 재활용 용이성이 브랜드의 진정성을 강화하는 핵심 요인으로 작용하였다. 둘째, 브랜드 진정성의 하위 요인 중 ‘품질 헌신성’과 ‘전통성’은 구매의도에 유의한 정(+)의 영향을 미쳤으나, ‘신뢰성’ 요인은 직접적인 영향을 보이지 않았다. 이는 소비자들이 브랜드의 진실성 또는 신뢰성을 인식하더라도, 그것이 즉각적인 구매행동으로 연결되지 않을 수 있음을 의미한다. 셋째, 브랜드 진정성은 친환경 포장 디자인 평가와 구매의도 간의 관계를 매개하는 것으로 확인되었다. 즉, 소비자는 포장 디자인의 친환경성을 인식한 후 브랜드가 환경적 책임을 진정성 있게 수행하고 있다고 판단할 때, 해당 브랜드 제품을 구매하려는 의도가 높아지는 것으로 나타났다. 넷째, 소비자의 친환경 의식 수준은 친환경 포장 디자인과 구매의도 간의 관계를 조절하는 요인으로 작용하였다. 흥미롭게도, 친환경 의식이 낮은 집단일수록 포장 디자인에 대한 긍정적 평가가 구매의도로 이어지는 효과가 더 강하게 나타났다. 이러한 역설적 결과를 탐색적으로 분석하기 위해 수행된 심층인터뷰(5명, 반구조화 방식) 결과, 친환경 의식이 낮은 소비자들은 환경적 가치보다는 포장의 심미성·촉감·사용 편의성과 같은 감각적 만족 요인에 주목하며, 이를 통해 심리적 안정감과 긍정적 브랜드 이미지를 형성하는 경향을 보였다. 따라서 이들의 긍정적 반응은 환경 윤리적 의식보다 미적·정서적 만족감과 사회적 트렌드 동조효과에 기인한 것으로 해석된다. 본 연구는 화장품 산업에서 친환경 포장 디자인이 브랜드 진정성을 매개로 소비자 행동에 영향을 미친다는 점을 규명한 것에 의미가 있다. 이는 포장 디자인이 단순히 제품 보호의 기능을 넘어, 기업의 환경적 책임과 철학을 소비자에게 전달하는 상징적 커뮤니케이션 매개체로 기능함을 의미한다. 또한 본 연구는 소비자의 친환경 의식 수준에 따른 차별화된 마케팅 전략의 필요성을 제시하였다. 환경 의식이 낮은 소비자층에게는 심미성과 편의성을 강조한 감각적 포장 전략이 효과적이며, 반대로 환경 의식이 높은 소비자층에게는 ESG 정보 공개, 공급망 투명성, 탄소 저감 실적 등 실질적 환경경영 활동을 명확히 제시하는 전략이 요구된다. 따라서 기업은 친환경 포장 디자인의 물리적 구현을 넘어, 브랜드 진정성 강화와 소비자 가치 지향의 세분화를 통해 ESG 기반의 지속가능한 브랜드 구축을 모색해야 할 것이다. With the global emphasis on sustainability and ESG (Environmental, Social, and Governance) management, the cosmetic industry has increasingly recognized eco-friendly packaging design as a key competitive factor. This study aims to empirically examine the effect of consumers’ perceptions of eco-friendly packaging design on their purchase intention, focusing on the mediating role of brand authenticity and the moderating role of consumers’ environmental consciousness. The research also seeks to provide foundational insights for establishing differentiated ESG-based marketing strategies. To achieve this, products from cosmetic brands that actually utilize eco-friendly packaging materials were selected. A face-to-face survey was conducted with 354 female consumers aged 20 to 49 in the commercial districts of Gangdong-gu, Seoul. The collected data were analyzed using SPSS 28.0 and PROCESS Macro (Models 1 and 4) to test the proposed hypotheses. The findings are as follows. First, the detailed components of eco-friendly packaging design—graphics, materials, and structural awareness—were all found to have a significant positive impact on brand authenticity. That is, the packaging's visual message, the eco-friendliness of the materials, structural convenience, and recyclability served as key factors reinforcing brand authenticity. Second, among the sub-factors of brand authenticity, "Quality Commitment" and "Tradition" had a significant positive impact on purchase intention, while "Trustworthiness" did not show a direct effect. This suggests that even if consumers perceive a brand's authenticity or trustworthiness, it may not immediately lead to purchase behavior. Third, brand authenticity was found to mediate the relationship between eco-friendly packaging design evaluation and purchase intention. In other words, when consumers perceive the eco-friendliness of the packaging design and believe that the brand is genuinely fulfilling its environmental responsibilities, their intention to purchase the brand's products increases. Fourth, consumers' environmental awareness level moderated the relationship between eco-friendly packaging design and purchase intention. Interestingly, the lower the environmental awareness, the stronger the effect of positive evaluations of packaging design on purchase intention. As a result of in-depth interviews conducted to explore these paradoxical results (5 people, semi-structured method), consumers with low eco-consciousness focused on sensory satisfaction factors such as the aesthetics, touch, and ease of use of packaging rather than environmental values, and through this, they tended to form a sense of psychological stability and a positive brand image. Therefore, it is interpreted that their positive responses are due to the effects of aesthetic and emotional satisfaction and social trend coordination rather than environmental ethical consciousness. This study is meaningful in clarifying that eco-friendly packaging design influences consumer behavior through brand authenticity in the cosmetics industry. This means that packaging design goes beyond simply protecting products and functions as a symbolic communication medium that conveys a company's environmental responsibility and philosophy to consumers. In addition, this study suggested the need for differentiated marketing strategies according to the level of eco-consciousness of consumers. Sensory packaging strategies emphasizing aesthetics and convenience are effective for consumers with low environmental consciousness, and on the contrary, consumers with high environmental consciousness are required to clearly present practical environmental management activities such as ESG information disclosure, supply chain transparency, and carbon reduction performance. Therefore, companies should move beyond the physical implementation of eco-friendly packaging and focus on strengthening brand authenticity and segmenting consumer value orientations to build sustainable, ESG-driven brands.

발현된 악몽을 재현한 몰입형 영상 작품 연구

이연규 홍익대학교 대학원 2025 국내석사

This practice-based study originates from the researcher’s recurring experiences of nightmares and explores how these experiences are connected to the inner psychological state, ultimately examining ways to visually reconstruct them. Dreams are psychological and sensory phenomena that naturally arise from the human psyche and possess a unique structure that transforms unconscious content into audiovisual imagery. In particular, nightmares evoke intense negative emotions and symbolically manifest repressed desires, anxieties, and internal conflicts. This study approaches nightmares not merely as frightening experiences, but as mechanisms that may enhance one's coping ability in real-life fear-inducing situations. It investigates how nightmares function as a means of releasing real-life stress and negative emotions and how such experiences can be transformed into a positive force for everyday life. Furthermore, it analyzes the process of translating nightmare content into a visual art form. The conceptual framework of the creative work draws on Sigmund Freud’s theory of “dream-work” and Carl Gustav Jung’s notions of symbols and archetypes. Freud’s model, including mechanisms such as condensation, displacement, secondary revision, and symbolism, along with his topographical model of the psyche (conscious–preconscious–unconscious), is used to theorize how repressed desires are transformed into symbolic dream images. Jung, on the other hand, interprets dreams as symbolic expressions of the collective unconscious and a path toward individuation. These theories are not applied as analytical tools but serve as conceptual reference points throughout the creative process, providing a psychological language for constructing and interpreting imagery. The artwork is based on a first-person dream diary, with recorded experiences and emotional states organized into a narrative scenario. Using Cinema 4D and VR technology, the dream is rendered into an immersive space. VR allows for a sensory experience and level of immersion not possible with flat media, inviting viewers to enter the ‘interior’ of the dream. Immersive video techniques inspired by Dreamcore and Liminal Space aesthetics are employed to evoke sensory anxiety, positioning the viewer not as a passive observer but as an active participant within the dreamscape. Additionally, AI-generated music is incorporated to weave emotion into each dream sequence, enhancing the sensory immersion. The spatial design begins with recognizable real-world settings, but these spaces gradually collapse or distort structurally, intensifying psychological tension and unconscious anxiety. Nightmares are interpreted here as emotional patterns that recur throughout the researcher’s life and as a psychological form of breathing essential for survival. Based on this understanding, the study proposes the central theme: "Dream = Breath," suggesting that nightmares, while distressing, can serve as a catalyst for survival and vitality in the real world. The nightmares represented in this project are not mere reproductions; rather, through VR’s immersive features, sound design, and dynamic viewpoints, they provoke sensory responses and induce immersive viewer experiences. This research is both an experiment in personal emotional processing and an exploration of artistic representation. Dreams, to the researcher, are akin to breath—especially nightmares, which paradoxically distress and enliven. This study presents a case of artistic practice demonstrating how an unreal and deeply personal experience such as a nightmare can be visually reconstructed and how such representation can be translated into immersive experiences for an audience. 본 연구는 반복적으로 악몽을 꾸는 개인적인 경험에서 출발하여 그것이 연구자의 내면 심리 상태와 어떤 방식으로 연결되는지를 탐색하고 이를 시각적으로 재현하는 방법을 고민한 작업 중심의 연구이다. 꿈은 인간의 내면에서 자연스럽게 생성되는 심리적·감각적 현상이며 무의식의 내용을 시청각적 이미지로 구성하는 독특한 구조를 지닌다. 특히 악몽은 강한 부정적 정서를 불러 일으키고 개인의 억압된 욕망, 불안, 갈등 등이 상징적으로 표출되는 형태로 나타난다. 이러한 악몽을 단순한 공포 체험이 아니라 실제 현실에서 공포를 느꼈을때 대응력을 향상시킨다는 장점에 주목했고, 악몽이 연구자에게 악영향을 끼치는 것 보다 현실에서 느낀 스트레스와 부정적인 감정들을 꿈을 통해 해소하여 현실의 삶에 긍정적인 요인으로 작용하는 과정을 연구하고 악몽의 내용을 시각예술의 형식으로 재현하는 과정을 분석했다. 이론적 틀은 지그문트 프로이트(Sigmund Freud)의 ‘꿈작업(dream-work)’과 융의 상징 및 원형 개념을 참고했다. 프로이트의 ‘꿈작업’이론(압축, 치환, 이차적 변형, 상징)과 ‘정신의 지형학적 모델’(의식-전의식-무의식)을 중심으로 꿈의 생성 원리를 이론적으로 정리하고, 억압된 욕망이 꿈에서 어떻게 압축되고 치환되어 상징화되는지를 설명했다. 칼 구스타프 융(Carl Gustav Jung)은 꿈을 집단무의식과 자아 통합의 상징적 표현으로 해석했다. 이론은 작업의 직접적인 분석 기준이라기보다 연구자가 작업을 구상하고 이미지를 구성해 나가는 과정에서 작업의 근거를 위해 참고했다. 작품은 꿈 일기를 바탕으로 한 1인칭적 경험과 감정 기록을 시나리오로 정리하고 Cinema 4D와 VR 영상 매체를 통해 몰입형 공간으로 구현했다. VR은 평면 매체로는 전달할 수 없는 몰입감과 감각적 공간 체험을 가능하게 하며, 관람자가 꿈의 ‘안쪽’에 들어선 듯한 경험을 유도한다. 리미널 스페이스(Liminal Space), 드림코어(Dreamcore)의 몰입형 영상 연출 기법을 통해 감각적 불안을 유도하며 관람자는 단순한 관객이 아닌 '꿈속을 체험하는 자'로 위치한다. 아울러 AI 기반 음악 생성 도구를 활용해 꿈의 장면마다 감정을 극대화하는 음악을 구성하고, 이를 통해 오묘하고 기괴한 분위기를 강화하며 감각적 몰입을 유도했다. 특히 공간 디자인은 현실 공간을 바탕으로 하지만 점차 구조적으로 붕괴되거나 왜곡되며 무의식적 불안과 심리적 긴장을 촉진하는 구조로 연출되었다. 악몽은 연구자 본인의 삶에서 반복적으로 등장한 감정적 패턴이자 생존을 위한 정신적 호흡의 통로로 해석되었다. 이를 기반으로 본 논문은 ‘꿈 = 숨’이라는 주제 의식을 제시하며, 악몽은 연구자가 현실에서 생존 의지를 자극하는 자극제가 될 수 있음을 드러냈다. 작품 속 악몽은 그저 재현된 것이 아니라 VR의 특성과 음악 디자인, 움직이는 시점 등을 통해 관람자의 감각을 자극하고 몰입적 체험으로 전이된다. 이 연구는 이론을 바탕으로 한 개인적 감정의 실험이자 예술적 재현의 탐색이다. 꿈은 연구자에게 ‘숨’과도 같은 것이며 특히 악몽은 연구자를 괴롭히는 동시에 살아 있게 만드는 역설적 에너지다. 이 연구는 악몽이라는 비현실적이고 개인적인 경험이 어떻게 시각적으로 재현될 수 있는지, 그 재현이 어떻게 관람자에게 몰입적인 경험을 느끼게 할 수 있는지를 보여주는 예술적 실천의 사례로 볼 수 있다.

놓지 못하는 물건들 : 저장강박자의 사물 애착 아카이브북

김지연 홍익대학교 대학원 2025 국내석사

본 연구는 저장강박증(Hoarding Disorder)을 단순한 병리적 증상이 아닌, 물건에 담긴 감정 구조의 시각적 해석 대상으로 접근하고자 하였다. 사람들은 물건을 쉽게 버리지 못하는 이유로 ‘나중에 필요할 것 같아서’, ‘과거의 추억이 담겨 있어서’ 등의 정서적인 이유를 내세우며, 심리적 불편과 상실의 불안을 회피하고자 한다. 이는 단순한 정리 실패가 아닌 복합적이고 구조적인 감정 상태의 반영이라고 볼 수 있다. 본 연구는 이러한 감정의 복잡성을 시각디자인 언어로 어떻게 번역할 수 있을지 실험적으로 탐색한다. 연구자는 저장 성향을 지닌 자기 자신을 연구 대상으로 설정하고, 오랜 기간 보관해 온 개인 소장 물건 200개를 선정했다. 초기에는 350여 개의 물건을 채택하여 조사하고, 감정적으로 버리기 어려웠던 경험이 있거나, 기억·애착·필요성 중 하나 이상과 명확히 연결되는 물건을 기준으로 대표성 높은 200개를 최종 선정했다. 각 물건은 ‘애착도’, ‘기억의 연관성’, ‘일상의 필요성’이라는 세 가지 기준에 따라 각 항목당 최대 5점으로 감정 점수를 부여하고, 총점(최대 15점)을 산출했다. 이 감정 점수는 물건이 마음속에서 차지하는 정서적 비중을 수치화한 지표로, 이를 시각적으로 치환하기 위해 세 가지 크기의 정사각형 책(100mm, 200mm, 300mm)을 설정하였다. 세 가지 크기는 감정 점수의 상대적 밀도 차이를 뚜렷이 구분하면서도, 조형적으로 균형 잡힌 시각 질서를 유지할 수 있도록 100:200:300이라는 정비례 구조로 설계되었다. 특히 정사각형이라는 형태는 면적 계산의 명확성과 감정의 ‘심리적 공간성’을 직관적으로 전달할 수 있다는 점에서 채택되었으며, 책의 물리적 크기 변화를 통해 감정의 무게감을 공간적으로 인식할 수 있게 한다. 즉, 책의 크기가 커질수록 그 안에 담긴 감정이 더 크고 깊다는 시각적 은유를 형성하며, 점수가 높은 물건일수록 더 큰 책에 배치되도록 했다. 북 디자인 작업에서는 하프톤(Halftone) 기법을 활용해 감정의 흐릿함, 기억의 왜곡, 시간성 등을 시각적으로 암시하였다. 감정 점수는 단순한 수치가 아닌, 감정의 크기와 밀도, 모호함을 시각적으로 전환하는 장치로 기능한다. 이러한 접근은 저장된 물건이 단순한 소유물이 아닌, 정체성과 감정이 응축된 개인 아카이브임을 드러낸다. 결과적으로 본 연구는 비가시적인 감정을 면적 단위로 나타내고 시각화하는 방법론을 통해, 디자인이 감정 구조를 해석하고 소통하는 도구로 확장될 수 있음을 보여준다. 감정의 층위를 물리적 크기로 전환하는 이 실험은, 시각디자인이 심리적 공간을 탐색하고 표현하는 하나의 전략이 될 수 있음을 시사한다. 이는 향후 감정 기반 커뮤니케이션이자 자기 서사형 디자인 연구로의 확장 가능성을 제시한다. This study approaches hoarding disorder not as a purely pathological condition, but as a subject for visual interpretation of the emotional structures embedded in possessions. People often hesitate to discard objects for emotional reasons such as "I might need it later" or "it holds precious memories," revealing an attempt to avoid psychological discomfort and the fear of loss. Such behavior is not merely a failure of organization, but rather a reflection of a complex and structured emotional state. This study explores how such emotional complexity can be translated into the language of visual design. The researcher selected herself as the subject of study, identifying 200 personal items that had been kept over a long period. Initially, about 350 objects were considered, and from these, 200 were chosen based on their emotional significance—particularly those associated with experiences of difficulty discarding or a clear connection to one or more of the following: memory, attachment, or necessity. Each item was evaluated based on three criteria: level of attachment, relevance to memory, and necessity in daily life. Each criterion was scored using a 5-point scale, producing a total emotional score of up to 15 per item. These emotional scores served as a quantified index of the psychological weight each object holds. To visualize this, three square-shaped books—measuring 100mm, 200mm, and 300mm—were created. The proportional structure of 100:200:300 not only clarifies the differences in emotional density but also maintains visual harmony. The square format was chosen for its clarity in conveying area and its intuitive association with the “psychological spatiality” of emotions. As such, the varying book sizes function as spatial metaphors: the larger the book, the heavier and deeper the emotional weight of the object contained within. Items with higher scores were placed in larger books. The book design employed halftone techniques to visually imply the blurriness of emotion, distortion of memory, and passage of time. Emotional scores function not as mere numbers, but as devices that translate the density, ambiguity, and depth of emotion into visual terms. This approach reveals that stored objects are not just belongings but are personal archives infused with identity and emotion. Ultimately, this study proposes a methodology for visualizing intangible emotions through area-based representation. It demonstrates how design can serve as a tool to interpret and communicate emotional structures. By translating emotional layers into physical dimensions, this experiment suggests that visual design can be a strategic medium for exploring and expressing psychological space. Furthermore, it opens up new possibilities for emotion-based communication and auto-narrative design research.