여성의 음악후원과 그 역사성: 17세기 합스부르크 황후들의 음악후원의 경우

나주리 한양대학교 음악연구소 2019 音樂論壇 Vol.41 No.-

This study explored the musical patronage provided by two empresses with the same name, Eleonora Gonzaga, of Habsburg in the 17th century with the intention of approaching the field of women’s musical patronage, which has been a neglected research area, by revealing the achievements of female patrons who have played an important role for the beginning, spread, and development of Western modern music and reached the following conclusion. They are originally from Mantua, Italy, they played a major role in introducing and settling down ‘new’ musical styles and genres in the palaces of Vienna, making them became the identity, essence, and tradition of the court music culture. At that time, as the ‘ambassadors’ of music, they contributed to the spread of the major style and genre of the time, baroque, by propagating the innovations of Italian music and to the ultimate transition of music to modern era, which is why their achievements must be included in the historical narrative. 본 논문은 서양 근대음악의 출발과 전개, 발전에 중요한 영향을 미친 여성 후원자들의 공적을 드러내어 ‘여성의 음악후원’이라는 소외된 연구 분야에 유의미하게 다가가 보려는 목적하에 17세기 합스부르크 가문의 두 엘레오노라 곤자가 황후에 의해 행해진 음악후원을 탐구하며 다음과 같은 결론에 이른다. 이탈리아 만토바 출신으로서 이들은 고향의 새로운 음악 양식과 장르들을 빈 궁정에 정착시키고, 그것이 궁정 음악문화의 정체성으로, 본질로, 전통으로 자리 잡게 했다. 그리고 이때 이들은 독립적으로 ‘행동’하는 여인들이었다. 동시에 음악의 ‘대사’(大使)로서 이들은 이탈리아 음악의 혁신들을 이동시키고 전파함으로써 바로크 음악의 주요 양식 및 장르가 확산하는 데, 그리하여 궁극적으로 음악이 근대로 옮겨가는 데 기여했다. 이들의 업적이 역사 서술에 포함되어야 하는 이유이다.

옛 언어에 관하여: 볼프강 아마데우스 모차르트 음악의 역사적 이디엄

울리히콘라드,권송택 한양대학교 음악연구소 2006 音樂論壇 Vol.20 No.-

옛 언어는 더 이상 사용되지 않는 언어지만 이 언어들은 영원한 진리를 변함없이 표현할 수 있기 때문에 여전히 존중된다. 그 언어들은 더 편안하게 그리고 아주 정확하게 환언되어 표현될 수 있다. 모차르트는 음악에 자신의 이야기를 표현하기 위하여 다양한 음악언어를 사용하였다. 그 중 특히 '옛 언어'를 그는 그 당시까지 이어져 온 교회음악에서의 관습적인 사용이 아니라 실내음악과 극장음악까지 확장시켰다. 이러한 세속음악에서 사용되는 역사적인 이디엄인 ‘옛 언어’는 음악에서 특별한 분위기를 자아낸다. 오페라에서 '옛 언어'의 기능과 목적은 <돈 지오반니>에서 구시대적 오페라 세리아 양식의 레치타티보와 아리아나 <마술피리>에서 르네상스와 바로크적인 순수대위법 양식의 합창 등의 극적효과를 내는 관용적 이디엄을 통하여 극음악의 표제를 명확하게 표현한다. 이것은 낯선 것을 강조라 묘사될 수 있을 것이다. 모차르트의 이러한 역사적인 이디엄의 사용은 그의 바흐와 헨델의 경험이나 존경에 의한 것이 아니라 자신의 특수한 음악적, 극적 효과의 목적을 위한 수사학적인 수단으로 보인다. 피터 귈케는 모차르트가 음악에 역사성 없이 역사를 써넣었다라 하였다. 옛 언어는 죽은 언어가 아니다. 모차르트의 가장 위대한 특성인 이디엄의 다양성은 이러한 견고한 기초에 근거하기 때문에 지금까지도 우리에게 호소력 있는 것이다.

21세기 현대음악에 나타난 AI와 인간의 융합: 완전자동화, 부분자동화, 상호응답 모델을 중심으로

원유선 한양대학교 음악연구소 2025 音樂論壇 Vol.54 No.-

본 연구는 21세기 현대음악에서 ‘인간’과 ‘AI’라는 두 다른 주체가 융합하는 양상과 유형, 시사점을 고찰한다. 본 연구는 먼저 논의의 전제로, 오늘날 음악에서 진보의 패러다임이 ‘재료’의 새로움에서 포스트휴머니즘에 입각한 ‘주체’의 새로움으로 전환되는 양상을 짚어보았다. 다음으로는 AI와 인간이 협업하는 양상을 AI의 창작 관여 방식에 따라 1) 완전자동화, 2) 부분자동화, 3) 상호응답으로 유형화하고, 각각의 특징과 양상, 쟁점을 고찰하였다. 완전자동화 모델에서는 AI의 기술력과 함께, 그 결과를 선별하고 맥락화하는 인간의 사고와 판단이 중요하게 개입됨을 알 수 있었다. 부분자동화 모델은 동시대 현대음악에서 가장 선호되는 방식으로 AI의 산출물을 활용하지만, 인간 작곡가의 비판적 판단 및 편집을 통해 창작을 통제하는 방식임을 보여준다. 이러한 방식은 새로운 아이디어의 구현 가능성을 열어주지만, 여전히 인간 중심성이 가장 강하게 발견된다. 상호응답 모델은 인간과 AI의 실시간 상호 작용을 통해 주체성의 분산을 보여주며, 전통적인 ‘작품’ 개념을 넘어선 현대음악의 창의적인 가능성을 제시한다. This study explores the modes, types, and implications of convergence between humans and artificial intelligence in 21st-century contemporary music. This study first considered how the paradigm of musical progress has shifted from novelty in ‘material’ to novelty in the ‘subject’, informed by a posthumanist perspectives. It then categorizes human–AI collaboration into three models — Full Automation, Partial Automation, and Interactive Response — and examines the characteristics, manifestations, and challenges posed by each model. In Full Automation model, the technical capacity of AI is emphasized; however, the composer’s artistic judgment and contextualization remain indispensable. Partial Automation model, most favored in today’s contemporary music, actively incorporates AI-generated results while maintaining creative control through critical revision. Interactive Response model highlights real-time interaction between humans and AI, indicating a redistribution of subjectivity and suggesting creative potentials that transcend the traditional concept of the musical “work.”

음악에 있어서의 수학적 시흥(詩興)

Escot, Pozzi 漢陽大學校 音樂硏究所 1996 音樂論壇 Vol.10 No.-

음악을 논할 때에 있어서, 우리는 우선 먼저 음악 듣는 실제적인 경험을 생각하게 됩니다. 그러나 사실은, 음악은 필연적으로 즐거움과 지적 의욕의 측면에서 경험의 타당성을 위해 헌신하는 음악에서 보여지는 여러 가지 종류의 비율들이 쌓아진 것입니다. 음악 작품에서 모든 가능한 요구들을 기대하지 않게 접촉하게 될 때에, 바로 그러한 즐거움과 지적 의욕이 생길 것입니다. 가끔씩 음악의 매개변수 구조(para-meter-structure)에 내재해 있는 관계들을 발견해 낼 때에는 종종 경탄을 금치 못할 때가 있습니다. 우리는 가장 복합적인 결합이 가장 만족스러운 감동을 일으킨다는 것을 잘 알고 있습니다. <할데가르트 폰 빙겐> 의 [안티폰]과 <쇼팽>의 [전주곡], <베베른>의 [첼로와 피아노를 위한 소품], 그리고 <배빗>의 피아노를 위한 [2중주}는 모든 음향의 복합성을 충족시켜 주는 작품이며 우리에게 수학적 시흥을 가져다 주고 있습니다. 음악평론가인 <대니엘 웹스트>가 말했듯이 이들 작품은 "수학의 아름다움과 맥을 같이 하고 있다"고 하겠습니다.

리스트의 교향시에 나타난 주제와 음악적 구상

이성률 한양대학교 음악연구소 2014 音樂論壇 Vol.31 No.-

An artist’s work is said to be related to what he or she hasexperienced in his or her life. In Liszt’s case, he was alsoaffected by his father in his childhood and educationalcircumstances. Although he didn’t work music nationalistically athis early period (or at the beginning of his career), there are lotsof nationalistic factors which reflect the influence of folk musicin his symphonic poems. In addition, the topics of all his thirteensymphonic poems are related to his educational experiences, therevolution and his political point of view. The topics used inLiszt’s symphonic poems are various. For example, they involvemeetings of music and literature, expressions of philosophicalthought through music, feelings about the arts and so on. Lisztwanted to translate his ideas into reality through his symphonicpoems as ‘the future music’ where all the hot issues at that timesuch as music, literature, drama, mythology, folks, arts andthought could be harmonized well. 한 작가의 작품은 개인적 삶에서 경험한 것들과 연관되는 경우가 많다. 리스트의 경우도 어린 시절 아버지의 영향과 교육환경은 그의 음악활동에 많은 영향을 주었다. 리스트의 음악성, 문학성 그리고 종교성도 모두 부모로부터 물려받았다. 리스트는 헝가리 민족주의 음악을 처음부터 작곡하지는않았지만, 그의 교향시에는 민족적 요소가 많이 표현되었다. 또한 음악교육과정, 혁명 그리고 그의 정치관등은 모두 그의 13개 교향시의 주제와 연관이 있다. 리스트의 교향시에 사용된 주제들은 매우 다양하다. 그의 주제들을 살펴보면 음악과 문학의 만남, 음악을 통해 철학적 사고의 표현, 역사와 혁며에 대한 음악적 표현 그리고 그림을 보고 느낀 감정 등이 있다. 리스트는 자신의 교향시를 통해 당대 음악가들의 주요 담론이었던 음악과 문학,희곡, 신화, 민족, 회화, 사상 등이 함께 어우러진 ‘미래음악’을 현실화 하고자 했다.

피에르 불레즈의 음렬주의에 나타난 음악적 사유의 특성

박영욱 한양대학교 음악연구소 2016 音樂論壇 Vol.35 No.-

The radical charateristics of Pierre Boulez’s music can not be summarized simply as mathematization of music and anarchistic negation of all previous musical conventions. Adorno criticized his music as a new kind of affirmativism, for Boulez’s ‘negation for negation’ has no functional meaning to criticize the world. Boulez’s music was regraded to fall down into the meaningless play of mathematics. Adorno thought that the retrogression of Boulez’s music is a mere fetishistic result from his following Webern’s music in which the revolutionary elements of Schoenberg’s serialism are totally eliminated and neutralized by mere mathematization of serialism. But according to Boulez, the core of Webern’s music is far from its mathematical and symmetric appearances, but its ‘diagonal’ elements free of traditional hierarchic structure by vertical and horizontal coordinate. Boulez pursued to find a ‘diagonal’ zone full of infinite possibilities (ie, the ‘smooth’ space, or ‘plane of immanence’ in Deleuzian meaning) in the music. It means that he treats a note not as a mere note which is externally defined only by the interval relations to other notes but a qualitatively different unique event as ‘intensity’. Now a note, more precisely a musical instant as an intensity becomes a sign(chifrre). Therefore Boulez’s mathematical experiments including integral serialism has a methodologically radical meaning to investigate infinite possibilities of a note as a chiffre. 불레즈의 음악의 나타내는 특징은 단순히 음악의 모든 요소를 수학적으로체계화하고 구조화함으로써 계량화하려는 시도로 요약될 수 없다. 이와 더불어 기존의 모든 음악을 부정하고 새로운 음악 형식을 끊임없이 추구하는그의 음악적 태도를 무정부주의를 위한 아방가르드적 열망으로 환원할 수도 없다. 아도르노의 관점에서 보자면 불레즈의 이러한 무정부주의적 태도는 부정을 위한 부정으로서 맹목적인 부정이 되어버리며 어떠한 힘도 지니지 못한 순응주의로 변질되고 말 것이다. 아도르노에 따르면 이러한 불레즈 음악이 보이는 이러한 퇴행성은 쇤베르크의 12음 기법이 지닌 혁명적성격을 수학적으로 중성화한 베베른에게서부터 물신주의의 결과물에 지나지 않는다. 그러나 아도르노의 견해와 달리 불레즈에 따르면 베베른의 음악이 지닌핵심은 수학적 대칭구조와는 무관하며 수직축과 수평축의 위계를 벗어나려는 ‘대각선적인’ 요소이다. 베베른에게서 발견한 ‘대각선적인 것’은 불레즈의 음렬주의에 내재한 근본적인 견인요소이다. 불레즈의 음악적 시도는 비록 음악이 수직축과 수평축의 체계로부터 완전히 벗어날 수 없다 하더라도위계질서에 의해서 개별적 음의 무한한 가능성이 위축되지 않는 무한한 가능성의 영역(‘매끄러운 것’ 혹은 ‘내재성의 평면’)을 발견하고자 하는 것이다. 따라서 체계에 속박되지 않은 음의 무한한 가능성의 영역에 들어가기위해서는 음을 하나의 개별적인 사건, 즉 ‘강도’(intensité)로 다룰 수밖에없다. 이 미시적인 강도의 세계는 ‘암호’(chiffre)와도 같은 것이다. 총음렬주의적 시도를 포함하여 불레즈에게 나타나는 수학적 시도는 아도르노의주장처럼 물신숭배의 경향을 보여주기보다는 하나의 신비한 암호로서 음이지니는 무한한 가능성을 보여주고자 하는 방법론적 시도인 것이다.

쇤베르크 음악과 현상학적 환원

박영욱 한양대학교 음악연구소 2013 音樂論壇 Vol.30 No.-

Schoenberg’s new musical methods are not mere results form the negation of the traditional tonal music. It is an unacceptable opinion that Schoenberg’s new music can be regarded as a musical expression of ‘Avant Garde’ movement which negates all the established orders. Schoenberg’s antipathy against the tonal music lies in the narrow attitude embedded in it. Schoenberg’s music can be interpreted as a musical trial of ‘phenomenological reduction’ which demands the change of attitude from the natural attitude to the phenomenological one. The goal of phenomenological reduction is not merely the negation of our empirical world but the searching for the universal. 전통적 조성음악과 다른 새로운 기법을 창안한 쇤베르크의 음악적 시도는 단순히 조성음악 자체를 거부하고자 한 데서 나온 결과물이 아니다. 쇤베르크의 음악이 마치 기존의 질서를 거부하는 아방가르드 정신의 음악적 표현이라는 것은매우 설득력이 떨어지는 주장이다. 앞서 밝혔듯이 전통적 조성음악에 대한 반감의 핵심은 특정한 조성과 화음을 미리부터 주어진 것으로 전제하는 조성음악에내재된 태도에 관한 것이다. 현상학적 용어를 빌어 표현하자면, 쇤베르크의 음악적 시도는 자연적 태도로부터 현상학적 태도로 변경하는 현상학적 환원의 과정이라고 할 수 있을 것이다. 현상학적 환원의 목표는 우리가 당연하다고 받아들이는 이 경험적 세계를 단순히 부정하는데 있는 것이 아닌 그러한 부정을 통해서 보편적인 것을 찾고자 하는 것이다. 본 논문에서는 쇤베르크의 무조음악 시기 작품의 몇몇 사례를 들어 그가 사용하는 새로운 법칙들이 지닌 의미를 밝히고자 한다.

20세기 초의 말러와 쇤베르크의 음악적 연관성 : 말러의 <교향곡 제10번>과 쇤베르크의 <현악4중주 제2번>에서 나타나는 음악적 양상을 중심으로

안소영 한양대학교 음악연구소 2011 音樂論壇 Vol.25 No.-

Gustav Mahler(1860-1911) started his unfinished Tenth Symphony in F#major during the summer of 1910, which was two or three years after Arnold Schoenberg(1874-1951)'s Second String Quartet was completed. The musical background of Mahler's Symphony was similar to that of Schoenberg because their pieces were based on their desperate marriage and his psychological problems. In addition to the musical background, their bold musical attempts reflect their severe emotions. In Schoenberg's Second String Quartet, Schoenberg attempted to abolish traditional tonality and used the violent and dissonant sonorities. His daring techniques are related to his marital crisis and frustration with life. Mahler also tried the radical techniques within the tonal system: The tonal ambiguity seems to reflect Mahler's emotional instability and it reveals the tendency toward atonality. Therefore, the paper focuses on some relations between Mahler's Tenth Symphony and Schoenberg's Second String Quartet. First, I explore the psychological aspects related to the pieces. Then I examine how they are related focusing on the personal relationship between the composers and musical ideas as seen in their letters, music and personal background. Some influences of Schoenberg's piece upon Mahler's elucidate not only their intimacy as friends but also their tendency toward new music. If Mahler's life was extended, we may infer that Mahler would compose toward the atonality. 본 논문에서 필자는 쇤베르크(Arnold Schoenberg, 1874-1951)의 <현악4중주 제2번>과 말러(Gustav Mahler, 1860-1911)의 <교향곡 제10번>의 분석을 통하여선배작곡가인 말러가 후배작곡가인 쇤베르크로부터 어떠한 음악적 영향을 받았는지 논하였다. 이들 두 작품의 분석에 앞서, 필자는 먼저 두 사람 간의 우정 혹은 인간관계를 살펴보았으며, 또한 이들 작품이 작곡되었던 시기에 이들 두 작곡가들에게 어떠한 사건이 있었는지 작품배경을 다루었다. 흥미롭게도 이들 작품들은 인생에 있어 큰 상실감에 빠져있었을 때에 작곡되었으며, 작품 안에서나타나는 대담한 음악적 시도들은 그의 불행과 좌절이 분명히 반영되었던 것으로 판단된다. 또한 이 시기에 말러는 쇤베르크에게 몇 차례에 걸쳐 편지를 쓴바 있는데, 이 편지에서 말러는 쇤베르크의 음악적 아이디어를 깊이 이해하고자노력하였던 것으로 보이며, 이러한 관심은 이후에 작곡한 말러의 <교향곡 제10번>에 큰 영향력을 끼쳤던 것이다. 이러한 작품 배경을 토대로 필자는 음악“안”에서 이들 작품이 어떠한 연관성을 보이는지 분석을 통하여 논하였다. 분석을 통하여 필자는 말러가 인간적 관계에서 뿐만 아니라 음악적인 측면에 있어서도 쇤베르크의 영향을 받았음을 알 수 있었다. 만약 말러가 좀 더 오래생존하였다면 말러의 음악적 경향이 쇤베르크의 무조음악으로 방향 전환되었을것이라 여겨지며, 이로써 말러에 대한 음악적 관점이 지금과는 다르게 평가되지않았을까도 생각해 볼 수 있을 것이다.

방랑자의 내적 시간: 슈베르트의 ≪겨울 나그네≫와 주제 재현

정이은 한양대학교 음악연구소 2020 音樂論壇 Vol.44 No.-

This paper explores the interrelationship between thematic return and temporality of the songs by examining two songs from Schubert’s Winterreise—‘Auf dem Flusse’(no. 7) and ‘Die Nebensonnen’(no. 23). In vocal music, text occupies an important dimension in constituting temporality of music. The thematic return in the mostly ternary formal design of individual songs in Winterreise is an intrinsically musical device that enables us to experience the cyclic time that is absent from the text. At the thematic return, Schubert’s setting of the text to the music brings the poetic speaker’s inner time to the fore. In other words, the poetic speaker’s inner time is made audible through the thematic return and the subsequent varied repetitions of the preceding section. 본 논문은 슈베르트의 연가곡집 ≪겨울 나그네≫의 두 곡, ‘강 위에서’(Auf dem Flusse)와 ‘가짜 태양들’(Die Nebensonnen)을 중심으로 노래의 형식구조 안에서 주제 재현이 음악의 시간성의 인식과 맺고 있는 관계를 살펴본다. 성악 음악에서 가사는 음악의 시간성을 구성하는 데에 있어서 중요한 차원을 이룬다. ≪겨울 나그네≫를 구성하는 노래들은 대개 단순 3부 형식으로 구성된다. 이 형식에서 주제의 재현은 음악 고유의 시간을 구현하는 하나의 방법이자, 가사에 존재하지 않는 순환적 시간을 만들어내는 음악구조적 장치이다. 본 논문에서 다루는 두 개의 노래의 재현부에서 작곡가는 시적 화자의 내적 시간을 음악의 전면에 가져온다. 즉, 시적 화자의 내적 시간은 주제의 재현을 통해, 또한 그것이 회상하는 음악의 지나간 시간에 대한 변주된 반복을 통해서 들리는 소리로 전달된다.

정신치료의 역사에서 음악적 최면의 수용 및 활용

강경선 한양대학교 음악연구소 2014 音樂論壇 Vol.32 No.-

In the history of psychotherapy music was a therapeutic tool thatinduced altered state of consciousness. The induced trance state bymusic that appeared in commonly in shaman ritual, hypnosistherapy and GIM can be explained in terms of therapeutic point ofview on psychological, physiological and aesthetical level. Inshaman ritual the content of cultural belief of the community wasexpressed through music and this brought psychological liberationand empathy. On the other hand, in 19th century mental medicinemusic or sound that induced hypnotic state was considered asphysiological stimulus that induced an altered state of consciousnessthrough excitement of sensory organ. Finally, themusic in GIM was used to explore a patient’s spectrum ofconsciousness wider and deeper as well as to give aestheticexperience. 음악은 정신치료의 역사에서 의식의 변성을 유도하는 치료적 도구였다. 주술의식, 최면, 심상음악치료에서 공통적으로 나타나는 트랜스 상태는치료적 관점에서 심리적, 물리적, 미학적 측면에서 설명할 수 있다. 주술의식에서 음악은 공동체의 문화적 신념의 내용이 음악을 통해 표현됨으로서 심리적 공감과 해방을 통해 치료적 효과를 가져 온다. 반면 19세기정신 의학에서 최면 유도 음악 또는 소리는 물리적 자극제로써 감각의흥분을 통해 의식의 변성을 유도하였다. 마지막으로 현대 심상음악치료에서 음악은 환자의 의식의 스펙트럼을 좀 더 깊고 넓게 여행하게 하며동시에 미적 체험을 하게한다.