중국의 자동차디자인 Identity 확보에 대한 연구 : 중국의 자동차디자인 중심으로

정방여 한서대학교 국제예술디자인대학원 산업디자인학과 2012 국내석사

It has been a century since the automobiles came into the world. Meanwhile the automobile industry has developed rapidly. With the rapid development of economy, the types of automobile have increased and the class of quality is getting higher than before in the modern society. The special differentiated strategies have been developed among world brand products. The sales volume of Chinese automobile in 2006 was more than 7 millions, which makes China the third biggest car-producing country and exceeded Germany. It shows that China’s economy has been developing constantly and that China is getting globalized gradually. However, China must have its own characteristics in the big international stage. There must be some Chinese style factors in the design of automobiles too. In the design of automobile, the pursuit of good form design can meet consumers’ demand for the price of the products and the cultural spirits. In addition, we can make sure that special Chinese characteristics have been applied in the automobile design. The Chinese characteristics have crucial meanings in the development of automobile industry. This paper is divided into three parts: the history of the Chinese automobile industry, the understanding of Chinese culture, the marketing research of brand of the main automobile design. Based on all these, the study on the direction of Chinese automobile designed will be carried on. First of all, with the understanding of the history of Chinese automobile industry, the current situation of Chinese automobile market will be studied. Secondly, the relationship with the Chinese traditional culture will be figured out. Thirdly, the automobile companies in Europe, USA, Japan, Korea and China will be compared and analyzed. Fourthly, the current status of Chinese automobile design and the problems of the Chinese automobile industry will be investigated. With the analysis the development directions of Chinese automobile design in the form and color will be integrated. The Chinese factors are of great significance in the development of Chinese automobile industry. The Chinese automobile industry should have Chinese factors in the design and technique aspects so that it can has its own vitality and brand and can receive much recognition in the global automobile market. 자동차가 탄생한지 100년이 되었다. 그 동안 자동차 산업은 많은 발전을 가해왔다. 경제가 끊임없이 발전함에 따라 현대사회에는 자동차 종류가 더욱 더 많아지고 자동차 디자인 품격도 높아졌다. 세계 명품 자동차브랜드 간에 명확히 차별화된 특별한 전략으로 발전해 왔다. 2006년 중국자동차 생산 판매량이 700만대를 넘었다. 이는 독일을 추월하여 세계 3대 자동차 생산국가로 되었다. 이것은 중국 경제가 끊임없이 발전해 나가고 있다는 것을 증명하고 있으며 중국은 천천히 국제화에 들어가고 있다. 그러나 중국은 필히 중국만이 가지고 있는 특색으로 국제무대에 서야 한다. 자동차 디자인 발전 중에서 이러한 중국적 특색은 없이는 존재할 수 없다. 자동차 디자인 중 좋은 형태 설계를 추구하는 것은 소비자의 제품가격과 문화정신 수요성에 만족을 느낄 수 있을 것이다. 그리고 제품의 예술성에서 중국 자동차의 디자인이 특수한 중국적 특색을 응용하였다는 것을 확실히 보증하여야 한다. 중국적 특색은 중국 자동차 산업 발전에 결정적 의미를 가지고 있다. 본 논문은 3가지 부분으로 나뉘어 있다. 중국 자동차 산업의 현황 발전사, 중국 문화의 이해, 주요 자동차 디자인의 브랜드 시장 조사를 바탕으로 중국 자동차 디자인의 방향에 대한 연구로 진행되었다. 첫째, 중국 자동차 산업의 역사를 이해하고 중국 자동차 시장의 현황에 대 하여 연구되었고, 둘째, 중국 전통 문화와의 관계를 이해하는데 있으며, 셋째, 유럽, 미국, 일본, 한국, 중국 의 자동차 회사들을 비교, 분석 하였다. 넷째, 중국 자동차 디자인의 현 상태와 현재 중국 자동차 산업에서 발생하고 있는 문제점을 조사하고 분석하는 것으로 중국 자동차의 디자인에서 형태, 색상 방면의 발전 방향을 종합하였다. 중국의 요소는 중국 자동차가 산업의 발전에서 중요한 의미를 가지고 있다. 중국의 자동차 산업은 디자인과 기술적은 방면에서 반드시 중국만의 요소를 부가하여야만 생명력을 갖게 될 것이고 중국만의 브랜드를 갖고 있어야 세계자동차 시장에서 인정을 받을 수 있다.

중국 휘주시 관광청 셀프 프로모션 디자인 연구

백경곤 한서대학교 국제예술디자인대학원 2013 국내석사

정보의 유통이 이전의 그 어느 시대 때보다 빠르고 사람과 사람간의교류도 매우 편리해졌다. 신속하게 변화하고 있는 생활방식은 디자인의 전형적인 개념에서 일련의 다원화된 창의적 통합디자인으로 바꾸어 놓았다. 감각적으로든 디자인개념으로든 현대 디자인은 시각적 디자인과 멀티미디어 영역을 통해 시시각각 우리들에게 영향을 주고 있다. 때문에 당대 디자인은 이미우리들의 생활방식과 밀접하게 통합되어 있다. 오늘날 비록 대량의 상업정보와 문화 자분이 전통적인 인쇄미디어에서 디지털 출판 미디어로 전이되고 있지만, 정교한 조판과 잉크의 향기가 묻어나는 전통 디자인은 소비자들에게 다양한 감각적 정취를 제공해주며 손에 쥐여지는 책의 촉감은 가상 디지털 출판으로써는 비교도 안 되는 소통의 가치로 점철될 수 있다. 본 논문의 목적은 휘주 여행 프로모션의 홍보방법을 연구하고, 휘주 여행을 위한 홍보책자를 설계하고자 하는 것이다. 이 연구의 중점은 휘주 및 휘주 주변지역의 현실적인 소재에 입각하여 휘주 특유의 홍보 책자를 디자인하는 것이다. 본 논문의 목표는 디자인을 통해 지역적 홍보 전략과 브랜드 가치를 확대하는 것이며, 나아가 관광산업의 발전을 추진하는 것이다. 본 논문의 디자인 제안은 중국식 전통문화의 각도에서 출발했으며 민간예술, 자연풍광, 민간풍습이 포함된다. 끝으로 현대 디자인의 시각에서 소재를 다루었으며 중국 전통문화의 요소를 현대 시각 디자인의 기법을 통해 포장과 수식을 진행하였고, 중국 전통문화를 잘 모르는 사람들에게도 흥미로운 관심을 유도하게 하는 목적을 두고 있다. 보다 실사적인 효과를 사진의 예술적 표현 기법을 활용하는 것에도 디자인의 주된 표현기법으로 적용하였다. As the economy globalized, technology developed rapidly and social civilization progressed, the intense competition within the businesses and social communities have changed our lives completely. Speed of information being transformed is faster than ever. Which helped us to communicate with each other more conveniently. It is convenient for us to communicate between each other. The concept of design has changed from the simplification to the series of the multi creative design as a whole due to the variety of the life styles. The modern design has influenced our lives in everywhere through a visible design to multimedia field, it comes from our sensation or commercial view. Therefore, modern perspective has been combined into our life styles significantly.Nowadays, although there is a great change on the media that the digit has been utilized instead of the traditional paper, referring to the plenty of commercial information and culture consultation, the traditional culture showed on the paper with an attractive edit and the special ink aroma can provide the variety of sense perception which the intangible digital edit can not reach that performance. The aim of the text is to provide an approach by researching and designing brochure of tour for Huizhou. This studying focuses on Huizhou and its surroundings and is going to provide a design for the proprietary tourist brochure of Huizhou. Through the design, our purpose is to distribute a strategy that more people are aware of this region well and create a valuable brand in order to promote the tourist development. The perspective is oriented by the Chinese culture which includes the traditional culture, folk art, natural landscape and folk custom. Finally, using the modern technique to describe this culture that comprises the traditional Chinese elements could increase the preference to get an understanding in traditional Chinese culture. The objective and feature of this design is to utilize the artistic appeal effectively to achieve our purpose. In the preface of this article, the author raises the background and purpose of the research, and the solution of issues. The author focuses on the meaning and significance of the Huizhou'tourism promotion. Commonly, the companies and organizations which sell and promote their products all around the world value their self-image and credibility more than other. Commercial promotion design is usually used to promote the product and image of enterprises to gain greater profits through print media. The research in this article is based on "how to attract people's attention through self promotion conveying information of the design". It not only enhances the brand image of tourism resources in huizhou, but also promoting characteristics of the traditional culture of Huizhou and its surrounding areas, in order to keep these cultural characteristics away from the influence of time. By this way, when self promotion is used on this topic, the author pays more attention on the connotation and practicability of the design, and makes more people like this consumer-oriented design. In the second part, the author explains and researches the basic conception of self promotion design , and then analysis some perfect Chinese and foreign designs. With the basis of comparing brochures from other tourism cities and worldwide excellent designs, has come out the design concept of this plan. During the design procedure, Huizhou tourism promotion plan is upgraded by creative thoughts and unique design technique as well as benefits from excellent designs. In the last part of this thesis, the updated design type of brochures is provided. The final purpose of the plan is to provide an example for the tourism promotion plan of every city by combining the city culture with its tourism resources.

디자인을 활용한 창의성신장 방안연구-의사실기 아동을 중심으로

박상진 한서대학교 국제예술디자인대학원 2011 국내석사

Creativity education raises high creativity socially and culturally in the variety and complexity of a social structure and imagination grows the ability of problem solution. Accordingly, art education of the childhood becomes the motive power to rose up infinite creative will by suggesting new and various materials and children repeat the actions emitting desire and interest and feel happiness to form creative attitudes such as discovery of new challenges or thoughts or novel ideas so that it is considered to be very important. Art education for creativity improvement has an important meaning because it enables a lot of possibility immanent in human beings to be naturally revealed through aesthetic experiences. It can be called education which expresses and understands the feelings and thoughts about our worlds and raises artistic characters through formative activities, appreciation activities and understanding activities and help have creative thoughts to understand and express ourselves and our worlds through aesthetic experiences and make children experience their expressions through formative learning and raise artistic appreciation ability and furthermore, help form human beings, namely ego based on the development of children’s emotion, society, intelligence and creativity. The creativity development in art education can be achieved from interest inducement through children’s free and various activities and creative work development through voluntary expression desire. In other words, the various expression method and utilization of materials become important media to form self-confidence and stimulate immanent creative desire by providing satisfaction through stimulation of children’s curiosity and new expression and experiences. Art education can discover children’s true emotion hidden inside through creative works such as drawing and making and it is important that teachers who should understand and help it provide various data to bring creative will through new expression so that excellent guidance should be supported. Children have the tendency to express their practically felt and experienced impression in their own ways and these activities can help have individual creativity. Design includes emotion and intellectual possibility, physical development, perceptive recognition, creative relationship, aesthetic taste and even the development of children’s individual sociality. However, design education is understood as a field of art education in our country to be educated as part of the art curriculum. In case of advanced countries, design education is based on all education and this is related to children’s creativity and intellectual growth so that more research on design education is required. The important characteristics of children’s design education is as following. Children’s knowledge grows intellectually when the positive design activity is made and it is important to maintain balance between intellectual growth and emotional growth. The physical growth in children’s design creation work can be seen in the sight and physical exercise which draw lines and perform functions by controlling bodies. Various areas are reflected to design and changes and development according to children’s growth also become clear. The importance of growth about this development area becomes an important factor to design education. The important characteristics of children’s design education provides the chances for emotional growth and the scope to make it achieved and a direct relationship with creative tension related to work. In this viewpoint, the fact that children’s design education influences creativity improvement and develop human being’s potentiality has a meaning to understand the value of creativity. This research believes that the creativity education through art education is effective to perform in the childhood and suggests the development of art programs to efficiently and easily children’s creativity through the general characteristics of children’s art and design as part of the art areas and expects that art education programs to wake up children’s creativity and potentiality to be active. In addition, when the research on the program and guidance through teacher’s consistent understanding of and interest in children’s art is added, art education can be the center of creative competent person education required by the future society. 창의성 교육은 사회구조의 다양화와 복잡함 속에서 사회적 문화적으로 높은 창의성을 길러주며 상상력은 문제 해결능력을 키워준다. 따라서 아동기의 미술지도는 새롭고 다양한 재료를 제시하여 무한한 창작의욕을 불러일으키게 하는 원동력이 되고, 아동들은 욕구와 흥미를 발산하는 행위를 반복하면서 행복감을 느끼게 되어 새로운 도전이나 생각, 기발한 아이디어를 발견하는 등의 창의적인 태도가 형성되기 때문에 매우 중요하다고 할 수 있다. 창의성 신장을 위한 미술교육은 인간에게 잠재되어 있는 수많은 가능성을 미적 체험을 통하여 자연스럽게 발현하도록 한다는 데에 중요한 의의를 지니고 있다. 자신의 세계에 대한 느낌이나 생각을 표현하고 이해하며 조형 활동, 감상 활동, 이해활동을 통하여 예술가적인 품성을 기르는 교육이며, 미적 경험을 통하여 자기와 세계를 이해하고 표현하는 창조적 사고를 갖게 하는 것으로 아동들에게 조형 학습을 통하여 스스로의 표현에 따른 경험을 얻게 하고 예술적인 감상 능력을 기르며 더 나아가서는 아동의 정서와 사회성 발달 지적 발달, 창의성 발달을 바탕으로 한 인간형성 즉. 자아형성을 돕는 교육이라 할 수 있겠다. 미술교육에서 창의성 계발은 아동들의 자유롭고 다양한 활동을 통한 흥미 유발과 자발적인 표현 욕구를 통한 독창적인 작품 개발을 통해 이루어 질 수 있다. 다시 말해서, 다양한 표현 방법과 재료의 활용은 아동의 호기심을 자극하고 새로운 표현과 경험을 통해 만족감을 제공함으로서 자신감을 형성하게 되며 잠재되어있던 창조의 욕구를 자극하는 중요한 매개체가 된다. 미술교육은 그리기, 만들기 같은 창조적 작업을 통하여 그 속에 숨어있는 아동들의 진실한 감정을 발견할 수 있으며, 그것을 파악하고 도움을 주어야 하는 교사들은 다양한 자료를 제시하여 새로운 표현을 통한 창작 의욕을 불러일으키는 것이 중요하므로 탁월한 지도방침이 뒷받침되어야 한다. 아동은 자신이 실제적으로 보고 느낀 감동을 자신만의 방법으로 표현하려고 하는데 이러한 활동은 개성 있는 창의성을 지니게 할 수 있다. 디자인은 감정과 지적 가능성, 신체적 발달, 지각 인식, 창의적 관련성, 미적 취향, 심지어 아동개인의 사회성의 발달까지도 포함하고 있다. 그러나 우리나라에서의 디자인 교육이 미술교육의 한 분야로 이해되어 미술교과의 일부분으로 교육되고 있다. 선진국의 경우 디자인 교육은 모든 교육에 바탕을 두고 있으며 이는 아동의 창의력과 지적 성장에 관련되어 있으므로 디자인 교육의 더 많은 연구가 필요하다고 볼 수 있다. 아동 디자인 교육의 중요한 특징을 살펴보면 다음과 같다. 아동의 지식은 적극적으로 다자인 활동을 할 때 지적 성장을 하며 지적 성장과 정서적 성장 사이에 균형을 유지하는 것은 중요하다. 어린이의 디자인 창작 작업에서의 신체적 성장은 몸을 조절하여 선을 긋고 기능을 수행하는 방법인 시각과 운동의 조화에서 볼 수 있다. 디자인에는 이러한 영역들이 반영될 뿐만 아니라 아동이 성장함에 따른 변화와 발달 역시 분명하게 나타난다. 이러한 발달 영역에 대한 성장의 중요성은 디자인 교육에 있어서 중요한 요소가 된다. 아동 디자인 교육의 중요한 특징은 정서적 성장을 위한 기회와 이를 이루게 될 범위까지도 제공하며 작업과 관련된 창조적 긴장과의 직접적인 관계이다. 이러한 관점에서 보면 아동기의 디자인 교육이 창의성 증진에 미치는 영향과 인간이 가지고 있는 잠재력을 개발시킨다는 관점에서 창의성의 가치를 파악하는데 그 의의가 있다. 본 연구에서는 미술교육을 통한 창의성 교육은 아동기에 실시하는 것이 효과적일 것이라고 생각하고, 아동미술의 일반적인 특징과 미술의 영역 중 디자인을 통해 효과적이고 손쉽게 아동들의 창의성을 향상시킬 수 있도록 미술 프로그램과 개발을 제안하면서 아동들의 창의성과 잠재력을 일깨워주는 미술교육 프로그램이 활성화되기를 기대하고 있다. 또한, 교사들의 지속적인 아동미술의 이해와 관심을 통한 프로그램 및 지도법의 연구가 더해진다면 미래사회가 필요로 하는 창의적 인재 양성교육에 미술교육이 중심에 설 수 있으리라 본다.

중국 한나라 복식을 응용한 디자인 연구 : Punk 패션을 중심으로

라산 한서대학교 국제예술디자인대학원 2011 국내석사

Clothing is not only a representation of a nation’s culture identity, but also a demonstration of an era. After the industrialization, the art of clothing became more diversified. Chinese civilization has a long history, the fine art of clothing is the center of attention. The research conducted in this paper aims at combining the clothing culture of Han dynasty and modern design in order to develop a new design with ethnic characters. First of all, the art of clothing in Han dynasty is highly developed, the popular style of shenyi and nuchun is both elegant and line fluent. And it is of great influence for the later design. This paper examined the shape, pattern, material and color of the clothes, and systematically summarized all the characters of the clothing art of Han dynasty. Secondly, the PUNK in 70s is an anti-tradition teenager culture. Mohicans head, smoke makeup, machine wagon jacket, broken stockings and jeans, metal pins and rivets represents a strong resist of tradition and it emphasis the self-existence and personality. This quickly became popular among young generations and influence the development of music and clothes In the whole European society. It inspired the fashion design, even we can still observe the unique MIX style of Punk in today’s designer clothes conference. The new design of clothes, although has no pattern to track, brings more fresh ideas for the modern designing. Thirdly, Punk has been developed into 'CNPUNK' as a result from the influence of Chinese ancient philosophy. In the recent decade, the popularity of Punk has not decreased. In general, Chinese Punk can be divided into Pure Punk, Cosplay Punk and Semi-Punk. Following the designing idea in Han dynasty, the first designed highlights the female waist, and incorporates the traditional design of the sleeve. The design uses leather, the popular material of Punk design, England lattice, Gauzeand Chinese brocade, and Grommet is used for accessories. The second design is inspired by the leather jacket and 曲裾深衣'Qu Jun Shen Yi', it applies the "Y" neckline which constantly appears in the design in Ham dynasty to the Punk style jacket. Using conventional embroidery, the design imitates and recreates the animal pattern used in Han dynasty and combines a lot of Stude decorations. The idea of third design comes from the 直裾深衣'Zhi Ju Shen Yi' from Han dynasty, It uses leather jacket as coat, however, unlike conventional leather jacket, the design uses the concept of Right lapel(右衽) and incorporates the design of 重缘‘Chong Yuan’. Overall, the design of skirt uses MIX style, combining leather, lattice and brocade. Irregular hem originates from quju style. It uses Punk style shackles as accessory. This research aiming at interpreting traditional culture identity with modern designing philosophy by combining traditional clothing design in Han dynasty of China with Punk elements. This paper emphasis the redesign of the structural and pattern characters of the traditional clothes in Handyn asty an ddeveloped three pieces of clothes each combined Punk elements and clothing designin Handynasty in different ways. 복식은 시대문화의 산물이자 민족의 정신문화를 보여준다. 현대 패션에서 디자이너들은 복식을 하나의 예술로 인식하며 새로운 미학을 추구하기 위해서 전통적인 복식 문화를 현대 패션에 적용, 그 민족의 정체성을 담은 현대 패션을 개발하는데 노력하고 있다. 이에 본 논문에서는 중국 한나라의 복식과 펑크(Punk) 패션의 연구를 통해 중국의 전통적 복식 특성과 동양의 정서가 담긴 독창적이고 폭넓은 펑크 스타일을 제시하고자 하였다. 첫째, 중국 한나라 남녀 복식의 조형, 색상, 무늬, 소재의 특성을 분석한 결과 이 시기의 복식문화가 현대 디자인에 풍부한 소재를 제공하고 있었는데, 특히 기괴한 문양 장식, 자수, 심의 등의 독특한 요소를 현대 디자인에 응용할 수 있었다. 둘째, 1970년대 반역, 개방, 퇴폐와 청춘기의 강렬한 자존심, 자아 세계에 대한 해방을 표출하고자 등장한 펑크가 현대에 와서 새로운 문화와 라이프 스타일이 결합하면서 그 모습이 고급화되고 절충화되는 것을 볼 수 있다. 패션에서 다양한 믹스 표현기법으로 다양한 이미지를 연출하고 있었다. 셋째, 펑크 스타일이 중국에도 영향을 끼치면서 중국적 정체성과 문화를 널리 알리고자 하는 'CnPunk'가 등장하였다. 중국 현대 패션에 나타난 펑크 스타일은 서양의 펑크 스타일을 그대로 모방하는 순수 펑크와 만화나 영화 등의 스타일을 따라하는 코스플레이(Cosplay) 펑크, 다른 스타일과의 혼합으로 편안하면서 세련된 분위기를 연출하는 세미(Semi) 펑크 스타일이 대부분인 것으로 나타났으며 중국의 정체성이 담긴 동양적인 펑크 스타일의 부재가 아쉬웠다. 이러한 연구의 특징을 바탕으로 한나라 복식과 펑크 스타일을 응용한 작품을 3벌 제작하였다. 작품 Ⅰ은 허리에 벨트로 사용하여 여성의 라인을 강조하는 한나라의 여성 예복에서 영감을 얻어 한나라 시대에 자주 사용했던 소재와 펑크 패션에서 자주 등장하는 소재를 혼합하고 한나라의 대표 색상인 검정색과 빨강색을 사용하였다. 또한 한나라의 곡거형 의상 특징과 펑크적 장식도 활용하여 새로운 느낌의 펑크 의상을 디자인하였다. 작품 Ⅱ는 한나라 복식의 중연포와 펑크 패션의 가죽 자켓을 혼합하여 변형된 디자인의 자켓에 한나라의 곡거심의를 변형하여 비대칭적인 실루엣을 구성하고 여러 가지 색상의 망사와 가죽 등의 소재 사용한 스커트로, 한나라의 전통적 문양에 대량의 피어싱과 스터드 장식을 사용하는 등 전통적인 한나라 복식의 특징과 펑크 패션의 반전통적이 특징을 믹스(mix)하는 방법을 활용하여 새로운 펑크적 이미지를 부각하고자 하였다. 작품 Ⅲ은 한나라의 기하학적 문양, 한나라의 중연과 직거 형태를 응용한 펑크 패션의 주요 아이템인 바이크 가죽 재킷을 제작하였다. 자켓 안에 착용한 원피스는 한나라의 곡거 형태를 표현하고자 하였고 펑크적 요소인 가죽과 체크 소재에 중국의 금단을 혼합, 지퍼와 사슬 등의 장식을 활용하였다. 본 연구자가 추구하는 중국 한나라 복식을 응용한 디자인 연구는 중국의 사상과 전통적 특성이 담긴 펑크 스타일이라는 미적 가치를 파악하는데 그치지 않고, 실제로 중국 CnPunk에 영향을 끼쳐 같이 공유할 수 있는 스타일로 발전할 수 있으며 독창적이고 폭넓은 디자인 개발에 영감의 자료로 제시함에 그 의의를 두고 있다.

중국 아동 가구의 안전 디자인에 대한 연구

조우 한서대학교 국제예술디자인대학원 2013 국내석사

Nowadays, China’s rapid economic development gradually leads to citizens’ increasing demand for house furnishings, emergence of the new culture of child furniture, and the development of new products in the manufactory market. However, when considering children’s immatureness and vulnerability, the safety of child furniture must come first on the list. The design of Chinese child furniture and its market still remain in the preliminary phase. A complete systemic design theory does not exist yet, let alone making advanced products. Although an increasing number of child furniture organizations emerged in recent years, most of them designed the foreign-duplicated products. Since a majority of parents still lack of awareness of child furniture, they fail to focus on the safety issue when they purchase furniture. This also results in the provisional danger of children furniture market. This paper mainly discusses child furniture in three sections. They are marketing analysis of child furniture, safety design of child furniture and practice of child furniture. In the marketing analysis section, it is stated that the development direction of Chinese furniture has settled through the analysis of Chinese child furniture category, consumption and organization-related information. The safety of child furniture design section covers the essential elements that need to be focused. They are presented comprehensively with the correlation among children furniture, children’s physical and psychological characteristics, the style of child furniture, the safety issue, color, materials and size selection, 1. Child furniture, different from adult furniture, requires a high consideration of children’s physical and psychological elements. 2. The segmentation of children’s ages also needs to be considered during the selection. People usually overgeneralize that bright color is more reasonable for all the children. 3. Acceptable child furniture requires an effective combination of sleep function, study function, and storage function. 4. Due to the frequent application of hardwood, if it’s possible, we should avoid the class-contained furniture when choosing the materials,. 5. Child furniture structure must be solid and stable. In this paper, we took the ‘Dohia’ company as an outstanding instance among all the Chinese domestic child furniture industries. The design concepts of ‘Dohia’ were described profoundly in order to demonstrate child furniture safety design. With an emphasis on the importance of color selection and the assortment of fundamental color and supplementary color, Dohia exerts much effort on highlighting the fundamental color of furniture by using a certain amount of supplementary color to set off, and therefore an aesthetical effect can be presented. In the section of child furniture practice analysis, products relevant to Chinese child-suited beds were thoroughly analyzed. The analysis lays the foundation of children’s physical and psychological characteristics research, and likewise leads to the arousing awareness of the importance of the development of child-suited beds, material selection and color assortment, during the design process. Along with a growing number of parents’ approve of their children’s independent decision, more and more children start to determinate to choose their own furniture. Since child furniture safety serves as the most vital element of furniture design process, all the product surfaces are required to be smooth and pressure-resisted. In addition, it is necessary to concentrate on accomplishing a targeted design system, which requires a combination of children’s physical and psychological characteristics and the safety element. Making a healthy and delightful life environment for the children is a common responsibility for the parents, furniture designer and the manufactory company. 현재의 중국은 비약적인 경제의 발전으로 생활수준도 나날이 좋아지고 있으며 일상 생활 중 가구에 대한 사람들의 요구 수준이 높아졌다. 따라서 어린이방 및 아동 가구는 새로운 문화현상과 새 제품 타입으로 가구 시장에서 빠르게 발전하고 있다. 어린이는 아직 성숙되지 않아 위험 요소에 더욱 민감하고 약하여 아동 가구의 안전성은 어린이방에 있어서 무엇보다도 선행되어야 한다. 중국에서 아동가구 디자인이나 아동 가구 시장은 아직 초보 단계로 디자인 커뮤니티에서 아직 시스템적인 디자인 이론이 형성되지 않았고 디자인 제조 레벨도 아직 고르지 못한 편이다. 최근 몇 년 사이에 중국에서 우수한 아동가구 기업들이 많이 나타나기는 했지만 국외 디자인을 그대로 모방하는 기업이 대부분이다. 대다수의 부모들 또한 이에 대한 인식이 부족하다. 따라 아동가구 디자인에서 안전성 고려가 부족하여 빠르게 발전하고 있는 아동가구 시장의 잠정적 위험이기도 하다. 본 논문은 아동가구 시장에 대한 연구, 아동가구의 안전성 디자인, 디자인의 실천 세 부분으로 나누어 논술한다. 아동가구 시장에 대한 연구에서 중국 아동가구의 분류, 소비, 기업 발전에 대한 연구 분석을 통하여 중국 가구 시장중에서 아동가구의 위치 및 발전 방향을 확정하였다. 아동가구의 안전성 디자인에서 어린이의 신체적 심리적 특징과 아동가구 사이의 연계성, 아동가구의 스타일과 구조의 안전성, 아동가구 디지인의 색채 안전성, 아동가구 재질의 안전성, 아동가구 디자인의 사이즈 안전성 등에 대한 연구를 통하여 디자인 시 주의해야 할 사항에 대하여 제시 하였다. 1. 아동가구는 어른용 가구와 달리 어린이의 심리적 신체적 요소를 더 중시하여야 한다. 2. 아동가구의 색채 선정에서는 어린이의 연령대를 중시하여야 한다. 어린이에게 밝은 색일수록 더 적합하다는 편견은 잘 못된 것이다. 3. 아동가구의 기능성에서는 수면 기능, 공부 기능, 수납 기능 등을 유효적으로 결합하여야 한다. 4. 아동가구의 재질선정에서는 원목을 많이 사용하되 가급적으로 유리는 피해야 한다. 5. 아동가구는 구조상 무조건 견고하고 튼튼하여야 한다. 본 논문에서 아동가구의 안전성 디자인에서는 중국의 아동가구 기업중 우수한 대기업인 “다희애(Dohia)”의 디자인 이념에 대하여 분석하였. “다희애(Dohia)” 아동가구는 색채 선정의 중요성을 강조하며 기본 및 보조 색채의 관계를 중시하고있다. 디자인에서 기본 색채를 돌출시키고 보조 색채를 적당히 넣어 기본 색채를 뒷받침하여 색채의 미적 효과를 구현하였다. 디자인의 실천부분에서 중국의 어린이용 침대 제품에 대하여 깊이 분석하고 어린이의 심리적 신체적 특징에 대한 충분한 연구 분석을 바탕으로 어린이용 침대의 디자인에서는 어린이용 침대 기능의 개발, 재질 선정, 색채의 조합 등 세 방면에 주의를 기울여야 한다. 최근에 들어 어린이의 독립적 판단력을 중요시하는 부모들이 늘어나면서 소비 과정에서 어린이의 결정권도 향상되고 있다. 아동가구의 디자인에서 안전성은 가장 중요한 요소로서 가구 표면은 거침성이 없고 반드시 부드럽고 매끈해야 하며, 내압성과 내 충격성이 좋아야 한다. 이 외에도 어린이의 심리적 신체적 특징과 안전 요소 등을 결합하여 타겟성이 있는 시스템 디자인을 완성하는데 주력하여야 한다. 어린이들의 거주 환경을 중시하여 어린이들에게 더 건강하고 지능적이며 유쾌한 생활 환경을 마련해주는 것은 부모들이나 디자이너 및 기업들이 공동으로 짊어져야 할 과제이다.

하지절단 장애인을 위한 남성복 디자인 연구

전성철 한서대학교 국제예술디자인대학원 2013 국내석사

하지절단 장애인은 하지를 상실하였기 때문에 일상적인 생활에 불편을 느끼게 되며, 비장애인과 같은 생활을 영위하기 위하여 목발, 의지, 보조기, 휠체어 등의 이동보조기구를 사용하게 된다. 하지절단 장애인의 보조기구의 사용은 일상에서 보다 많은 이로움을 주지만 의복의 착용에 있어서 불편을 초래하게 되는 경우가 많다. 이러한 하지절단 장애인의 의복의 착의 및 탈의에서 초래되는 문제점을 최소화하기 위하여 하지절단 장애유형 및 보장구 종류에 따른 장애인 의복의 개발이 필요하다. 특히 장애인의 의복은 신체구조와 보장구를 고려하여 의복으로써 무리가 없고, 착·탈의가 편리하며, 그들의 활동성을 고려하여야 할 것이다, 장애인들을 고려한 의복은 1차적으로 외모를 보완하고 자신감을 부여할 수 있고, 2차적으로 사회 환경에 적응에 도움을 줄 수 있다. 따라서 본 연구는 하지절단 장애에 대하여 구체적으로 살펴보고, 설문조사를 통하여 그들 의복에 요구되는 장애인복의 특성을 파악하여 기능성과 편리성을 고려한 하지절단 장애인을 위한 의복을 개발함으로써 장애인복 산업 발전에 기여하고자 한다. As the handicapped people with lower limbs amputated do not have a leg, they feel inconvenient in their daily living. They use the ambulatory assist devices such as crutch, leg prosthesis, accessorial device, and wheelchair in order to lead a life just like a non-disabled person. The assist device provides much advantage for lower limb amputees in their daily routine life but it frequently causes inconvenience in wearing the clothes. To minimize this problem for those who have a leg amputation when they put on or put off the clothes, it needs to develop the costume available for them according to amputation type and assist device. Especially, as to the disabled person's clothing, such factors should be considered as clothing function, comfortableness, and activity in view of bodily structure and assist device. Firstly, this clothing can give compensation and self-confidence in appearance. Secondly, this kind of costume can help them accomodate themselves to the social environment. Therefore, this study would look into details about the lower limb amputation and characteristics about the handicapped people's clothes. Based on this, the work would aim at contribution to the disabled person-specific wear industry through development of their own function and convenience. For the research method, review was followed over the definition of disabled person, type of lower limb amputation, and its characteristic by examining the precedent works and literature. With reference to those works, the questionnaire survey was made to comprehend the developing process and the points to be improved and then the wear for their own purpose was designed and produced in consideration of results from the empirically statistical data. The survey was performed with a random sampling from the lower limb amputees in Seoul Brace, Korea Orthopedics and Rehabilitation Engineering Research Center, and Seoul Veterans Hospital. Frequency analysis and cross tabulation analysis were also made on the questionnaire sheet. In the questionnaire survey, the level of satisfaction with what they wear appeared differently, depending on the type of disablement. In case of Unilateral Below-Knee Amputation, there were some problems with wear damage and wear mend. In Unilateral Above-Knee Amputation, there were problems with putting on and off or opening the clothes in easing nature and with contamination, damage, and mend of clothes in washing the face. In case of Bilateral Below-Knee Amputation, the overall improvement was needed. Particularly, many problems were found regarding the damage. In Bilateral Above-Knee Amputation, there happened many problems on the whole. In the usage category, the uncomfortableness in townwear was the biggest problem. Especially, the uncomfortableness appeared largely in the lower garment when gait assist device or wheelchair was used. In the category of clothing preference, people had the relatively high preference toward flexible cloth in material, the soft one in feel and touch, and the comparatively large size in style. In the color category, they generally favored the achromatic and blue color series. For the adjusting or straightening accessory, zipper and button types were favored. For the type of neck shape, the preference appeared in the order of round, V, U, and shirt collar. Based upon the findings from survey, the functional garment was designed and produced according to types. As there was not much problem or inconvenience in design for the Unilateral Below-Knee Amputation case when wearing the clothes, this case was excluded in production. For the case of Bilateral Below-Knee Amputation wear, it was designed so that enough room could be given to the length of upper garment and side and back could be separated. For the upper garment, a rubber band was used as belt in order to prevent the tightening of waist and it was designed in the way that attachment or adjustment of prosthetic limb is easy in indoor and outdoor with application of zipper along the separation line. Many accessorial pleats were also given to knee area for easy movement. For the lower garment with Bilateral Above-Knee Amputation, a rubber band was applied to waist and a double locking device was used with button and zipper, thus making it easy to adjust the prosthetic leg. In addition, zipper was utilized in the knee area along the separation line. For the amputee case of Unilateral Above-Knee, a high frequency to wear the prostheses was found both in indoor and outdoor. Among the prosthetic devices, the higher frequency was revealed in walker than in wheelchair and crutch. For the lower garment, attention was paid to the wear-out problem in the knees and buttocks. To solve this, the less abrasive material was used together with design consideration with a link of buttocks and knees. Also, it was designed with application of separation zipper for amputees to put on or adjust the gait device without having to put off the clothes. For the upper garment, the design was adopted that its wait part could be detachable for activity and its hand part could also be separable to make a vest. The functional clothing introduced for lower limb male amputees would provide functional and psychological satisfaction for them as members of society that they belong to. This will help rich in the emotional satisfaction in their daily life and guide the development direction for the clothing industry to improve the special garment and active marketing.

무형문화유산의 지식재산권 보호방안 연구

양정미 한서대학교 국제예술디자인대학원 2013 국내석사

In this knowledge-information-based society, intellectual property has emerged as a source of added value in international trade. In other words, the economic value of intellectual property rights (IPR) has increased. Recognizing IPR as a core element of creating national wealth, countries around the world are finding ways of reinforcing protection of IPR, such as recognizing intellectual property and promoting its use. Under the circumstances, there is a growing interest in traditional knowledge, which remained out of protection, because it is commercialized and used as intellectual property by Western industries. Traditional knowledge, which covers all inherited knowledge, includes traditional medicine, food, and arts. There is renewed interest in the economic value of traditional knowledge, and its commercialization has been increasingly successful. Behind this trend, however, lies misuse and abuse of traditional knowledge by Western industries who do not seek consent from natives with traditional knowledge. As a result, the personality and identity of traditional knowledge holders is undermined, and they are ignored in the cultural and religious aspects. Moreover, a problem has emerged in that Western industries refuse to share profits created by the commercial use of traditional knowledge. Owing to advances in IT technology and international trade, the rights of traditional knowledge holders have been violated. This problem is not limited to a single country but is an international issue. India, for instance, has used an ingredient from the Neem tree for home remedies. However, a US pharmaceutical company acquired an international patent using this method, which eventually ended in patent cancellation due to protests by the Indian government. As the traditional knowledge or of a country become more and more commercially used, developing countries with such knowledge are demanding a firm establishment of international norms under which relevant profits are shared. To discuss international legal protection of traditional knowledge and mediate conflicts of interest between advanced countries (the powerhouses of technological innovation) and developing countries (the genetic resources holders), WIPO established an intergovernmental committee in 2000. Since 2001, the committee has held conferences, up until December 2012 (when the 22nd conference was hosted). The process of past conferences can be summed up in four stages. The first five conferences, in Stage1, emphasized the importance of developing a toolkit with which to document traditional knowledge. To this end, countries directly involved agreed on a measure that includes traditional knowledge in searchable prior technology-an establishment of DB. They agreed on the need to unify natives’various languages that are used in the toolkit to a single language. However, all parties could not come to an agreement, as the developing countries insisted on stronger protection through a sui generis system. In the sixth to tenth conferences, in Stage 2, developing countries demanded legally binding international norms(e.g.,reorganizing legislation in each country while establishing DB). In contrast, advanced countries argued that it was premature to discuss norms, and that the purpose of traditional knowledge protection and consensus on principles should be first discussed. In the eleventh to nineteenth conferences, in Stage 3, both sides addressed ten issues proposed in the tenth conference. From the nineteenth to the present conference, in Stage 4, they created the unified draft on traditional knowledge, genetic resources and traditional cultural expressions. Still, both sides are failing to find common ground. Developing countries such as India and Brazil are strongly demanding protection of traditional knowledge and the introduction of a sui generis system, a legally binding system of its own. Although advanced countries such as the US and Japan agree on the basic concept of traditional knowledge protection, they argue that the knowledge should be protected within the frame of existing intellectual property. Korea, with relatively less genetic resources and traditional knowledge, takes the same position as the advanced countries in the WIPO intergovernmental committee. This study aims to clarify the concept of traditional knowledge, and examine its scope. That is because definition of traditional knowledge is closely connected to what is the protection directed to and the scope of the protection. This study will identify patent-related problems with the existing IPR system by analyzing the trend of international discussions and the WIPO protection system. Also, it aims to present a defensive measure that sticks to the existing IPR protection system and a more aggressive measure (four models) that is proposed by the new system of its own. Although some traditional knowledge and intangible cultural assets can be protected by the existing IPR protection system, it is insufficient to meet all demands and expectations. For this reason, it is desirable to take various approaches to protecting traditional knowledge, because such protection cannot be achieved by one legal system alone, but by a flexible response to the characteristics of each ethnic group and culture. Under the circumstances, Korea needs to review relevant IPR law that is in accord with international discussions, in order to prepare for possible enactment of international law on the sharing profits from genetic resources, and protection of traditional knowledge. Particularly, the country should continuously work on a DB establishment of traditional knowledge so as to meet requirements of PCT minimum documentation. Moreover, Korea should not remain passive, saying that it does not contain sufficient genetic resources and traditional knowledge. Rather, it should realize that it can have a significant effect on national economy and industries with its own biotechnology and 지식정보화 시대를 살아가는 요즘, 지식재산은 세계 무역 경제에 있어서 부가가치의 원천으로 부상하고 있다. 다시 말해, 지식재산권의 경제적 가치가 더욱 커지고 있다. 이에 따라 세계 각국은 지식재산권을 국부창출의 핵심요소로 인식하여 지식재산 창출 및 활용촉진 등 지식재산권 보호를 대폭 강화하고 있다. 이러한 가운데 지금까지 지식재산권의 사각지대에 놓여 보호되지 않던 전통지식이 서구산업계에 의해 이용되어 상업화가 되고 지식재산권화 되면서 전통지식에 대한 관심이 증가하고 있다. 전통지식이란, 전통적으로 계승되어온 모든 지식을 총망라하는 개념으로서 전통의약, 전통식품, 전통예술 등을 포함한다. 전통지식의 경제적 가치의 재발견과 상업화 성공사례의 증가는 전통지식에 대한 관심과 상업화를 활발하게 추진시키고 있지만, 그 이면에는 서구산업계가 전통지식을 보유한 개인 또는 토착민의 동의를 얻지 않고 무분별한 전통지식의 사용과 오·남용을 하고 있었던 것이다. 그로인해 전통지식 보유자들의 인격 및 정체성이 훼손되고, 문화적·종교적으로도 무시당하고 있다. 그리고 서구산업계가 전통지식의 상업적 사용으로 인해 창출된 이익을 공유하지 않아 문제가 되고 있다. 정보통신기술의 발달과 국제무역의 활성화로 인하여 전통지식의 보유자들의 권리와 이익이 침해되는 문제는 단순히 한 국가 내에서 뿐만이 아니라 여러 나라에 걸쳐 발생하는 국제적인 문제로 확산되어 가고 있다. 예를 들면, 인도에서 민간요법으로 Neem 나무에서 추출한 성분을 약제로 활용하여 왔음에도 불구하고, 미국의 한 제약회사가 이를 이용한 국제특허를 취득하였다. 하지만 인도 정부의 노력으로 그 특허는 취소가 된 사례가 있다. 이처럼 특정 국가의 전통지식이나 유전자원을 상업적으로 활용하는 사례가 많아지게 됨에 따라, 전통지식을 보유한 개발도상국들은 전통지식이나 유전자원의 활용과 관련한 이익을 공유하는 국제적인 규범의 확립을 요구하고 있다. 이에 기술 혁신 강국(선진국)과 전통지식 및 유전자원 보유 강국(개발도상국) 간에 이를 둘러싼 이해관계 조정과 전통지식의 국제적 법적 보호 논의를 위하여 2000년 세계지식재산권기구WIPO에서 정부간위원회를 설치하여 2001년부터 2012년 12월 22차 회의까지 계속 회의를 진행하고 있다. 지금까지 회의의 과정을 간단히 4단계로 요약된다. 1단계는 1차부터 5차 회의이며, 전통지식을 검색 가능한 선행기술에 포함시킬 수 있는 방안, 즉 DB구축을 하자는 데에 양자가 합의를 한 것이다. 그 내용은 전통 지식의 문헌화를 위한 툴킷Toolkit 개발의 중요성을 강조하고, 그 툴킷에 사용되는 원주민의 다양한 언어를 단순한 하나의 언어의 필요성을 강조하였다. 하지만 개발도상국은 추가로 독자적 제도sui generis system을 통한 적극적 보호 방안을 주장하여 여전히 대립점이 남아 있었다. 2단계는 6차부터 10차 회의이다. 이 단계는 합의된 사항에 대한 개발도상국과 선진국의 입장차가 드러났다. 곧 개발도상국은 DB구축을 실행화하면서 각 국가별 독자적 법령을 정비하는 등 법적 구속력을 갖는 국제 규범의 논의 진행을 주장하였다. 반면 선진국은 실질적인 규정의 논의는 시기상조이며 전통지식 보호의 목적 및 원칙 합의 도출이 우선시 돼야한다고 주장하였다. 3단계는 11차부터 19차 회의이며, 10차 회의에서 상정된 10가지 이슈를 규정하고 문안 협상을 진행하였지만 양자의 충돌은 계속되었다. 4단계는 20차 회의부터 현재까지의 전통지식, 유전자원, 전통문화표현물에 대한 문안을 단일화했다. 하지만 여전히 양자간의 합의점을 찾지 못하고 있다. 즉 개발도상국에 해당되는 인도, 브라질 등은 전통지식의 보호를 강력히 주장하며, 구속력있는 새로운 독자적 제도sui generis system의 도입을 주장하고 있다. 반면 선진국에 해당되는 미국, 일본 등은 전통지식을 보호한다는 기본 취지에는 동의하나 기존 지식재산권의 틀을 벗어나지 않는 범위 내에서 보호되어야 한다는 입장이다. 우리나라는 유전자원 및 전통지식이 상대적으로 풍부하지 않기 때문에, 현재까지는 WIPO 정부간위원회에서 개발도상국의 입장보다는 선진국과 입장을 같이 하고 있는 상황이다. 본고는 먼저, 전통지식과 무형문화유산의 지식재산권 보호를 하는데 있어서 전통지식의 개념 정립 및 범위를 살펴보았다. 전통지식의 개념 정의는 지식재산권 제도의 보호 대상과 범위 문제와 밀접하게 연관되어 있기 때문이다. 이에 대한 국제적 논의 동향 및 보호제도를 분석하기 위해 WIPO 회의의 진행 추이와 현행 지식재산권 제도의 특허요건이 가지는 문제점을 밝히고, 기존의 지식재산권 제도를 고수하자는 방어적 방안과 새로운 독자적 제도가 제안하는 4가지 모델, 적극적 방안을 제시하였다. 현행 지식재산권 제도는 전통지식과 무형문화유산을 제대로 보호하기 어렵다. 전통지식의 보호는 한 가지의 법체계로 달성될 수 있는 것이 아니라, 각국의 민족과 문화의 특성에 따라 유연하게 대응할 수 있는 것이기 때문에, 다양한 접근법이 인정되는 것이 바람직하다고 생각한다. 이에 우리나라는

오페라 라보엠과 영화 뮤지컬 렌트의 연기 비교 연구 : 셔레이드 기법을 중심으로

강서연 한서대학교 국제예술디자인대학원 2020 국내석사

본 논문에서는 오페라[라보엠]과 뮤지컬[렌트]의 연기 비교를 목표로 하며 셔레이드 기법을 중심으로 비교, 분석 연구하였다. 오페라와 뮤지컬은 종합예술이라는 공통점을 가지고 있지만 가장 큰 차이점은 음악이다. 클래식중심으로 되어있는 오페라와 달리 뮤지컬은 대중들이 쉽게 접할 수 있는 발라드, 락, 째즈, 팝, 크로스오버 음악 등 여러 가지 음악을 자유롭게 사용하고 변형하여 사용된다. 분석 대상인 오페라[라보엠]과 뮤지컬[렌트]는 두 작품 모두 대중성과 작품성을 인정받은 작품들이다. 오페라[라보엠]의 창작 작품인 뮤지컬[렌트]는 락 음악과 현대에 나타나는 다양한 사회 문제들을 추가하여 새롭게 재탄생했다. 현재 오페라[라보엠]과 뮤지컬[렌트]를 통하여 작품의 공통점과 차이점을 제시한 연구는 많이 있지만 두 매체를 셔레이드 연기 기법으로 비교, 분석한 연구는 지금까지 없었다. 뮤지컬 연기에 관한 연기 방법론 연구는 비교적 많이 연구되었지만 오페라 연기에 관한 관련 논문은 부족한 것이 사실이다. 같은 무대예술로서 음악만 다르게 사용하는데도 불구하고 연기에 대한 중요성은 서로 다른 차이를 지니고 있다. 영상예술에서의 오랜 역사를 가지고 있는 셔레이드 기법은 대사 이외의 간접적 의미표현을 총칭하는 개념이다. 많은 연기 방법론 중 셔레이드 연기를 택한 이유는 셔레이드 기법은 대사로 설명하는 것보다 훨씬 더 강한 인상으로 관객들에게 더 효과적인 방법으로 다가오기 때문이다. 등장인물에서의 셔레이드 연기는 시간적 배경과 등장인물들의 연령과 학력, 직업, 성격 그리고 극 전체 스토리를 판단하는 자료가 되며 또한 관객들에게 배우들의 ‘안면표정’과 동체 그리고 사지의 ‘제스처’와 소도구를 통해서 가장 직접적이고 친근하게 극의 스토리가 전달된다. 그러므로 셔레이드 기법 중 동작표현의 셔레이드, 소도구 표현의 셔레이드, 장소 표현의 셔레이드, 사운드 표현의 셔레이드 네가지로 분류하려고 한다. 연구의 정확성을 위해 실제 무대공연을 녹화한 실황DVD를 참고하였다. 하지만 전체 무대를 녹화가 아닌 부분 촬영 여건상 전체 무대를 관찰하기 힘들었으며 배우들의 안면표정과 동체를 관찰하는 데에도 어려움이 있었다. 본 논문에서는 오페라[라보엠]과 뮤지컬[렌트]에서 셔레이드 연기가 영상예술에서만큼 무대예술에서도 중요한 위치에 있다는 것에 목적을 둔다. 그리고 지속적인 연구를 통해 무대예술에서의 연기훈련에 있어서 관련 지망생과 전공자들에게 도움이 되었으면 한다. This study mainly compared and analyzed charade to compare acting between the opera [La Bohème] and the musical [Rent]. Opera and musical have something in common as they both are a composite art, but the biggest difference is music. Unlike opera, which is based on classical music, musical is free to use and modify various genres of music such as ballad, rock, jazz, pop, and crossover music that are easily accessible to the public. The opera [La Bohème] and the musical [Rent], which are the subjects of this analysis, are both recognized works for their popularity and workability. The musical [Rent], a creative work of the opera [La Bohème], was newly reborn with the addition of rock music and various social problems in modern times. There are many studies that suggest the commonalities and differences of the works through the opera [La Bohème] and the musical [Rent], but there have been no studies comparing and analyzing the two media with the acting technique of charade. Although the acting methodology of musical acting has been studied relatively much, there is a lack of related studies on opera acting. Even though only music is used differently as the same stage art, the importance of acting is different. Charade, which has a long history in visual arts, is a general term for indirect meaning expression other than dialogue. Among many acting methodologies, the reason for choosing charade acting is that charade is so much more impressive than description with dialogue that it is more effective for the audience. The charade acting of characters serves as a resource for judging the temporal background, the age, educational background, career, and personality of the characters, as well as the whole story of a play. And it can tell the story of a play most directly and intimately to the audience through actors' facial expressions and bodies, limb gestures, and props. Therefore, this study aims to classify charade into four types: movement expressions, prop expressions, place expressions, and sound expressions. To ensure accuracy, this study referred to a DVD with the live recording of the actual stage performance. However, it was difficult to observe the entire stage because the stage was partially filmed not recorded entirely, and it was also difficult to observe the actors' facial expressions and bodies. This study aims to show that charade acting in the opera [La Bohème] and the musical [Rent] is as important in theatrical art as in visual art. In addition, it is hoped that continuous research will be helpful to relevant applicants and majors in acting training in theatrical art.

근대 서양복식의 미적특성을 응용한 패션 디자인 연구 : 바로크·로코코시대를 중심으로

이계진 한서대학교 국제예술디자인대학원 2010 국내석사

16세기 후반 바로크시대는 서양예술사에서 매우 중요한 예술 사조이며 복식에 대한 영향은 주로 그 시기의 남자복식으로 표현되어, 복식의 이미지가 곡선과 화려한 단추, 새틴 리본과 보타이장식을 강조하여 비록 여성적인 장식을 했지만 남성다움의 본걸을 잃지 않았다. 이때의 프랑스는 이미 세계 복장무대의 발원지와 패션의 중심이 되었다. 계몽운동과 산업혁명이 발생한 후에 서양사회는 강력한 변화가 생기기 시작하지만 복장은 본래의 상황을 유지하였고 다만 장식의 중심은 17세기의 남성 복식을, 18세기의 여성 복식으로 이동시켰다. 세계의 예술사에서 바로크(Baroque)경향은 자유의 동태, 화려한 장식, 복잡한 라인, 농열한 컬러 및 강열한 감각 자극으로 개괄된다. 17세기부터 18세기 중엽 기간, 바로크 경향은 전체 유럽을 휩쓸었으며 심지어 더욱 멀리 있는 라틴아메리카까지 도달하였으며 희극, 조각, 회화, 문학, 무용 및 음악 등 여러가지 예술 영역과 관련되었다. 바로크 경향은 17세기의 유럽 의복에 특별히 영향을 주었으며 또한 18세기 로코코 발전을 주도 하였다. 로코코 시대는 보통 세 시기로 구분된다. 초기는 루이 15세의 섭정기(攝政期, 1725∼1774), 중기는 루이 15세의 친정기(親政期, 1723∼1774), 그리고 말기의 루이 16세 시대(1774∼1792)로 구분한다. 복식 문화를 중심으로 이 세 시기를 연구하여 보면, 로코코 양식으로 가장 화려한 시기는 중기인 루이 15세 때와 루이 16세 시대의 초기로 볼 수 있다. 로코코풍의 의상은 로코코 시대 궁정 여인들의 의상에서 시작되었는데, 그들은 관능적이며 향락적인 생활을 즐겼고 이러한 생활상은 의상에 그대로 반영되었다. 18세기의 여자 복식은 가슴을 깊이 파고 허리를 졸라 매어 힙(hip)부분을 펼침으로써 여성적인 곡선미를 의도적으로 강조하였는데 이러한 경향은 남성복에도 영향을 미쳐 여성적인 우아함을 띠게 하였다. 복식사상 그 유래를 찾아볼 수 없을 정도로 지나친 사치와 화려함 그리고 방탕한 귀족주의는 일반인들의 불만을 크게 일으켜 프랑스 혁명을 가져 왔는데, 혁명 이후에는 자연 그대로의 고대 스타일의 간소한 아름다움의 영향을 받아 단순화되기 시작하였다. 로코코 시대의 풍부하고 화려한 머리장식품, 코르사주, 가운(gown), 젖가슴의 노출, 다량의 레이스와 여성의 거대한 머리 장식 등은 로코코 시기의 상징이 되고 귀족의 우아한 정취를 드러냈다. 요약하면 바로크시대는 남성 복식 이미지가 강조되었고 로코코 시대는 여성 복식 이미지가 강조된 시대이다. 본 논문에서는 바로크 와 로코코 복식 미학 특징을 응용하여 남성복 과 여성복 세벌의 작품을 제작한다. 바로크 및 로코코 경향이 유럽 남녀 의상에서의 표현된 방식에 대하여 비교적 전면적인 고찰 및 정리를 하였고 2006년부터 2008년간 Dior, D&G, Chanel, Jean Paul Gaultier, Gucci, Alexander McQueen, Antonio Marras 등 국제 유명 남성 의류 브랜드의 의상 발표를 연구 대상으로 하여 패션 디자인의 미적 특성, 소재의 구성, 창작의 규칙 등 여러가지 방면으로부터 이러한 두 가지 경향이 현재 의상에서의 재현 형식에 대하여 비교적 계통적으로 분석, 연구 및 종합 하였으며 완전히 새로운 시각으로 부터 바로크 경향은 의상 영역에 한제된 것이 아니지만 의상 영역에 적용할 수 있는 것이 아직까지 발견되지 않은 새로운 가치를 발굴함으로서 바로크 및 로코코 양식과 현대 의상이 결합 할 수 있는 더욱 큰 가능성을 얻게 되며 그것으로 하여금 더욱 새로운 영향을 나타날 수 있게 하며 진정한 의상의 계승을 얻게 하는 것이다. 다른 한 방면으로서 세계의 의상 역사상 기타 클래식 의상 경향이 현대 의상에서의 성공적인 활용 가능성을 볼 수 있는 기반을 제공한다. As to its impact on costumes,the Baroque period in the latter half of 16th century, as a very important artistic style in the history of Western art, has been mainly reflected in the male fashion at that time, mainly emphasizing to show physical shape with trimmings of gorgeous buttons, satin colored ribbons and bowknots, which helps to embody male strength and braveness although feminine to some extent. At this time, France has become origin as well as fashionable focus of world apparel stage. After occurrence of enlightenment and industrial revolution, the western society has changed drastically, but costumes still maintained its original state and the fashionable focus had changed from male costumes in the 17th century to female costumes in the 18th century. In the world history of art, Baroque style has been summarized to be free dynamic, ornate with complex lines, strong colors and impressive sensory stimulation. Baroque style has swept across the entire Europe, even more distant Latin America during 17th century and the mid-18th century, involving with several arts fields such as drama, sculpture, painting, literature, dance and music, etc. Baroque style has greatly influenced European dress of 17th century and contributed to the emergence of Rococo style in 18th century in a sense. The Rococo period generally includes three sections, namely the initial period in regency of Louis XV (1725 ~ 1774), the middle period in reign of Louis XV (1723 ~ 1774) and the final period in reign of Louis XVI (1774 ~ 1792). From research on the above three periods by focusing on dress culture, we can conclude that the most brilliant period of Rococo style is from the reign of Louis XV to the initial reign period of Louis XVI. At the very beginning, Rococo style has started to appear in the dress of imperial ladies whose favorite lifestyle of brightness and indulgence was fully and directly disclosed in their costumes. The female dress of 18th century, with the style of lower chest, waist-shaped and partial hip-outreaching, helped to deliberately stress women’s beautiful curves, which had also affected male costumes with the style slightly as elegant as that of lady dress. Its origin failed to be found from the costume history, and excessive trimmings and luxury as well as dissolute aristocracy had disaffected the ordinary people, eventually resulting in the French Revolution. After the revolution, the fashion style, by influence to remain ancient style of nature and simplicity, began to be simplified. Rococo period is symbolized by ornate and gorgeous head ornaments, CORSAGE, gown, exposed chest, a large number of lace and women’s large head ornaments, which help to display the elegant sentiment of nobles. In summary, Baroque style emphasizes the image of male costumes, and Rococo period emphasizes the image of lady dress. In this paper, I have used Baroque and Rococo costume aesthetic characteristics to work out three works of male and female costumes, etc. I have more comprehensively inspected and systemized the display methods of Baroque and Rococo style in European men and women dress. From 2006 to 2008, taking apparel issued by internationally renowned male fashion brands of Dior, D & G, Chanel, Jean Paul Gaultier, Gucci, Alexander McQueen, Antonio Marras, etc, brands as the research objects, from various aspects of aesthetic characteristics and composition of materials, creation of rules in fashion design, etc, I have more systematically analyzed, researched and synthesized representational form of these two styles in modern costumes. From a completely new point of view, I believe that the new value of Baroque style, available in the apparel field, though not only limited to apparel field, has not be recognized yet, and I try to find out more possibility to integrate Baroque and Rococo style with modern fashions in order to display its newer attractions, and inherit it in a real sense. On the other hand, it will provide a basis from which we can see the possibility to successfully apply other classic fashion styles in the world apparel history to the design of modern costumes.

예술가곡 <대강동거(大江東去)> 연구

윤신신 한서대학교 국제예술디자인대학원 2014 국내석사

본 논문에서는 중국의 최초 예술가곡인 료상과(廖尚果, 1893-1959)의 <대강동거>에 나타난 창작기법을 형식구조, 가창, 선율, 화성, 리듬으로 세분화하여 각 악절과 악구별로 비교분석하였다. 이 분석 결과를 토대로 중국 예술가곡의 창작기법과 창법의 원리를 파악하는데 중점을 두었다. 그리고 본 논문의 결과는 다음의 다섯 가지 특성으로 요약되어 질 수 있다. 첫째, 작품의 형식구조는 2개의 주제를 각각 제1부와 제2부에 배치한 두 부분 형식으로 구성되어있다. 둘째, 가창은 완벽한 가사, 아름다운 선율, 뛰어난 피아노 반주는 모두 가창자가 잘 연주해줌으로 드러낼 수 있다. 어떠한 경우 작곡자가 역량, 속도 등 표정 기호로 해석을 하지만 가창자가 자신의 문학 수양으로 이해해야 한다. 특히, 중국 고대시가 창작시 지켜야할 규칙과 규율인 운철, 북송시대 어음과 억양, 그리고 언어 리듬은 현대 중국어와 약간 차이가 있어 충분하기 이해되어야 한다. 셋째, 선율은 크게 제1주제와 제2주제로 구성되었고 각 주제는 독립적으로 나타나며, 제1주제는 α와 β, γ 3개의 유도동기(Leitmotif)로 구성되어있고, 제2주제는 δ과 ε 2개의 동기로 구성되어 있다. 이 유도동기들은 리듬의 구조, 음의 윤곽, 음의 구성, 그리고 음정의 내용 등을 이도법, 확대법, 환음법, 전위법, 생략법 등 다양한 변주기법에 의해 작품 전체에 통일성 있는 균형감을 부여하였다. 넷째, 화성은 선율의 진행관계와 유기적 관계로 운용되는데, 각 화음의 구성음과 기능, 근음과 선율의 관계 등의 수직적 요소를 바탕으로 악구와 악구간의 화음 배치에 수평적 변화를 주고 있다. 특히, 제1부는 악절 단위의 전조로 변화를 시도하였고, 이와는 대조적으로 제2부는 전체를 동일한 조성을 사용하면서 차용화음, 대리화음 등 다양한 화성변화로 작품에 색채감을 주고 있다. 마지막으로 리듬은 선율부와 반주부에 각각 리듬 크기를 다르게 배치하여 수직적 대조를 이루게 하고, 주제가 반복되거나 교체됨에 따라 리듬의 구조와 형태 변화를 통해 수평적 진행관계의 다양성을 제고한다. 특히, 공통적으로 제1부와 제2부의 선율과 반주자의 오른손인 반주1 부분은 유니즌으로 리듬크기가 동일하거나 또는 유사한 형태로 되어있고, 왼손인 반주2는 제1부분에서는 주로 4분음표 위주의 4비트 위주로 되어있고, 제2부분에서는 1박자에 셋잇단음표(?)를 연속사용하면서 속도감을 부여하고 있다. 이처럼 본 연구를 통해 이 작품에 사용된 창작기법을 통하여 중국 예술가곡의 창작기법과 창법에 대한 하나의 기준점을 설정하고자 하였다. 또한 위에 제시한 종합적인 결론의 내용과 더불어 이 작품 분석을 통해 중국 예술가곡에 대한 이해를 높이고, 중국 예술가곡의 창작기법과 창법의 방향을 제시하고자 한다. The Study compared and analyzed the composition method of ‘the Mighty River Flows Eastward’, the first Chinese Ayre composed by Ryo Sang Gwa (1893-1959) by passage and phrase after segmenting it into formative structure, song, melody, harmony and rhythm. Based on the analysis result, it focused on figuring out the composition method and principle of Chinese Ayre. The results can be summarized into 5 as follows. Firstly, as for formative structure, the ayre consists of two parts in which two themes are displayed in each part respectively. Secondly, perfect lyric, beautiful melody and excellent accompaniment can be well demonstrated by an excellent song. In some cases, while composers interpret capacity, speed and other expression signals, the singer must understand the song in his/her own literary training. In particular, as Uncheol, North Song language and intonation and language rhythm as the rule and regulation for the ancient poem of China are different from the contemporary Chinese, it must be fully understood. Thirdly, melody is composed of theme 1 and theme 2 and each theme is independent. Theme 1 consists of 3 Leitmotif including α, β and γ 3, and theme 2 consisted of 2 Leitmotif including δ and ε. The Leitmotif gives balance to the whole aria by various variation methods such as second method, expansion method, return method, dislocation method and omission method upon rhythm structure, music contour, music structure and tune. Fourthly, harmony is operated in an organic relation with the progress of melody. Based on vertical elements such as chord structure sound and function, and relation of root sound and melody, it gives horizontal change on the harmony display between phrases. In particular, the part 1 attempts to change the dislocation of key by passage. To the contrary, part 2 uses the same tonality and gives colorful sense with various harmonic changes such as adopted harmony and substitute harmony. Finally, rhythm is displayed in a different size to melody part and accompaniment part for vertical contrast, and repetitive and exchange of theme enhances variety of horizontal progress by means of structure and shape change of rhythm. In particular, the melody of part 1 and part 2, and part 1 accompaniment of right hand of the accompanist are in unison having same or similar size of rhythm. And, the accompaniment 2 in the left hand is mainly 4 beat having crotchet in part 1, and uses triplet (?) at one beat in part 2 giving speedy sense. The study attempted to set a base line for the composition method and singing method of Chinese Ayre by analyzing the composition method of the ayre. And, Together with the comprehensive conclusion, this study also aimed to enhance understanding of Chinese Ayre and to suggest composition method and direction of Chinese Ayre.