조희룡의 예술론 연구

김만선 조선대학교 대학원 2014 국내석사

A Study on the theory of art in Cho Hee-Ryong Kim, Man-Sun Advisor : Prof. Cho, Song-Sik, Ph.D. Department of Aesthetics and Art History Graduate School of Chosun University This paper is to study works of Cho Hee-Ryong(1789-1866) who led a group of painters in the literary artist's style of the late Joseon Dynasty era. The reason to focus on Cho Hee-Ryong's works is because he did not follow the flow of the time while Joseon faced great social and political changes and while he suffered from the pain of being exiled. He emphasized originality instead of following the flow and made himself an excellent example as an artist with personality. Main text of the paper is 6 volumes of the Complete Works of Cho Hee-Ryong published by Hangil Art in 1998. Cho Hee-Ryong was born in Yangjoo, Gyeonggi Province in 1789, and died in 1866 at the age of 77. He actively interacted with the middle class. With his friend Yoo Choi-Jin, he formed 'Byuk-Oh-Si-Sa(碧梧詩社)' and shared friendships through poems and paintings. Culture and art of the time was motivated by scholarship and culture of the Qing Dynasty. Study and culture developed with Kim Jung-Hee in the center, the Enlightenment Thought grew, gap between different social classes narrowed, and commoners' literature prospered. There are different opinions on if Cho Hee-Ryong were one of disciples of Kim Jung-Hee who was the leader of culture at the time. However, considering researches done so far, Cho Hee-Ryong could have greatly affected by Kim Jung-Hee due to difference in their social classes. The most important ideas of Cho Hee-Ryong's works are 'Amusement(遊戱論)' and 'Handicraft(手藝論).' Center of his poems, writings, and paintings is in pursuit of 'amusement,' 'play and have fun.' He emphasized handicraft that focuses on painter's skill than painter's ideology. It seems that development of Cho Hee-Ryong's own artistic opinion was based on realization of his social rank as a commoner. Artists who appear in Cho Hee-Ryong's book, Ho-San-Oe-Gi(壺山外記) are mostly commoners. In pattern of their behavior, criticism on the social class is embedded. Due to criticism based on self-realization of his social class, he did not stop at imitating works of the upper class, but built his own world of art. Cho Hee-Ryong's view on understanding poems stood with unity of poem and painting(詩畵一致). He especially focused on putting painting in the poem. By seeking pictorial image in poems, he escaped from political ideology criticizing the system, and pursued free and pure art. Cho Hee-Ryong used poetic concept to voice his opinion on paintings. He added comprehensive and detailed thoughts based on theory of Namjong literary artist's style formed in late Ming Dynasty. His Mooklando, ink painting of orchid, was affected by Kim Jung-Hee, but he did not insist on technique of the time. His drawings of bamboo were finished in a place of exile. Cho Hee-Ryong admitted his bamboo drawings were influenced by Jung Pan-Gyo, but still adhered to his own style saying that 'at the end, it is just my way.' He loved plum blossom very much and drew many pieces of it. Under influence of plum blossom drawings from the Qing Dynasty, he changed composition and developed calligraphic and glamorous style with his own touch. He was a commoner. Still he opened his own world of art by reinterpretation of Chinese Namjong Paintings using Joseon's sentiment and artistic sense. Especially, he did not stop at absorbing Kim Jung-Hee's influence. He created his own works with his own theory. The most important years of his life as an artist were 3 years of exile. He was exiled to Imjado at the age of 63. The exile gave him a great deal of shock, but it worked as a chance to mature his work. Lessons that can be learnt from Cho Hee-Ryong's work are as following. First, he stressed creativity and sensitivity of an artist while fully understanding the tradition. He also emphasized 'amusement' that let an artist freely express his emotion in work, and 'handicraft' that highlights skill of an artist. Second, he also created painting in the literary artist's style as an independent area of art. Before Cho Hee-Ryong, it was considered as leisure for a nobleman. Third, he emphasized originality of art. It is a part that stands out in Cho Hee-Ryong's work. He opened his original world of art with spirit of 'never follow other's foot step(不肯車後).' This study shows that Cho Hee-Ryong's art world is in context of traditional literary artist's style. But it is different from current of the time and the difference came from his experience of exile. Cho Hee-Ryong's work that inherited tradition of literary artist's style, took unique characteristic of the time independently, and created with his own personality provides modern culture and art with great lessons.

1970년대 한국의 실험미술 : -<A.G>와 <S.T>를 중심으로-

이혜원 조선대학교 대학원 2017 국내석사

무의식적 색채표현을 통한 채색화 연구-연구자의 작품을 중심으로

송화영 조선대학교 대학원 2017 국내박사

모든 예술작품에는 작가의 사상이 담겨 있다. 그 사상에는 작가의 생활환경 등에서 비롯된 무의식, 사상이 작용한다. 그것은 색, 문양들로 압축될 수 있다. 내가 작업하고 있는 방식에도 물론 이와 같은 한민족의 의식이 표출되고 있다. 물론 작업과정에서 시대마다 변화되는 작업양식, 재료적 차이가 그 속에 담겨있다. 무의식적으로 교차된 선 사이에서 꽃, 물고기 등 다양한 형상들이 나타난다. 그것은 선들의 조합을 통해 우리 삶 속에 있는 형상들이 비춰진다. 곧, 내 삶속에 함께해온 형상들이다. 그것은 지금으로부터 수백 년 동안 축적된 우리의 전통이 유물 등을 통해 전해진 것들이다. 오늘날 많은 작가들이 이를 빌어 현대에 들어 수많은 매체들과 재료들을 통해 이를 표현하려고 한다. 하지만 그들이 선택한 방법들은 얼마가지 않아 훼손되거나 본래 모습이 사라져버리는 위기에 처하는 것도 사실이다. 보존에는 무관심한 채 새롭고 강렬한 효과에만 치중한 나머지 작품보존에는 등한시한 결과라 할 수 있다. 내 작품을 연구함에 있어 우리 선조들의 사상이 담긴 문양의 효과적인 표현방법이 종이 위에서 이뤄져야 하는 만큼 종이의 산화와 안료 박락의 원인을 밝힐 필요가 있다. 이는 내가 작업해 왔던 환경을 점검하면서 시작되었다. 온습도에 의한 작업방향, 그에 따른 형상들의 변화가 내 작업방향을 결정지었다. 그것은 지금까지 나무든, 돌이든, 종이든, 혹은 헝겊과 같은 지지체 위에 안료를 이용해 의식을 담아나고자 하는 많은 작가들의 작품들이 보존되지 못하고 사라져버리거나 그럴 위기에 처한 것만 보더라도 본 연구의 중요성을 알 수 있다. 이를 대처하기 위해 사용하고 있는 재료연구가 필요했다. 그 과정에서 현대미술사에서 중요한 위치에 있는 오브제에 대한 미술사적 의미를 내 작업을 통해 찾는다. 나는 내 작품에서 한지와 천을 도입할 수밖에 없었던 배경을 안료의 성분과 전색제의 사용에서 발견했다. 그 과정에서 오브제의 도입 방법과 그 효과 등을 말하고자 한다. 서양에서 시작된 현대미술운동이지만 이를 통해 한국 현대미술의 기저에 깔려있는 사상을 좀 더 발전된 모습으로 부활시키고자 한 것이다. 이는 현대와 고대를 이어주는 가교역할을 하고 있는 것이다. 이를 위해 과학적인 분석방법과 함께 고전의 자료수집이 이뤄졌다. Abstract Every work of art contains the artist’s idea. The idea is activated by the unconscious, which stems from the author's living environment. It can be compressed with colors and patterns. Of course, the same Korean consciousness is being expressed in the way I work. Of course, the work-forms and material difference that change with the times are embedded in the work process. Unconsciously, flowers, fish, and various other shapes appear between the lines. It shows the shapes in our lives through the combination of the lines. Soon, they were my images in my life. It is the relics that have been handed down through time from our tradition of accumulating over the past few hundred years. Today, many artists are using various material as an expression of many media and materials. However, it is also true that the methods they have chosen are in danger of being damaged or lost in action. It is the result of being indifferent to conservation and concentrating only on the new and powerful effects of preserving the work. In studying my work, I need to explain the causes of oxidation of paper and pigmentation, as an effective expression of our ancestors ideas is to be made on paper. It began by checking the environment I had worked on. The direction of work due to, and the changes in the shape, determined the direction of my work. It is so far a matter of wood, stone, paper, or cloth from which many artists works that use pigments to create consciousness would not be preserved or would otherwise disappear. Research on materials being used to cope with this was needed. In the process, I discovered the historical meaning of art about objects that are important in contemporary art history. I found that the background of introducing korean paper and cloth in my work involved the use of pigments and color pigments. In the process, I would like to talk about how to introduce objects and their effects. Although a modern art movement has started in the West, it is intended to revive the thoughts underlying contemporary art in Korea as more developed. This is the bridge between modern and ancient times. For this, classical data were collected along with scientific analysis methods.

조선후기 능호관 이인상의 문인화세계 연구

김송이 조선대학교 대학원 2016 국내석사

Abstract A study on the Literati Painting of Neung-ho-kwan Lee In-sang in Late Chosun Period. Kim Song Ei Advisor :Prof. Cho Song Sik Department of Aesthetic and Art History Graduate School of Chosun University Neung-ho-kwan Lee In-sang earned a reputation as the literati painter who portrayed plainly but clearly in late Joseon Dynasty. He was from loyal family but his grand-grand father was concubines son. Thus, he lived in paradox of position for his whole life. According to his literary work, however, he associated with more than one-hundred people, and there were a lot more people who respected him due to his state of consciousness and his paintings even after he died. He is well-known as a painter who mastered the style of literati painting, which was introduced in the middle of the Joseon Dynasty and then became popular around the end of the Joseon Dynasty. The painting of literati does not put emphasis on just portraying a form, but on understanding by seeing through true nature, which we call spiritual art style. In other words, people can get sense of artist’s personality by appreciating artist’s art work based on internal aspects. Nobody knows when the painting of literati started, but we can guess that according to the 南北宗論 which is started by Dong Gi-chang, it was originated in 渲染法 by Wang Yu from Tang Dynasty. The painting of Literati portrays the spirit or intelligence of the painter formatively, and it is introduced by the books which were brought by some people who adventured in the middle of Joseon Dynasty. To name a few books, for example, there were『芥子園畵傳』or 『唐詩畵譜』. Lee In-sang did not leave any theory about his style of painting, but we could speculate from his art works. From the letter which Lee sent to Kim Sang-suk, we could guess that he emphasized the clearness and liveliness of spirit(筋骨氣韻). From the quotation of the Kim Jung-hee who mastered calligraphic works in the late Joseon Dynasty, he could understand what the ‘文字香’ and ‘書卷氣’ truly were, so he spoke very highly of Lee’s world of art when he saw style of painting and writing.

김용준의 미술 비평과 미술론 연구 -1930년대 한국 화단을 중심으로-

윤지수 조선대학교 2014 국내석사

조선시대 후기 화조화 연구 : 새그림을 중심으로

강소라 조선대학교 대학원 2013 국내석사

이응노 작품에서의 디아스포라 특성에 관한 연구 : 1980년대 <군상(群像)> 연작을 중심으로

이민주 조선대학교 2019 국내석사

고유섭의 한국미론에 대한 고찰 : 노장사상의 무위자연을 중심으로

이슬비 조선대학교 대학원 2013 국내석사

드랙 퀸의 패션스타일에 나타난 미적 특성 연구 : 루폴의 드랙 레이스를 중심으로

조고미 조선대학교 대학원 2021 국내박사

21세기 현대 사회는 젠더의 정체성 변화와 유동적 가능성에 의한 젠더의 확장성이 커지는 양상을 보이고 있다. 또한 불확정 성정체성으로 인한 예측 불가능한 젠더의 탄생이 진행될 것이며 다양한 섹슈얼리티의 등장이 진행될 것으로 예견하고 있다. 이제 남성성과 여성성의 경계를 구분짓고 생물학적 성에 따른 역할 기대를 규정하는 것은 무의미해지고 있으며 이러한 경향은 패션스타일에도 영향을 미치고 있다. 주디스 버틀러는 성 담론을 통해 드랙 퀸은 ‘젠더의 수행성’을 이행하고 있는 좋은 예가 되고 있음을 밝히고 있다. 즉 드랙들은 드랙 퀸이라는 행위를 통해 성정체성과 섹슈얼리티를 표현하고 있으며 이러한 행위의 반복을 통해 패러디가 아닌 원본을 전복하는 ‘젠더의 수행성’을 이행하고 있다고 주장한다. 드랙 퀸에게 있어 패션스타일은 이러한 젠더의 수행을 이행하는 중요한 수단으로 사용되고 있으며 지배문화에 대한 의도적 불만을 담은 하위문화로서 정치적, 사회적 성향을 띤 새로운 패러다임을 제시하고 있다. 본 연구에서는 드랙 퀸 집단에서 패션스타일이라는 매개체를 드랙 퀸의 섹슈얼리티와 젠더 수행에 어떻게 사용하고 전략화시키고 있는지를 알아보고자 하였다. 또한 드랙 퀸이 표현하고자 하는 의도가 패션스타일을 통해 정확하게 전달되어 나타나고 있는지를 확인하고 더 나아가 드랙 퀸의 미적 특성 중 어떤 요인을 가장 부각시키고 있으며 향후 변동 추이의 변화는 어떻게 예상할 수 있는지에 대해 논하고자 하였다. 본 연구 결과를 통한 논의는 다음과 같다. 첫 번째는 드랙 퀸의 패션스타일의 표현 특성에 따른 젠더 표현 양상, 드랙 퀸의 미적 특징에 대한 세부적인 패션스타일 요인들의 빈도 분석과 시즌별 패션스타일 요인의 차이를 확인하여, 젠더 표현 양상과 드랙 퀸의 미적 특징과의 연계성과 드랙 퀸의 정체성에 대한 자아표현이 드랙 퀸의 패션스타일에 표출되고 있다는 점을 규명하였다. 두 번째는 드랙 퀸의 패션스타일 분석을 통해 현재 선호되고 있는 패션스타일 양상과 향후 변화될 수 있는 드랙 퀸의 패션스타일의 변화 추이 분석을 통해 드랙 퀸 패션스타일에 대한 가변성에 대해 제시하였다. 패션스타일의 분석 과정을 통해 시즌 상반기와 하반기의 패션스타일 추구 요인들의 미세한 변화가 감지되었고, 전형적 여성성의 젠더 표현 양상과 전형성의 드랙 퀸의 미적 특성 외에 새로운 패션스타일 요인들의 증가 추세를 확인하였다. 따라서 드랙 퀸의 패션스타일이나 젠더 표현 양상, 드랙 퀸의 미적 특징이 확정성이 아닌 불확정적 미적 표현임을 제시하였다. 세 번째는 드랙들은 패션스타일을 통해 자신들의 미적 특성을 각자가 지닌 취향과 성향에 따라 개성적으로 표현하고 있음을 알 수 있다. 그리고 개인이 지니고 있는 성정체성에 대한 사고도 패션스타일에 영향을 미치고 있음을 알 수 있다. 단편적인 예로 인공가슴을 착용과 가슴까지 드러내는 네크라인 형태를 들 수 있는데, 전형적 여성성에서 벗어난 이와 같은 패션스타일 요인들은 드랙 퀸의 개인적 패션스타일과 젠더 표현에 영향을 주고 있음을 알 수 있다. 실제 시즌의 상반기와 하반기를 비교해 봤을 때 인공가슴 착용과 가슴을 드러내는 네크라인, 퍼포먼스 등이 하반기로 갈수록 증가하고 있어서 드랙 퀸들의 성정체성에 대한 젠더 양식의 변화를 감지할 수 있었으며, 드랙들의 개인 차에 의해 인공가슴 착용과 네크라인 선택의 선호도가 분명하게 드러나고 있음을 알 수 있었다. 논의에서 살펴본 바와 같이 드랙 퀸들은 하위문화로서의 저항적 성향을 지닌 집단으로 그들만의 패션스타일 표현을 통해 성정체성 담론을 형성해 나가고 있다. 또한 주디스 버틀러의 논점이었던 ‘젠더 수행적 관점’이라는 측면에서 드랙 퀸의 패션스타일은 이분법적 사고의 전복을 꾀하는 규범의 변동 가능성을 모색할 수도 있는 방안으로 제시될 수 있음을 확인하였다. 본 연구의 제한점은 다음과 같다. 본 연구는 ‘루폴의 드랙 레이스’라는 미국 TV 프로그램에 등장하는 각 시즌별 수상한 대상자를 중심으로 패션스타일에 대한 연구를 진행하여 연구 분석 대상에 대한 한계성을 지니고 있다. 그리고 경연프로그램에 등장하는 드랙 퀸을 대상으로 하다보니 현실적인 드랙 퀸의 패션스타일보다는 경연 주제에 따른 패션스타일로 규정화되고 있을 수 있다는 한계성을 갖는다. 그러나 제시한 한계성에도 불구하고 의상스타일과 메이크업스타일, 헤어스타일에 이르는 구체적인 패션스타일의 분석유목을 제시하고 이에 대한 연구를 진행하였다는 점과 패션스타일에 나타난 젠더 표현 양상에 대한 연구를 진행한 점 그리고 패션스타일에 따른 드랙 퀸의 미적 특성에 대한 분석을 진행하였다는 데 의의가 있다. 따라서 향후 연구에서는 앞서 제시한 연구대상에 대한 제한점을 보완하여 보편적이고 현실적인 드랙 퀸의 패션스타일에 따른 분석 연구가 진행되어야 할 것이며, 드랙 퀸의 패션스타일의 요인들의 변동 추이에 따른 향후 드랙 퀸의 패션스타일의 변화 분석과 젠더성, 드랙 퀸의 미적 특성 변화에 관한 지속적인 연구가 필요할 것으로 사료된다. Modern society in the 21st century is showing signs of increasing gender expansion due to changes in gender identity and the fluctuation possibility of gender. People also anticipate unpredictable gender will keep being produced and various sexualities will emerge due to the uncertainty of gender identity. Nowadays, it is becoming meaningless to distinguish the boundary between masculinity and femininity and to define the role expectations based on biological sex, and this tendency also influences fashion styles. Judith Butler's discourse about sexuality reveals that a drag queen is a good example of implementing gender performativity. In other words, drag queens argue that they express gender identity and sexuality through their actions and that they are implementing the gender performativity of subverting the original, not parody, through the repetition of these actions. For drag queens' fashion styles are being used as an important means of implementing gender performativity and presenting a new paradigm of political and social orientation as a subculture of intentional dissatisfaction with the dominant culture. In this study, I tried to find out how the medium of fashion style is used and strategized in the drag queens’ group for implementing sexuality and gender performativity. In addition, I tried to confirm whether the intentions that drag queens are trying to express are accurately conveyed through fashion styles and further discuss which factors among the drag queens‘ aesthetic characteristics are most highlighted and how changes in future trend of fluctuation can be expected. The discussions through the findings of this study are as follows. First, the gender expression pattern according to the expression characteristics of the drag queens fashion style, the frequency analysis of the detailed fashion style factors for the aesthetic characteristics of drag queens, and the differences of the fashion style factors by season were identified. It was clarified that the connection of the gender expression pattern with their aesthetic characteristics and the self-expression pattern of drag queens' identity were expressed in their fashion style. Second, through the analysis of drag queens' fashion style, the current preferred fashion style and the change of their fashion style that may change in the future were analyzed from the perspective of change trend to present the variability of their fashion style. Through the fashion style analysis process, subtle changes in fashion style pursuit factors in the first and the second half of the season were detected, and the increasing trend of new fashion style factors in addition to the gender expression pattern of typical femininity and their aesthetic characteristics of typicality were confirmed. Therefore, it was suggested that drag queens' fashion style, gender expression pattern, and their aesthetic features were not definite but indeterminate aesthetic expressions. Third, it can be seen that drag queens express their aesthetic characteristics in a unique way according to their tastes and inclinations through fashion style. In addition, it can be seen that their thoughts on the sexual identity of an individual also have an influence on the fashion style. Fragmentary examples include wearing artificial breasts and the shape of the neckline that exposes breasts, and it can be seen that such fashion style factors deviating from normal femininity influence drag queens' personal fashion style and gender expression. When comparing the first half of the actual season with its second half, the changes in the gender style of the drag queens' gender identity was detected as the wearing of artificial breasts, neckline that exposes chest, and performance were increasing also in the second half of the season. It can be seen that their preferences for wearing an artificial chest and choosing a neckline are clearly revealed. As explained in the discussions, drag queens are a group of people with resistance tendency as a subculture, forming a sexual identity discourse through the expression of their own fashion styles. In addition, in terms of points of gender execution that is Judith Butler's issue, it has been confirmed that drag queens' fashion styles can be presented as a way to explore the possibility of changes in norms that seek to overthrow dichotomous thinking. The limitations of this study are as follows. This study has a limitation on the subject of research analysis by conducting the research on fashion style centering on the winners of each season appearing in the American TV program Rupul's Drag Race. In addition, as it targets drag queens appearing in the contest program, it has a limitation that the fashion style mentioned above has been defined and may be defined as a fashion style according to the contest theme rather than their realistic fashion style. However, despite the limitations presented above, this study is significant in the sense that the items and kinds of the analysis on the specific fashion styles, including clothing, make-up, and hair styles, were presented and then were studied, and the study on the gender expression pattern in fashion style was conducted, and the analysis of the drag queens' aesthetic characteristics was conducted according to the fashion style. Therefore, in future research, analysis of drag queens' general and realistic fashion style should be carried out by supplementing the limitations of the research subjects presented above. It is expected that continuous research on changes in the fashion style, gender, and aesthetic characteristics of drag queens will be needed according to the changes in their fashion style factors.

북한 조선화의 태동과 발전 및 조형적 특성 연구 : 월북화가들과 미술단체 및 교육기관을 중심으로

오혜정 조선대학교 대학원 2023 국내석사

This study examines the process by which oriental painters who pursued the aesthetics of national art based on the traditional national spirit from the Japanese colonial period to the liberation of Korea came to North Korea due to differences in ideology and laid the foundation for Chosunwha. The purpose of this paper is to examine and analyze the process by which oriental painters who went to North Korea developed and established Chosunwha, which is a representative genre of North Korean art today, in the wasteland of the North Korean art world, through connections with art-related organization and educational institution. During the Korean War in the 1950s, artists who went to North Korea participated in art exhibitions organized by the North Korean Artists' Union to explore the way forward for oriental painting. In 1953, shortly after the end of the war, Byun Wol-ryong, a professor at the Soviet Union's Repin Academy, was sent to North Korea to serve as dean and advisor to the Pyongyang College of Fine Arts. This led to the establishment of the department of oriental painting at the college. As a result, the majority of the painters who went to North Korea worked as professors in the department of oriental painting at the Pyongyang College of Fine Arts and trained students. On the other hand, they also laid the foundation for their influence within the North Korean Artists' Union. In 1956, a political power struggle in North Korea, the "August All-Party Conference (Sectarian) Incident" occurred. Kim Il Sung of the mainstream Manchurian faction pointed to the Soviet and Chinese factions as revisionists and the toadyish. Kim Il-sung used the terms "Juche" and "Independence" to get rid of them, and the political crisis was over. The oriental painting art world, comprised of painters who came to North Korea, took advantage of this peripheral situation to actively assert that Chosunwha was a subjective national form. This resulted in the emergence of Chosunwha as a new mainstream in the North Korean art world. Under the premise that the "ethnic form" required by socialist realism "cannot leave the 'subjectivity' of the people", Chosunwha was claimed as a national painting. As a result, Chosunwha was defined as ethnic painting or ethnic form. In 1957, the North Korean regime entered the Cheollima era of socialist construction. The Chosunwha community succeeded in separating the Chosunwha division from the existing painting division of the North Korean Artists' Union and making it independent. This resulted in a new generation of Chosunwha artists being trained at the Pyongyang College of Fine Arts, on the one hand, and the establishment of the Oriental Painting Division in the administrative organization, North Korean Artists' Union, on the other hand, cementing its status as the new mainstream of the art world. In early 1957, a debate between the old mainstream of oil painters and the new mainstream of Chosunwha painters took place, starting with the 'Chosunwha Discussion' on the topic of tradition and innovation in Chosunwha. The oil painting community argued for the incorporation of Western painting techniques, such as color and contrast, into Chosunwha, which has become a representative genre of North Korean art through the theoretical struggle over the discourse of ethnic form. However, in the theoretical battle between the oil painting art world, which insisted on 'form' and 'color painting' in Chosunwha, and Chosunwha art world that emphasized 'sayi(to express spirit inherent in a figure)' and 'ink painting', the Chosunwha art world won. The victory in the struggle of the 'anti-toadyism theory' brought Chosunwha painters to the top of the North Korean art world. The 1950s thus marked the completion of the discourse of 'ethnic form' and the discourse of 'anti-toadyism' in the North Korean art world for Chosunwha and oil painting. The art of the Cheollima era called for a new change, a new era. In the North Korean art world, young Chosunwha painters newly trained at the Pyongyang College of Fine Arts embraced color painting. Ink painting was gradually dismissed as bourgeois art and evaluated as "subjectivist art." The aesthetics of ink painting were no longer a inheritance of tradition, but were denigrated as "reactionism with subjectivist tastes". Through the process of struggling for the 'anti-reactionism theory', their era was pushed aside by the mainstream aesthetics of ethnic expression forms centered on color painting. The 1970s entered a period of Juche art centered on Chosunwha. Kim Il-sung's theory of Juche art was transformed into a style of color painting that applied Western painting techniques to Chosunwha through a process of theoretical discourse on the formative qualities of Chosunwha. However, a view began to emerge that "artistry" was not visible because the "sayi" that could be expressed as the artist's personality was excluded. This was the cause of the reinstatement of the 'molgol' method by 'sayi' in the North Korean Chosunwha art world. In this new development of Chosunwha, the use of the mogol technique began to be actively used in landscape paintings and gradually expanded to figure paintings. The 'molgol' method by 'sayi' was spectacularly reinstated by Chung Jong-yeo, the last surviving member who went to North Korea, who led Chosunwha painters. In the 1980s, The formative characteristics of today's contemporary Chosunwha, namely, the Chosunwha of the molgol method by sayi, were established. Because this process was ultimately completed by Kim Jong-il, the theory that summarized the formative characteristics of contemporary Chosunwha in the early 1990s was called "Kim Jong-il's Art Theory." Contemporary Chosunwha was completed by fusing the orientalism of the traditional national spirit of the painters who went to North Korea with the aesthetics of ink painting expressed by sayi, and the aesthetic implementation method of color painting reflecting the contrast of Western painting techniques. As the aesthetic spirit of modern painters was reflected in the personalities of contemporary painters, contemporary Chosunwha proceeded with remarkable changes and developments. And this has been inherited by the current generation of North Korean Chosunwha painters, and the future is being promoted. 본 연구는 일제강점기부터 해방공간에 이르기까지 전통민족정신에 입각한 민족미술의 미학을 추구했던 동양화가들이 이념의 차이로 월북하여 북한 조선화의 기틀을 마련한 과정을 살펴본 것이다. 월북 동양화가들이 황무지나 다름없던 북한 화단에서 오늘날 북한미술의 대표적 장르라 할 수 있는 조선화를 태동, 정립, 발전시키면서 그 조형적 특성의 변화과정을 미술 관련단체 및 교육기관과의 연계를 통해서 분석하는 데 목적이 있다. 1950년대 6.25전쟁 시기, 월북화가들은 조선미술가동맹의 주관하에 개최된 미술전람회에 참여하여 동양화의 진로를 모색했다. 전쟁이 끝난 직후인 1953년 소련 레핀아카데미 교수로 있던 변월룡이 북한에 파견되어 평양미술대학의 학장 및 고문이 되면서 대학 내에 동양화과가 개설되었다. 이로써 월북화가들의 대다수가 평양미술대학 동양화과 교원이 되어 후진을 양성하였다. 한편으로는 조선미술가동맹에서도 그들의 영향력을 갖출 기반을 도모하였다. 1956년 북한의 정치권력 내 세력다툼인 ‘8월 전원회의(종파)사건’이 발생하는데, 이는 주류인 만주파의 김일성이 소련파를 수정주의로, 그 뒤 중국 연안파를 사대주의로 지목하고 그들을 제거하기 위한 사건이다. 이때 김일성은 ‘주체’와 ‘자주’라는 용어를 앞세워 정치적 위기의 파고를 넘기게 되었다. 이러한 주변 정세를 기회 삼아 월북화가들인 조선화 미술계는 문학예술에서 ‘민족문화전통’의 주체, 즉 조선화가 주체적인 민족적 형식임을 적극적으로 주장하였다. 사회주의 사실주의가 요구하는 민족적 형식은 “그 민족의 ‘주체성’을 떠날 수 없다”는 전제하에 조선화를 민족회화로 내세운 것이다. 그 결과 북한의 유화 미술계와 조선화 미술계 사이에서 벌어진 ‘민족적 형식’의 표현방법에 대한 담론의 이론투쟁에서 조선화는 민족회화 또는 민족형식으로 규정되었다. 1957년 북한 정권이 김일성을 중심으로 안정화되자 사회주의 건설의 천리마시대에 접어들었다. 북한 화단의 월북화가들을 중심으로 한 조선화 미술계가 신주류로 부상한 것을 기반으로 조선미술가동맹의 회화분과에서 조선화분과를 별도로 분리 독립시키는 데 성공했다. 이로써 월북 조선화 화가들은 평양미술대학이라는 교육기관에서 신세대 조선화 화가들을 양성하는 한편 조선미술가동맹이라는 행정단체에서 조선화분과를 신설하여 조선화 미술계의 신주류로서의 지위를 확고히 하는 결과를 가져왔다. 월북화가가 중심이 된 조선화 미술계의 기반 세력 구축은 기존의 주류세력이었던 유화 미술계의 견제와 반발을 불러와 논쟁을 촉발시켰다. 1957년 초 조선화의 ‘전통과 혁신’이라는 논제의 조선화 좌담회를 시작으로 북한 화단의 구주류인 유화 미술계와 신주류인 조선화 미술계 간의 논쟁이 진행되었다. 이것은 조선미술가동맹에서 주관한 조선화의 ‘새로운 시도’라는 주제로 시작되었다. 민족적 형식이라는 담론의 이론투쟁을 통해 북한의 대표적 장르로 자리 잡은 조선화의 조형적 특성에 대하여 유화 미술계는 색채와 명암 등의 서양화 기법을 반영하자고 주장하였다. 그러나 조선화에 ‘형사(形似)’와 ‘채색화’의 반영을 주장하는 유화 미술계에 대해 ‘사의(寫意)’와 ‘수묵화’를 강조하는 조선화 미술계가 담론의 이론투쟁에서도 승리를 거두었다. 이러한 반사대주의 이론투쟁에서의 성공으로 월북화가들은 북한 화단에서 최고의 반열에 올랐다. 이로써 1950년대 북한 화단에서는 조선화 미술계와 유화 미술계 간의 ‘민족적 형식’에 대한 담론과 ‘반사대주의’ 담론이 완결되었다. 급속한 환경의 변화가 일어난 북한 화단의 1960년대 초기는 조선화에 대한 ‘민족적 특성의 현대성’의 논제로 ‘반복고주의’ 담론을 정립하기 위한 출발점이었다. 천리마시대의 미술은 새로운 변화, 새 시대를 요구하였다. 평양미술대학에서 새롭게 교육을 받은 신진 조선화 화가들이 채색화를 대거 수용하면서, 수묵화는 점차로 부르주아적 미술로 치부되어 ‘주관주의적 미술’로 평가되었다. 근대 월북 조선화 화가들의 수묵화에 대한 미학은 더이상 전통의 계승이 아니라 ‘주관주의 취향을 일삼는 복고주의’로 폄하되었다. 반복고주의 담론의 이론투쟁이라는 과정을 거치면서 월북화가들의 시대는 채색화 중심의 민족적 표현형식의 미학이라는 대세에 밀려난 것이다. 1970년대는 조선화 중심의 주체미술 시기이다. 김일성의 후원 아래 ‘당 중앙’으로 급부상한 김정일 시대가 도래하면서 북한미술에 또 다른 변화가 나타났다. 1960년대까지의 김일성시대 주체미술론은 앞서 살펴본 바와 같이 조선화의 조형적 특성에 대한 여러 담론의 이론투쟁이 일어났고 그 과정을 거쳐 조선화가 서양화 기법을 적용한 채색화풍으로 변화하였다. 그러나 작가의 개성으로 표현될 수 있는 ‘사의’가 배제되어 ‘예술성’이 보이지 않는다는 견해가 등장하기 시작하였다. 이것은 북한 조선화 화단에 ‘사의’에 의한 몰골법 복권의 동인으로 작용했다. 이러한 조선화의 새로운 발전 전개 과정에서 몰골기법의 사용이 풍경화 창작부터 적극 사용되기 시작하면서 점차로 인물화 등 전반으로 확대되었다. 많은 논쟁이 진행되면서 북한 조선화 화단을 이끌었던 월북화가 중 마지막으로 생존한 정종여에 의해서 ‘사의’에 의한 몰골법이 화려하게 복권되었다. 1980년대는 과거의 지난한 담론의 이론투쟁을 통하여 오늘날의 현대 조선화라는 조형적 특성, 즉 사의에 의한 채색몰골법의 조선화가 확립된다. 이러한 과정이 최종적으로 김정일에 의해 완결되었으므로 1990년대 초 현대 조선화에 대한 조형적 특성을 집대성한 이론을 ‘김정일주의 미술론’이라고 한다. 현대 조선화는 월북화가들의 전 생애를 관통했던 전통민족정신의 동양성과 사의에 의한 필치로 발현된 몰골기법 수묵담채의 미학, 그리고 서양화 기법의 명암이 반영된 채색화풍의 미적 구현방법 등이 한데 어울어져 완성되었다. 근대 화가의 미학적 정신성이 현대 화가들의 개성에 반영되어 현대 조선화는 놀라운 변화와 발전으로 진행되었다. 그리고 이는 당대의 북한 조선화가들에 의해 계속하여 계승되고 있으며, 다양하고 보다 예술적으로 풍부한 미래가 모색되고 있다.